"Nunca pinté mis sueños, solo mi propia realidad", así es como Frida Kahlo explicaba en vida que no se consideraba surrealista, corriente artística en la que se han englobado sus cuadros. De hecho, tal y como ella misma reconocía, ni se le había pasado por la cabeza que pudiera serlo hasta que llegó André Breton a México y se lo dijo. Otra de sus célebres citas dice "pinto flores, así no mueren" y, entre otras muchas, ambas resuenan en el Teatro Instante con cada nuevo pase de Vida y obra de Frida Kahlo. Una exposición que rompe con la tradición para convertirse en toda una experiencia con la ayuda de la tecnología.

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Los días de la que, a día de hoy, es una de las pintoras más célebres de la historia estuvieron marcados por el tormento de la mala salud y el amor tóxico, haciendo de su vida y obra dos mitades de un todo indivisible. Ahora, una exposición inmersiva lo plasma con toda la potencia de pinturas como Las dos Fridas, El venado herido o Diego en mis pensamientos. Y lo sabemos de primera porque la hemos visitado y no solo es una preciosidad sino que, en una época en la que parece que ya lo hemos visto todo sobre la artista, logra sorprender y alzarse como muestra única en su especie.

"Viva la vida" vs. "Espero alegre la salida y no volver jamás"

Contemplar la obra de Frida genera en el espectador la certeza de que solo hay dos cosas seguras en la existencia de todo ser humano: la vida y la muerte. Luego está todo lo que hay en medio y que ella retrató a todo color y haciendo que salpicara la oscuridad de lo primero hasta quedar cubierta de tonos brillantes.

No obstante, no se ha necesitado la cesión de ninguna obra por parte de ningún museo para montar Vida y obra de Frida Kahlo. Solo cuatro paredes desnudas y un altar pintado de blanco a modo de lienzos sobres los que proyectar fotos de Frida de cuando era pequeña y de su familia, animaciones de cuadros cuyos personajes cobran vida... y una cuidada narración dramatizada que hace un repaso por su trayectoria personal y profesional a través de citas y extractos del diario de la mexicana.

Hasta la banda sonora es original y corre a cargo del compositor y pianista Arturo Cardellús, nominado a un premio Goya. Además, ha sido grabada con la Budapest Art Orchestra de la mano de su director de orquesta, Peter Pejtsik. Y es que este proyecto se encuentra a medio camino entre el arte, la performance y el cine.

Para ello, se ha diseñado un innovador espacio expositivo en una antigua cochera de autobuses, al más puto estilo industrial como la expo sobre Peter Lindbergh que tiene estos días en A coruña, y que cuenta con 1.129 m2 de superficie de proyección HD (incluyendo paredes y suelos) y 38 proyectores de última generación.

El resultado es una puesta en escena multisensorial de la vida y trayectoria pictórica de la artista mexicana en la que más de cien obras plásticas, literarias y fotográficas cobran vida tomando como punto de partida el carácter autobiográfico de la obra de Frida Kahlo.

Una biografía marcada por el sufrimiento desde la enfermedad que se manifestó desde su más tierna infancia con la polio, hasta las secuelas del accidente de autobús que incluyeron dolores crónicos y la imposibilidad de engendrar. Pasando por las infidelidades de su esposo Diego Rivera. Eso sí, siempre rompiendo tabús en el lienzo sobre el cuerpo y la sexualidad femenina. No por nada es actualmente símbolo del feminismo en el arte.

No cabe duda de que, además, Kahlo supo crear también un personaje con su icónica forma de vestir y arreglarse inspirada en vestimentas y abalorios indígenas, y su negativa a depilarse cejas y bigote. Algo que la ha llevado a convertirse en sinónimo de marca rentable de merchandising de todo tipo,  a pesar del tremendo dolor que supuran sus cuadros y las cotas de oscuridad que pueden llegar a alcanzar hasta sus colores más vivos y, sobre todo, a pesar de que la artista era oficialmente miembro del partido comunista y, cuando murió, su féretro fue cubierto con la bandera roja de la hoz y el martillo.

La experiencia acaba de estrenarse en el madrileño barrio de Delicias y podrá visitarse hasta el 1 de abril en el Teatro Instante (C/ Palos de la Frontera, 20). Después de su paso por la capital, se trasladará a Barcelona y recorrerá otras ciudades europeas y asiáticas como Copenhague o Bangkok.

Fotos | Cortesía de Acciona

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Moda y arte se complementan perfectamente. Y así lo demuestran los ejemplos de la unión de ambas disciplinas que hemos visto a lo largo del tiempo. Desde colecciones inspiradas en diversos estilos artísticos a prendas convertidas en obras de arte portátiles. Una práctica que saltó a la fama ya en 1965 cuando Yves Saint Laurent se inspira en la obra de Piet Mondrian y la diseñadora madrileña Arena Martínez domina. La joven emprendedora ha llevado al extremo esta unión sirviéndose de su ojo artístico para crear colecciones de moda y se ha convertido en un icono.

Arena Martínez destaca por centrar cada una de sus colecciones en un artista contemporáneo único, al que se toma el tiempo de conocer trasladándose hasta su estudio y sumergiéndose en su obra para entender toda la esencia y la pasión que pone en su trabajo.

Su trabajo comprende piezas de todo tipo como sombreros, vestidos y fundas para el móvil a las que la diseñadora traslada cuadros de museo. Su última colaboración con la famosa firma de mascarillas Kausi ha revitalizado el accesorio made in Spain por excelencia: el abanico, además de explorar el que es el nuevo complemento de fondo de armario: la mascarilla.

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Además de dedicarse al diseño de moda, Martínez siente la necesidad de expresarse a través de la pintura. Y esta vez ha sido su arte el que se ha transportado a los abanicos y mascarillas, al igual que lo hace ella con las obras de otros artistas.

Gracias a KAUSI y con ocasión del lanzamiento de su colección conjunta, hablamos con ella para conocerla un poco más:

¿Cómo decides juntar arte y moda? Cada vez vemos más ejemplos de esta unión, pero antes no era tan común, ¿cuál era tu propósito?

Mi idea de juntar arte y moda surgió de una necesidad de juntar mis dos pasiones y ocurrió en el momento en el que mi padre que es artista (Papartus) decidió parar de exponer, que no de pintar.

Un par de años después, veía la maravillosa obra que tenía en el estudio y nadie veía y sentí la necesidad de sacarla para que llegara a la gente. De ahí la idea de sacar el arte de las paredes, de los estudios, de los museos y llevarla a la calle, vestirla.

¿Cómo es tu forma de trabajar? ¿En qué te inspiras?

Para empezar, busco una temática que me inspire a crear, normalmente primero voy al estudio del artista con el que voy a colaborar y al elegir la obra suelen salir temáticas interesantes con los que el artista tiene relación y me sirven de punto de partida para crear la colección.

En general, me inspiro en todo el arte que me rodea y la energía y belleza que las obras me transmiten.

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¿Qué materiales utilizas?

En cuanto a materiales empecé utilizando sedas únicamente, ahora he pasado a muchos tipos de materiales, pero intento que siempre sean sostenibles o reciclados. Para mí es muy importante la sostenibilidad y cuidar nuestro planeta y creo en que cada uno de nosotros pongamos nuestro granito de arena.

¿Por qué empiezas con el kimono? 

Mucha gente me pregunta que cual es mi relación con Japón y el kimono. Realmente lo del kimono no vino de Japón, vino que cuando yo empecé con la idea de juntar arte y moda quería empezar con un producto específico en el que se pudiera plasmar la obra de arte y se viera.

Para ello empecé a pensar en que prenda tenía espacio y caída para que se viera bien una obra de arte. En ese momento yo vivía en Dubái y trabajaba para la feria de arte y viendo a las mujeres ahí se me ocurrió hacer abayas para europeas, una vez volví a Madrid, me di cuenta de que llamarlo abayas a lo mejor no era la mejor idea pero que si le hacía un corte frontal podía llamarlo kimono, sin ser (porque nunca he hecho) kimonos originales japoneses, realmente siempre ha sido una abaya con un corte a la que he llamado kimono.

¿Cómo ha sido la experiencia de colaborar con Kausi?

La experiencia de colaborar con Kausi ha sido muy especial para mí, ya que normalmente hago colaboraciones con artistas, pero realmente yo pintaba mucho de pequeña.

Para mí el estudio de mi padre era mi parque para jugar y las pinturas y los lienzos eran mis juguetes, recuerdo cuándo mi padre hacía exposiciones yo me quedaba en la puerta de la galería y en bajito le decía a todos los que iban entrando: "los cuadros los he pintado yo" (ríe). Cuándo me fui haciendo mayor me centré en otras cosas. Para mí el artista es mi padre y de ahí nació mi idea de la marca.

Con Kausi ha sido una experiencia diferente, porque la obra ha salido totalmente de mí y es algo que me ha dado mucha energía para volver a pintar, aparte de crear prendas de vestir, ponerme frente a un lienzo y ver cuál va a ser nuestra historia.

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La mascarilla se ha convertido en un básico en el día a día, ¿qué sientes al pensar que es más que probable que veas a alguien por la calle llevando uno de tus diseños?

Eso siempre hace mucha ilusión. Para mí es un gran apoyo, es darme cuenta de que hay mucha gente que confía en mí y en lo que hago.

Me pasa igual cuándo veo a alguien con algo de ropa mía por la calle, muchas veces no puedo disimular y les miro mucho, incluso a veces me acerco y les digo que soy la diseñadora, es muy bonito ver tus creaciones por la calle y ver que desconocidos apoyan tu trabajo.

¿Necesitaba el arte un nuevo concepto para acercarse a las generaciones más jóvenes? ¿Y la moda española un plus de valor especial?

El arte necesita mucho apoyo para acercarse a las personas en general, jóvenes y no jóvenes. Aunque de alguna manera el arte contemporáneo en los últimos años se ha puesto de moda, hay una gran necesidad de transmitir y enganchar a la gente. Muchas personas no saben lo que se están perdiendo.

Cualquier valor especial siempre viene bien, sobre todo valores diferenciales, por lo que si creo que la mezcla entre arte y moda es un plus en la moda española. La moda y el arte han siempre ido muy de la mano, a lo largo de la historia ha habido muchas colaboraciones entre grandes artistas y diseñadores, pero cuando yo empecé sólo existían las colaboraciones de las grandes casas. Louis Vuitton con Kusama, por ejemplo, pero ahora es algo que se está viendo mucho, mucho más.

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Eres artista e hija de artista, toda una especialista en el sector. Cuéntame, ¿qué sería lo imprescindible para alguien que quiera iniciarse?

Para mí, si alguien quiere iniciarse dentro del mundo del arte, lo más importante es estar al día, leer, ver subastas cómo las de Christies y Sothebys y ver exposiciones. Ayuda tener una lista de galerías y estar en el mailing y al tanto de las exposiciones que tienen.

Las ferias de arte creo que son un must, sobre todo para entender más cómo funciona el mundo del arte, mis recomendaciones en España serían: Arco (Madrid) sin falta, la feria más importante de arte contemporáneo de nuestro país, Estampa (Madrid) una feria en la que yo participo con mi proyecto de arte cómo galerista (@arenamartinezprojects), Urbanity y ArtMadrid.

Para los que sean más viajeros no pueden dejar de hacer una escapada para conocer Art Basel (Basel) Art Basel (HongKong) Frieze (Londres) Fiac (Paris) , también son interesantes otras ferias más pequeñas.

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Has trabajado en galerías de arte y casas de subastas alrededor del mundo. Ahora que, siendo positivas, vemos la vuelta de los viajes más cerca que nunca. ¿qué museos y galerías nos recomiendas visitar?

Yo recomiendo Doctor Fourquet como calle interesante de galerías en Madrid, pero galerías de arte por el mundo hay tantas que recomendaré una por ciudad. Sabrina Amrani ha abierto un espacio espectacular en Carabanchel (Madrid) que, de verdad, merece la pena ver. Además, las galerías Krizinger y Kandlhofer de Vienna son para mí un referente. Filomena Soares, en Lisboa; Peres projects, en Berlin; Thaddaeus Ropac, en Paris y White Cube, en Londres.

En cuanto a museos diría el museo del azulejo en Lisboa (el único museo de azulejos en el mundo) el de bellas artes de San Fernando en Madrid, el Courtauld Gallery en Londres y el museo egipcio de Turín.

¿Quiénes son tus artistas favoritos ahora mismo? ¿Y diseñadores?

Diseñador sin duda ninguna Alexander Mcqueen y la verdad que últimamente soy muy fan de Jacquemus. En cuanto a artistas obviamente voy a decir que Papartus es mi número uno, porque creo que tiene un gran gran talento y es sin duda el rey del color. Me gustan Mel Bochner, David Shrigley, Gunter Forg, entre otros, pero mis favoritos no son tan conocidos: Carlos Pesudo, Marina Vargas, Estefanía Martín y Carlos Cartaxo.

¿Planes de futuro? ¿Con quién te gustaría trabajar ahora?

¡Muchos! Primero quiero internacionalizar mi marca, ya que es algo que no he podido hacer por el Coronavirus. Me encantaría seguir haciendo colaboraciones con otras marcas, creo que es siempre un win-win para las dos y en cuánto artistas tengo muchos en mente. Lo que seguro seguirá existiendo es la colaboración de toda una vida con Papartus.

Fotos | Cedidas por las firmas

Cada vez son más los millennials que quieren llevar su decoración más allá de Ikea. Porque la tienda sueca está genial para muebles, pero la guinda del pastel hay que buscarla en sitios más originales. Como los collages personalizados, que han ganado fuerza gracias a estas 11 artistas femeninas de Instagram y ocupan los hogares más molones del universo #housedeco.

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Teresa Cucala

Si el maximalismo y el exceso es lo que encaja con tu estilo deco, esta artistaza tiene que estar seguro colgada de tu pared. Sus collages repletos de detalles florales, retratos modificados y colores saturados son una fantasía de la imaginación con aires vintage.

Collage Your Life

Esta artista madrileña produce sus creaciones bajo demanda, con temas, fotos o ideas que le pidan previamente. Su fuerte son los personajes famosos y ya nos ha hecho a todos suspirar con su collage de Audrey Hepburn. 

Cristina Herranz

Ella viene a poner la nota de humor en clave retro a nuestra decoración, porque sus collages tienen el look de un anuncio vintage de las revistas de los 60’s. Si tienes una vena arty y descarada no dudarás en poner uno de sus diseños en tu casa.

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Eugenia Loli

Con aires muy extravagantes y surrealistas, esta artista aprovecha viejas revistas y publicaciones de estética vintage para crear collages muy pop y coloridos que capturan el ojo humano de un primer vistazo.

El pájaro negro

Ya hemos hablado en el pasado de esta artista y de sus ilustraciones fuera de lo común. Pero más allá de sus dibujos, todo su arte nos tiene cautivados. Ella parece sacada del Renacimiento, porque hace fotografía, pintura, música y ¡collages! Con imágenes intensas, poderosas e hipnotizantes, su arte no puede faltar en un salón millennial muy moderno.

Francisca Pageo

La moda y la naturaleza se fusionan en los diseños de Francisca Pageo, que logra crear delicadas composiciones orgánicas con una estética de líneas limpias y depuradas, mucho más minimalistas y sobrias que otras propuestas de este tipo de arte. Es la más armónica de las collagistas.

Ana Himes

La realidad y la ficción conviven en los collages de esta artista pictórica, que consigue crear diseños muy sugerentes y extraños, recordando al mismísimo René Magritte. Sin duda, una opción a tener muy en cuenta.

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Mujeres que cortan y pegan

Esta es una comunidad de collagistas femeninas del mundo entero en la que podemos encontrar diseños para todos los gustos. Todos ellos con un nexo de unión: colores vivos y temáticas abstractas y post-modernas en los que la figura de la mujer cobra protagonismo. La teoría puede resultar pasada de rosca, pero los resultados hablan por sí mismos y son preciosos.

Mar Moseguí

La geometría y la simetría forman parte de su método, con el que logra crear collages muy caleidoscópicos y casi psicodélicos. Perfectos para los amantes de orden que quieran una composición armónica y robótica de aires futuristas.

Rocío Montoya

Si obra juega con el contraste del black&white y el color más vibrante, que convierten sus retratos femeninos en algunos de los más surrealistas y cautivadores. Sus collages son de una ensoñación que atrapa, en los que anatomía humana, naturaleza y acuarelas trabajan juntas como una máquina perfectamente engrasada.

Pigeon Pérez

Para sacar los pies del tiesto y no meter más láminas en casa está esta artista española, que desarrolla sus collages en postales de lo más originales. ¿Coleccionas estos souvenirs de tus viajes? Deja que ella los convierta en auténticas maravillas artísticas. 

Fotos | @homepolish, Teresa Cucala, @collage_your_life_, Cristina Herranz, Eugenia Loli, El Pájaro Negro, Francisca Pageo, @anahimes, @mujeresquecortanypegan, Mar Moseguí, Rocío Montoya, Pigeon Pérez.
 

La era de la hoja en blanco ha pasado a la historia. En el afán continuo del arte por diferenciarse e innovar, los lienzos se han vuelto tan importantes como las obras que contienen. Al fin y al cabo, la base es esencial. Por eso, estas artistas han decidido pintar sus dibujos en espacios sorprendentes, desde antiguas páginas de enciclopedias hasta camiones y tazas de café. ¿Buscas inspiración renovada en tu feed de Instagram? A ellas es a quien hay que seguir para conseguirla.

Sobre arte que ha quedado obsoleto

¿Porque dibujar sobre una hoja en blanco cuando puedes hacerlo sobre una repleta de información? De esta manera dan vida nueva y más colorida a páginas que ya han quedado obsoletas, como antiguos diccionarios, partituras, mapas vintage e incluso fotografías antiguas que nadie quiere. Es la forma más creativa y preciosa que hemos visto de reciclar, sobre todo si tenemos en cuenta que los tomos de enciclopedias no los quieren ni en las tiendas de libros usados.

• El pájaro negro

• PRRINT

• Erika Iris

• Valeria Trasatti

• Florá Borsi

• Aliza Razell

• Mary Iverson

En la vía pública

Sin entrar en la polémica del grafiti y el arte ilegal en las calles, existen artistas que pintan fachadas y calles convirtiéndolas en una explosión de color, creatividad y diversión. Solo en España hay algunas grafiteras brillantes que merece la pena tener en el radar si te mola este tipo de street art. Algunas incluso han hecho colaboraciones con grandes marcas, como es el caso de Fátima de Juan y Cavalli.

• BTOY

• Fátima de Juan

• Lily Brik

• Cobra Box

• Numi Kawaii

En vehículos, para que su arte no pare quieto

Una variante de los grafitis en la vía pública es hacerlos en vehículos. Es la forma más literal de conseguir que el arte viaje de un sitio a otro. Últimamente se ha puesto de moda customizar camiones, coches y hasta barcos con los dibujos más creativos.

• Cristina Lama

• Nuria Mora

• Ana Barriga

• Celia Macías

• Marina Vargas

• Koralie & SupaKitch

• Zabou

Muebles del hogar

Y de las calles pasamos a lo más íntimo del hogar. Existen muchas formas de incorporar el arte en tu casa, más allá de colgar cuadros de las paredes. Concretamente el mobiliario, pintándolo de forma original y colorida como hacen estas artistas. Ikea ya lo vio venir colaborando con William Hunt: lo último en mobiliario es que esté pintado.

• Amara Por Dios

• Art Popo

• Tracey's Fancy

Con comida y bebida sale un arte muy yummy

Detrás de la hoja en blanco, utilizar la comida como lienzo es una de las opciones más extendidas. En los últimos tiempos se ha puesto de moda la dieta arty, con dulces de unicornio, tartas de fantasía y platos que parecen sacados de un museo. Por no hablar de los baristas, que consiguen crear los retratos y esculturas más alucinantes con la espuma del café. Se llama latte art y ha ganado nuestro corazón.

• Alana Jones-Mann

• Rachel Lorton

• Elena Gnut

• Daphne Tan

• Melanie Aquino

• Hong Yi

• Christel Assante

• Anna Keville Joyce

Body-painting, el arte efímero más humano

Si hay un arte complejo es el del body-painting. Nada tiene que ver con el maquillaje, aunque tenemos claro que quien es capaz de pintar un cuadro de Van Gogh en su ombligo sabrá cómo hacer un eyeliner on fleek. Hablamos de esas obras de arte de cuerpo completo que parecen sacadas del videoclip de Goyte. Y hay verdaderos artistas especializados en ello. Tanto es así que existen hasta campeonatos de fantasía.

• Alexa Meade

• Trina Merry

• Cecilia Paredes

• Emma Fay

• Natalie Fletcher

• Emma Hack

• Gesine Marwedel

• Hikaru Cho

Light painting, ilustración a golpe de luz

El resultado final es fotográfico, pero pasa por un proceso de larga exposición que permite a los artistas dibujar efectos alucinantes a golpe de rayos de luz. Imágenes geométricas, caleidoscópicas o incluso mensajes. Todos ellos impresos en algo tan sencillo como un haz lumínico solo perceptible para la cámara, ¿no os parece que este carácter efímero lo hace aún más romántico?

• Vicki Dasilva

• Dana Maltby

• Chanette Manso

• Aurora Crowley

Fotos | @el.pajaro.negro, PRRINT, Erika Iris, Valeria Trasatti, Florá Borsi, Aliza Razell, Mary Iverson, @btoyandrea, @fatimadejuan, @lily.streetart, @musa71_, @numi_ltw, Truck Art Project, Koralie & SupaKitch, @zabouartist, @amarapordios, Art Popo, Tracey's Fancy, @alanajonesmann, @rachelrenelorton, @elena_gnut_cake, @periperipeng, @melaquino, @redhongyi, AKJ Food Styling, @alexameadeart, @trinamerry, @ceciliaparedesart, Emma Fay, Natalie Fletcher, Emma Hack, @gesine_marwedel, @hikaru_cho, Vicki Dasilva, Dana Maltby, Chanette Manso, @auroracrowley.

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Nos encanta la última colección de la artista griega Katerina Kamprani. Sí, a pesar de que jamás usaríamos ninguno de ellos voluntariamente o que solo de pensarlo nos volvemos histéricos. Pero es precisamente la peculiaridad de la serie The Uncomfortable (el nombre no podría estar mejor elegido) lo que hace que estos objetos cotidianos se transformen en obras de arte muy especiales.

Un paraguas de cemento que no podrías utilizar jamás, unas botas de agua con las punteras abiertas, una silla en la que los reposabrazos impiden que te puedas sentar... Los objetos que diseña Kamprani no pueden ser más inútiles. Y más divertidos al mismo tiempo.

Según podemos leer en su web, el objetivo de esta artista es acabar con la practicidad de todos estos objetos hasta convertirlos en ridículos, para de esta manera conseguir que el público aprecie la complejidad y la profundidad de las interacciones que mantenemos con los objetos más simples.

No sabemos si su objetivo también era hacernos reír, pero una carcajada sí que nos ha despertado al ver algunas de sus obras, aunque nos imaginamos que si tuviéramos que utilizar alguno de verdad terminaríamos llorando.

Fotos| The Uncomfortable

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El guardarropa de cualquier estrella que se suba a un escenario durante una gira forma una parte importantísima del espectáculo y del conjunto de la gran experiencia que viven sus fans. Pero muchas veces, hasta que no han actuado delante de mucha y gente y durante varias horas, no se dan cuenta de las necesidades reales de este tipo de prendas. Hace falta que sean vistosas, trendy, que llamen mucho la atención, y que impacten tanto que la gente las recuerde incluso después de años y años. Y eso no es todo.

No sólo tiene que ser impresionante, también es importante que todo el vestuario de cualquier espectáculo musical vaya con la escenografía, con la portada del álbum que se está promocionando y que sea coherente con la imagen que un artista quiere transmitir. Aunque lo fundamental es que estas piezas sean cómodas y que permitan que quien lo lleva moverse por el escenario dándolo todo. Para lograrlo es importante que sean elásticas, aunque a la vista sólo se vea cuero o mucho glitter.

También es importante que estas prendas estén ventiladas en sitios estratégicos para que el artista no acabe tan empapado que parezca que acaba de salir vestido de la ducha. Algo especialmente importante en el caso de las mujeres, que ya de por sí tienen que ir muy maquilladas, y peinadas de manera especial, cuando se trabaja desde un escenario y no se está cerca del público.

Esto es algo que van aprendiendo todos (artistas y diseñadores) después de comprobar todos los errores que se van produciendo al actuar en escena. Errores que, incluso, pueden llegar a provocar hasta pequeños y molestos accidentes. Por ejemplo, cuando los cristalitos con los que se adorna una prenda o los diseños en 3D pueden llegar a cortar la piel. También es muy importante realizar un buen patrón que permita que las piezas de las que está compuesta una prenda se adapten bien a la morfología del cuerpo de quien la lleva, y que después de estirarse recuperen otra vez su forma original sin deformarse.

Trucos para atraer la atención

Existen trucos para atraer la atención del público sobre una zona del cuerpo. Cuando el artista acompaña su actuación con una coreografía, para que esta resulte más impactante se suelen colocar paillettes o tejidos brillantes en brazos y piernas que al moverse crearan haces de luz. Si el artista en cambio está interpretando una balada, procuran concentrar toda la atención sobre su rostro utilizando para ello diferentes accesorios como collares, sombreros o espectaculares máscaras como las que suele ponerse la cantante Björk.

Desde hace ocho años, James Merry - un artista especializado en el arte del bordado -, crea las espectaculares máscaras de encaje que suele lucir Björk durante sus actuaciones. Ambos han creado una sinergia muy productiva y enriquecedora que hace destacar a la cantante por su imponente y original estilo a la hora de vestir.

Por eso es importante que los diseñadores estén muy al tanto de las nuevas tecnologías y de los tejidos inteligentes para poderlos incluir en sus diseños, aunque eso signifique que para ponerse al día tengan que realizar un curso acelerado de ingeniería electrónica o pedir ayuda y asesoramiento a ingenieros de la NASA. En estos momentos me estoy acordando de aquella imagen en los Grammys del 2008 cuando la chaqueta del Sergeant Pepper se iluminó de repente en escena gracias a una serie de luces LED colocadas de forma estratégica y que se encendían apretando uno de los botones de la chaqueta.

Visto y no visto

Los diseñadores también echan mano de las técnicas empleadas por los ilusionistas del Quick Change, capaces de cambiarse en escena en cuestión de segundos. Para lograrlo son capaces de diseñar trajes de hasta diez capas de las que el artista se va desprendiendo como si fuese una cebolla utilizando para lograrlo botones a presión, velcros, etc. Se trata sin duda de trabajos muy personalizados que requieren mucha preparación y expertise además de un buen diseño, ¡claro!

Mención aparte merecen los zapatos. Para este tipo de espectáculos los más demandados son las botas de moteros, las cuissardes y los sneakers. Las suelas de caucho son las mejores porque los artistas al bailar necesitan estar seguros y saber que no van escurrirse en ningún momento durante las dos horas de media que suelen durar los espectáculos de este tipo. Durante las giras se trabajan siempre con dos pares de cada modelo para tener uno de repuesto si fuese necesario. El calzado es muy importante pues ayuda a completar un look, a crear a un personaje y suele contar una historia por lo que la mayoría de las veces suele estar personalizado.

La información es poder

A la hora de plantear el vestuario que un artista lucirá durante una gira lo más importante es la información. Los diseñadores suelen sentarse a hablar con todos los actores de esas macro producciones para entender bien el concepto, y encontrar entre todos un hilo conductor que garantice que todos vayas a trabajar en la misma dirección. Es importante que los diseños de las prendas que conformarán el vestuario de un espectáculo estén en consonancia con la escenografía y que también se ajusten perfectamente a las coreografías y bailes sin que entorpezcan sus movimientos.

Para lograrlo lo normal es convocar reuniones donde todos hacen muchas preguntas y surgen ideas que se van concatenando hasta que dan con una idea final que convenza a todas las partes. Lo peor es cuando una de las partes tiene una idea muy clara y no da su brazo a torcer. Os pongo un ejemplo: Beyonce contrato a Rubin Singer para que le crease un modelito que quería lucir durante la actuación de la Superbowl del 2013. La cantante le explicó que quería que le hiciese un bustier parecido a los que Jean Paul Gaultier diseñó en su día para Madonna, sólo que quería que el suyo fuese de cuero negro, llevase encaje y piel de pitón.

Diseño y funcionalidad

Rubin se puso en marcha y le confeccionó a Beyonce lo que le había pedido. La cantante se lo probó y le sentaba fenomenal sólo que... ¡no podía moverse! Rubin Singer tuvo que darle muchas vueltas al diseño colocando telas elásticas y mallas en sitios estratégicos para que la cantante pudiese desplazarse con comodidad por todo el escenario. Rubin Singer reconoció después que fue uno de los modelos más complicados que ha tenido que diseñar a lo largo de su carrera ¡y eso que no ha tenido que vérselas con Madonna que tiene fama de ser una perfeccionista patológica!

Hay artistas que son como algunas novias que prefieren probarse un vestido ya hecho a que les hagan un traje personalizado a la medida que no son capaces de visualizar. Ese, por ejemplo, es el caso de Britney Spears que para su gira “Britney: Piece of Me” contrató a dos diseñadores (Nicolas Jebran y Bao Tranchi) pidiéndoles que le confeccionaran dos propuestas cada uno para luego probarse los modelos y poder elegir, viéndoselos ya puestos, los que mejor le sentaban.

En fin, que cada persona es un mundo y cada caso es especial, pero la labor de los diseñadores especializados en el vestuario de los artistas añaden a la complicación de la creatividad la de tener que realizar prendas cómodas que permitan el movimiento y que no hagan sudar demasiado. ¿A alguno de vosotros os interesa este mundo? Si tenéis alguna anécdota nos encantaría que la compartieseis con nosotros.

Fotos | Cordon Press
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El estilo de la cantante irlandesa, Róisín Murphy es de los más peculiares dentro del panorama actual. Siempre ha buscado ir a la vanguardia a la hora de vestir y eso se traduce en los looks más arriesgados y en la preferencia por diseñadores innovadores y nuevos talentos.

Róisín Murphy se dio a conocer con su primer y último grupo, Moloko donde se juntó con Mark Brydon para firmar grandes canciones que iban desde la electrónica al pop (‘Sing It Back’ es de sus hits míticos). En ese momento ella ya tenía 21 años y había comenzado desde hace un tiempo a ir a los clubs de moda en Sheffield ciudad a la que trasladó tras una época inestable en cuanto a la familia.

Vivienne Westwood era la diseñadora fetiche para la irlandesa y ahí empezó a gestarse un estilismo destacado que luego llevaría en los directos y en todas las promos de sus álbumes. Hasta que en 2003 Moloko se separaron, su esitlo se definía por un inconformismo mayor, algo que luego cambió para buscar un estilismo más elegante.

A partir de entonces, Róisín Murphy empezó a asistir a todos los desfiles ya que se había situado como artista a tener en cuenta y destacada en su estilo. Las semanas de la moda de cualquier capital comenzaron a ser citas obligadas. Tanto la Semana de la Moda de Nueva York como la de Londres y la de París.

Se la ha podido ver de cualquier manera, con estilos formales o con los más arriesgados. No le da miedo llevar los diseños espectaculares de Gareth Pugh (con quien contó para su álbum Overpowered) como tampoco vestir de Preen aunque una de sus firmas más repetidas es Marc Jacobs ya que los diseños del estadounidense son perfectos para ella.

Y es que, la veamos como la veamos, no hay nada que repita. En el peinado, la cantante prueba con cualquier opción: corto, más largo, leve tupé, cresta… No existen límites.

Ya sobre el escenario la cosa no sólo no cambia sino que va a más. Es el terreno en el que toda artista puede arriesgar al máximo y Róisín Murphy no es menos. Diseños espectaculares donde priman las formas, complementos, gafas de sol enormes y vanguardistas y sobre todo, vestidos sin límites en la concepción.

La moda es una de las pasiones de la irlandesa y eso lo demuestra día a día con sus estilismos, además de con sus gustos, entre los que se encuentran marcas como Gucci, diseñadores del estilo de Giles Deacon o Jonathan Saunders aunque siempre reconociendo la grandeza de los clásicos (Yves Saint Laurent es uno de sus nombres clave).

Róisín Murphy es una artista en la que el estilo va unido a su nombre.

En Trendencias | Artistas que han marcado estilo

Como continuación de la interesante serie que está elaborando mi compañera, Chloe respecto a las películas, yo me propongo analizar diferentes artistas del mundo de la música que han dejado, o están dejando, su huella en cuanto a estilo se refiere.

La primera de elegida para esta revisión, es la cantante británica M.I.A.. La decisión ha sido tomada en función de su gran sentido de la moda, su corriente al margen de lo establecido, la clase con que la lleva, además de poder diseñar y vestir sus propias creaciones. Es una de las artistas más polifacéticas ahora mismo: lo mismo canta, baila que arenga a su público con discursos políticos. Lo tiene todo.

En música, no hay quien la tosa. Su grime más sucio ha conquistado a todo el mundo. Van dos discos y según avanza mejora, aunque yo me sigo quedando con Arular (2005). Pero esta sección se la dejamos a nuestros compañeros de Hipersónica, quienes ya se encargan de dar su visión. Para nosotros, el estilo.

Hija de un prestigioso revolucionario de Sri Lanka, Arul Pragasam, que ha luchado por la independencia de la zona; M.I.A. ha mantenido estas raices intactas. Tanto en las letras como en el estilismo, donde se ve el mestizaje de las culturas que ha vivido, ya que a los seis años tuvo que marchar a Sri Lanka a vivir. Entonces, M.I.A. junta ya desde joven la cultura europea con la india.

Si a esto se le suma, el estilo que la cantante hace, tenemos grandes ropas, muy holgadas y propias del grime o del hip hop. La cantante se ve suelta para actuar en el escenario con ellas. Comenzó su carrera vistiendo de esta manera, con amplias camisetas, como la que vemos en la imagen, donde los estampados y detalles de este estilo caracterizan las prendas. Además de complementarlas con collares dorados.

También en estos primeros años, se valió de camisetas más oscuras, con unos estampados de protesta, donde incluía su mensaje a la vez que le servía de plataforma para sus letras. Este estilo empezó a caracterizar a la guapa británica, con unos rasgos indios muy marcados y una tez morena favorecida por un gran físico

Pero este estilo cambiaría según llegó su segundo disco, Arular (2008). La promoción la mostró como otra artista diferente en el look, aunque ella seguía conservando la misma fuerza. Eran tiempos de la nu rave, de los colores flúor, y M.I.A. supo hacerse con ellos antes que nadie.

Este estilo lo añadió a sus indispensables prendas. Teníamos a una artista que cuidaba más su look, en apariencia más descuidado en los primeros años. Las camisetas eran más ajustadas ahora, diseñadas con formas geométricas como primaban en la nu rave, y con contrastes muy fuertes entre las prendas. Colores muy llamativos que impactaban: azul, amarillo, violeta...

La a una artista de Kala había madurado un poco en todo los aspectos. Pero el cambio definitivo, no llegaría hasta hace poco. M.I.A. demostró que nada es incompatible, y unió su causa de 'artista revolucionaria' junto a Marc Jacobs, en la campaña de primavera/verano del modisto estadounidense. En ella, lucía muy sexy, atrevida como ella sólo sabe posar, y desenfadada entre la camisa, la corbata y los mini shorts. También la pudimos ver con el bonito vestido de la imagen.

Y así, poco a poco, M.I.A. ha ido pisando fuerte en el terreno de la música y de la moda, donde promete dar más que hablar en un futuro muy temprano. Sabe combinar todo, se mueve desde el retro al vintage pasando por lo más chic en la mezcla. Una artista muy admirable, que bien se merece el éxito del cual está disfrutando.

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