Patti Smith nunca se conformó con su faceta de cantante y compositora. El rock ha sido una constante en su vida, pero las artes visuales, el activismo, la poesía y la literatura también. Es sin duda una creadora mayúscula, por eso ha obtenido este año el premio Princesa de Asturias de las Artes. Así lo ha comunicado el jurado en el Salón Covadonga del Hotel Eurostars de La Reconquista de Oviedo. "Por su impetuosa creatividad, que conecta el rock, la poesía simbolista y el espíritu de la contracultura con una gran potencia expresiva."

Razones para merecer este galardón tiene de sobra, pero el jurado ha aprovechado la ocasión para nombrar alguna de ellas: "por su impetuosa creatividad, que conecta el rock, la poesía simbolista y el espíritu de la contracultura con una gran potencia expresiva. Ha plasmado la rebeldía del individuo en la sociedad en canciones palpitantes, algunas de las cuales ya son iconos de la música popular de nuestro tiempo. Como escritora, ha transmitido una visión poética de la vida, comprometida con ofrecer un mensaje de esperanza frente a las injusticias. Con una actitud inconformista y transgresora, ejemplo para muchas artistas, ha conmovido a oyentes y lectores de todo el mundo y sigue inspirando a las nuevas generaciones."

Patti Smith nos ha conmovido de todas las formas posibles. Mucho más allá de ese icónico 'Because the night' (1978) que aun seguimos pidiendo décadas después en los karaokes para gritar a pleno pulmón junto a nuestras amigas. También más allá de aquella autobiografía sublime "Éramos unos niños" (2010), un libro cargado de nostalgia y belleza en el que narra sus memorias sobre su relación con Robert Mappelthorpe. Ella no para de crear y nosotras no paramos de conectar con su arte. Y de ahí el premio. 

Esta mujer de Chicago, que llegó en plena década de los 70 y sin recursos a Nueva York, que dormía donde podía, mientras escribía poemas en libretas y se ganaba el suelo trabajando en librerías, pronto le dio la mano al rock y lo soltó. Hicieron el tandem perfecto y ese mítico álbum 'Horses' (1975). Inspiró a las grandes leyendas del punk. Ahora su faceta literaria deslumbra más que nunca. Aunque grandes letras lleva escribiendo desde siempre.

Fotos | Wikimedia Commons 

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Hay casualidades que te cambian la vida y personas que, sin saberlo, cambian la vida de otros. Es el caso de Francisco Romero, un mexicano nacido en La Piedad, Michoacán que vive en California desde los 12 años. Pero no es de su vida como inmigrante de lo que voy a hablarte, sino de cómo un proyecto de universidad trajo de vuelta a los Hombres G.

En la red social X el propio Romero explica que en una de sus asignaturas se les pidió crear una página web para desarrollar nuestras habilidades en el código HTML. “Mis amigos de High School me habían introducido a la música de Hombres G un par de años atrás y por ahí me fui”, asegura. Como en aquel momento solo había dos webs dedicadas a Hombres G y sin apenas sin actualizar, decidió enfocar su proyecto en los fans y creó el Club ‘Seguimos Locos‘… ¿Y qué?’. 

El Club de fans se convertía en el primero de la banda y como asegura Romero, “durante los primeros 5 meses de la web me vi inundado con solicitudes de membresía por gente de prácticamente todo el mundo”. No solo pidieron unirse mexicano, también españoles, colombianos, peruanos y hasta japoneses. 

A nivel práctico, la web funcionaba en esos años noventa como lo haría ahora una red social. La gente interactuaba y hablaba de Hombres G a pesar de que era 1998 y Hombres G se había separado en 1993, tras sacar su disco ‘Historia del bikini’ un año antes. Se generó una comunidad en torno al grupo español y Romero recibió un correo que decía “Me gusta mucho la página, no sabes lo encantado que estoy y sobre todo lo agradecido que estoy de que hayas hecho esto”. 

Romero pensé que se trataba de un fan más. Contestó dando las gracias y entonces recibió un nuevo mensaje del mismo usuario tres días después: “Por favor no divulgues mi correo, soy Dani Mezquita”. El guitarrista de Hombres G había llegado hasta la web. “Por favor discúlpame que no te crea, pero por internet es muy fácil decir que eres cierta persona cuando en realidad eres otra”, escribió. Mezquita contestó “Dame tu teléfono y te llamo”. Ese correo cambiaría la vida de Francisco Romero por completo. Uno de sus ídolos se convertiría, desde ese momento, en un amigo.

Tal y como se explica en el documental de Movistar+ ‘Los mejores años de nuestra vida’, que se estrenará en cines este 2026, a finales del 2000 el recopilatorio de Hombres G seguía siendo el tercer disco que más se vendía en México. Por eso cuando la idea de que el grupo volviera estaba encima de la mesa, México era el lugar elegido. Mezquita explicó a Romero que se planteaba un tour de conciertos en el país de origen de Romero y que Warner quería sacar un disco recopilatorio para promocionar el regreso y también quería una página web. “¿Te interesaría hacer nuestra página oficial?”, preguntó el guitarrista. Así nació HombresG.net de manos de aquel adolescente que lo empezó todo por una tarea escolar y que consiguió reunir a miles de personas en torno a un club de fans. 

La icónica banda de los 80, que se había separado, regresaba una década más tarde y cumplía el sueño de los fans. “Algo que siempre quería pero que no estaba activamente buscando se había convertido en realidad, es una de esas bonitas sorpresas que te da la vida de vez en cuando y más cuando te pones a pensar que las probabilidades para que algo así sucediera era de una en un millón”, explicaba Romero que añade que trabajar con Hombres G, algo que lleva haciendo desde hace 24 años, “es uno de los logros más importantes en mi vida y algo que hasta hoy me cuesta creer. Nunca voy a dejar de agradecer por lo privilegiado que soy, sobre todo cuando ellos me han demostrado su agradecimiento al incluirme en su biografía y considerarme su amigo”.

David Summers siempre ha asegurado que el éxito de Hombres G no era algo que esperaran. Es más, en su regreso tampoco esperaban volver a estar arriba, pero lo hicieron. Cuando salió ‘Peligrosamente juntos’ en 2002, un recopilatorio con temas inéditos y nuevas versiones de sus clásicos, vendió más de 1,5 millones de copias en América y fue Disco de Platino en España. A día de hoy Hombres G sigue agotando las entradas para sus conciertos hasta en preventa y su nueva gira es todo un éxito. Países como México o Perú, con esa comunidad fiel de fans que se mantuvo conectada gracias a un chaval, tienen mucha culpa de ello. 

Nota: algunos de los enlaces de este artículo son afiliados y pueden reportar un beneficio a Trendencias.

Fotos | YouTube La cueva del Gritón, HombresG.net, X Francisco Romero, Los mejores años de nuestra vida (fotos de Ana Tardaguila para Movistar+)

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Hace un par de tardes, esperando el metro en una estación cualquiera de Madrid, una chica de no más de 17 años tarareaba 'You Make loving Fun' de Fleetwood Mac. Tenía los cascos de cable puestos y apenas se oía. Yo me quedé atónita, supongo que en mi cabeza esa canción era parte del patrimonio cultural que rescataba de entre los vinilos de mis padres, no de una adolescente que había crecido con TikTok. Pero ahí estaba, escuchando a unos cuantos metros bajo tierra un tema grabado hace casi medio siglo.

Esta banda británica de los setenta nunca ha pasado de moda, solo hay que fijarse en 'Rumors' (1977), un disco que lideró la lista de ventas de Estados Unidos durante 31 semanas, ganó el Grammy al mejor álbum del año y, con más 40 millones de copias distribuidas, se ha consolidado como una de las grabaciones de más éxito de todos los tiempos. Se escapa de las lógicas del pasado y el futuro, es algo intergeneracional. Mientras pones 'Dreams' a todo volumen en tu habitación cuando estás eufórica, abatida o tienes el corazón como un sonajero, hay generaciones pasadas que llevan años haciendo lo mismo y otras nuevas que empiezan a sumarse al ritual.

@fleetwoodmac

Himnos que atraviesan décadas y una historia que sigue viva

En 2018, antes de la salida del grupo de Lindsey Buckingham (guitarrista y cantante), ya se palpaba el triunfo inamovible de Fleetwood Mac en sus viejas y nuevas audiencias fluctuando en los conciertos. Pero fue en 2020, cuando el hashtag #FleetwoodMac inundó TikTok, con más de 80 millones de visualizaciones gracias a un vídeo en el que Nathan Apodaca se grabó haciendo skate por la calle mientras bebía un zumo de arándanos y escuchaba 'Dreams' (1977).

Este no ha sido el único vídeo que se ha viralizado en redes con Fleetwood Mac como protagonista. El directo de 1997 de 'Silver Springs' en Burbank, California, traía de nuevo ante las cámaras la turbulenta ruptura entre Stevie Nicks (cantante y compositora) y Lindsey Buckingham. En apenas un minuto de actuación, ella se gira hacia su expareja sin apartar la mirada él, mientras le reprocha a golpe de estribillo: "you’ll never get away from the sound of the woman that loves you” El guitarrista le clava los ojos en cada frase y la efervescencia de la rabia contenida y el cataclismo del desamor en pleno directo, junto con el empaste impecable de sus voces ya ha conseguido 55 millones reproducciones en Youtube.

Una banda que inspiró a los referentes del pop actual: de Harry Styles a Taylor Swift

El ex integrante de One Direction e icono incontestable de la generación Z, también es un declarado fan de Fleetwood Mac desde joven. No solo ha incluido canciones como 'The Chain' (1977) en sus giras, sino que mantiene una estrecha relación personal y artística con Stevie Nicks que nos ha regalado actuaciones emblemáticas de la dupla, como aquella en el escenario del BTS Hyde Park de Londres en julio de 2024 cantando ‘Landslide’ (1975) a dúo.

Taylor Swift ha reconocido a su vez como Fleetwood Mac es una clara fuente de inspiración para su música. En el concierto de la última fecha de la artista en su Eras Tour en Dublín de 2024, la cantante dedicó un homenaje a la vocalista del grupo de los setenta en formato canción: ‘Clara Bow’. Más allá del efímero directo, en su tema de 'The Tortured Poets Department' le rinde de nuevo tributo en sus letras: “You look like Stevie Nicks / In ’75, the hair and lips / Crowd goes wild at her fingertips / Half moonshine, a full eclipse". También nos dejaron duetos imborrables como aquel 'Rhiannon' de los Grammys de 2010.

No es solo Fleetwood Mac, el propio personaje de Stevie Nicks se ha reivindicado especialmente estos últimos años. Creo que también es una cuestión de hacer justicia ante todas esas críticas misóginas con las que ha tenido que lidiar en otras épocas, culpa del machismo en la industria musical. Ahora ha pasado de ser telonera de Tom Petty and the Heartbreakers en BST Hyde Park en 2017, a ser cabeza de cartel del festival en 2024, todo sin lanzar música nueva. La estamos celebrando como un icono propio de la cultura musical, ensalzando su autenticidad, su abrumadora independencia y esa aura de misticismo que la envuelve, como una especie de hechicera cool que siempre guarda bajo la manga una canción que hace el mismo efecto que un conjuro. 

@stevienicks

La ficción como un puente entre generaciones: una leyenda que se reescribe

Más allá de ese episodio de 'Glee' que se emitió en mayo de 2011 y es una oda al álbum completo 'Rumours' (1977), la serie 'Daisy Jones and the six’, basada en la novela homónima de Taylor Jenkins Reid, también ha despertado el interés de los más jóvenes estos últimos años. Una producción de Prime Video que en pleno 2023 se inspiraba en el ascenso y la caída libre de los componentes de la banda, y que ya en las primeras horas tras su lanzamiento alcanzó el puesto número 1 en la lista top 10 de la plataforma en EE. UU.

No pasamos por alto que la autora de ese libro que dio forma a la serie, es la artífice de algunas de las obras más virales de los últimos tiempos, entre ellas 'Los siete maridos de Evelyn Hugo', que ha conectado especialmente con la generación de TikTok. Aunque la serie no solo atrajo a fanáticos de la novela, sino que abrió sus miras a un público más amplio y acercó la historia de Fleetwood Mac a otros lugares. Hasta la propia Stevie Nicks compartió en sus redes unas palabras de cariño hacia la producción: "Me trajo recuerdos que me hicieron sentir como un fantasma viendo mi propia historia. Fue muy emotivo para mí."

@StevieNicks

Intrahistoria de la banda: la mitología tras la ruptura entre Stevie Nicks y Lindsey Buckingham

Probablemente la expareja de vocalistas de Fleetwood Mac hayan mantenido una de las disputas más largas y crepitantes de la música, convirtiendo sus rencillas y rencores más personales en un auténtico espectáculo. Aquella relación los lleva persiguiendo más de 50 años. Y es que ambos se conocieron en 1966, cuando él tenía 16 años y ella 17. 

Empezaron siendo pareja artística antes que romántica, teloneando a mitos como Janis Joplin o Jimi Hendrix y a principios de los 70 se mudaron a Los Ángeles, iniciándose como un dúo folk. Sacaron un disco que fracasó estrepitosamente, pero gracias al cual se cruzó Fleetwood Mac en su camino. En la nochevieja del 1974, Mick Fleetwood le pidió a Lindsey Buckingham que fuera su nuevo guitarrista tras escuchar uno de los temas de su álbum. Buckingham solo aceptaría si Stevie Nicks se unía también a la banda. El resto ya es historia, pero la personal, la de Stevie y Lindsey, acabó tomando caminos separados en 1976, en pleno proceso de grabación de 'Rumors.' 

@stevienicks

Fue una ruptura convulsa, la ira contenida afloraba entre ellos en el escenario hasta 20 años después, en ese famoso directo de 'Silver Springs' del 97, un tema que compuso íntegro Stevie Nicks en el epicentro del final de su historia de amor, cargado de recriminaciones hacia Lindsey Buckingham. "Time casts a spell on you/ But you won't forget me/ I know I could have loved you/ But you would not let me." Hay telenovelas con guiones más planos.

'Rumors'(1977): un álbum que nunca deja de sonar

Este disco necesitó siete estudios de grabación, un año entero y más de un millón de dólares para gestarse. Pop rock con toques de folk, armonías vocales inmejorables, ritmos extremadamente pegadizos y una sinceridad bestial en cada estribillo. Es que eso no caduca.

@fleetwoodmac

En lo afectivo parecía estar todo en contra. Lindsey Buckingham y Stevie Nicks acababan de romper y no se soportaban, John (bajista) y Christine McVie (teclista) se estaban separando y, por si fuera poco, añade a ese cóctel molotov litros de alcohol y estupefacientes. No es un secreto que las obras maestras nacen en el apogeo de un derrumbe. Supongo que una memoria porosa de recuerdos te ayuda a dar con el acorde magistral, con la letra que va directa al tuétano. Para hacer un himno hace falta saber de lo que se canta, hace falta haberlo vivido.

Más allá del plano emocional, el talento es el ingrediente más inflamable de 'Rumors', sin él nada estallaría por dentro cuando suena. Es la razón por la que este disco de los setenta va directo a la memoria RAM del corazón de cualquiera, también al de una adolescente que coge la línea tres del metro en Plaza España y tararea una estrofa brillante de 'You make loving fun' de hace casi cincuenta años: "I never did believe in miracles/ But I've a feeling it's time to try." Claro que hay algo mágico en ese vinilo, especialmente en ciertas frases, las que cantamos más alto, que son siempre las que más nos duelen o las que nos reconcilian de lleno con la vida.

Fotos | @stevienicks, @fleetwoodmac

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Maná, una de las más populares bandas de rock en español y de México se ha convertido en el tema de atención de la música latina, y es que, con el ojo puesto en las elecciones de Estados Unidos, el mundo el espectáculo no ha sido ajeno al fenómeno mediático que ha generado la postulación de Kamala Harris y el intento de reelección de Donald Trump, mismo al que la banda nacida en Guadalajara, México, ya ha reaccionado.

A través de una publicación en sus redes sociales, la banda ha reaccionado al posicionamiento de Nicky Jam, un cantante de reggaetón que se pronunció públicamente en favor del político republicano, a lo que Maná rápidamente emitió un comunicado deslindándose de Nicky Jam y eliminando la canción en conjunto de todas las plataformas.

En el comunicado se especifica que, "Durante los últimos 30 años Maná ha apoyado y defendido los derechos de los latinos en el mundo. No existe negocio o promoción que valga más que la dignidad de nuestra gente. Por eso, hoy Maná decidió bajar su colaboración con Nicky Jam de “Pies a Cabeza” de todas las plataformas digitales."

Sobre el pronunciamiento del cantante anglo-colombiano, se pueden ver varias publicaciones al respecto, donde se le puede ver al lado de Trump en un acto de campaña en Nevada, donde el candidato no sólo deja de manifiesto que no sabía quién era Nicky Jam, sino que realizó un comentario que muchos interpretaron como una ofensa machista, ya que, al confundir su nombre con el de una mujer, Trump comentó que "La próxima estrella de la música es Nicky Jam, ¿la conocen? Es muy caliente". 

Maná siempre ha sido una banda que ha estado ligada a la lucha de movimientos sociales, en 1996, crearon la fundación Selva Negra, que se enfoca en la protección del medio ambiente, la conservación de especies y la educación ambiental.

Además, han participado en festivales altruistas, colaboraciones en apoyo para diversas asociaciones y han donado las regalías de sus canciones en apoyo a diversas asociaciones benéficas.

Fotos de Maná

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Elvis Presley decía que “la música nunca puede ser mala, digan lo que digan del Rock & Roll”, y no podemos estar más de acuerdo. Amamos la música en todas y cada una de sus formas. Nos flipa perrear al ritmo del trap, cantar hasta dejarnos la voz en los festivales de pop más conocidos como el Mad Cool o el Arenal Sound, y disfrutamos de un concierto de música clásica.

Somos de las que creemos que la música cambia vidas y que el rock nunca muere, por eso conocer la lista de los primeros confirmados para el Azkena Rock Festival 2023 nos ha hecho desear viajar al norte este verano, visitar sus playas aunque llueva y disfrutar del mejor rock en este festival. Porque este planazo poco le tiene que envidiar a otros eventos de la talla del Primavera Sound 2023 o del Festival de Les Arts, de los que ya conocemos muchos detalles.

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Se celebra en Mendizabala, Vitoria, desde hace años y en la edición 2022 en la que celebraba su 20 aniversario, el Azkena Rock Festival vivió la mayor afluencia de público familiar y se batieron cifras de campistas según datos del propio festival. 48.000 personas vivieron el rock durante los tres días que duró el festival.

El cartel del Azkena Rock Festival 2023 encabezado por Iggy Pop

En el verano de 2022 nombres como Patti Smith, Suzy Quatro. Michael Monroe o The Toy Boys lo dieron todo en el escenario y la edición de 2023 que se celebrará los días 15, 16 y 17 de junio tiene ya a los primeros confirmados comenzando por el legendario Iggy Pop, la americana Lucinda Williams o Rancid, una de las bandas más importantes de la historia del punk rock que se estrena en este festival.

Steve Earle acompañado de su inseparable guitarra acústica, Melvins con su rock noventero, Calexico, Queensrÿche, Monster Magnet, El Drogas (artista de Barricada que ahora actúa en solitario), GWAR, Lucero, los brasileños Os Mutantes, Brigade Loco, los legendarios rockabillies británicos Matchbox, Pasadena y Bones of Minerva son los primeros confirmados para la nueva cita en Mendizabala.

Las entradas para aquellos que ya hayan ido al festival antes, están ya a la venta. Para el resto, saldrán el próximo 28 de octubre en la web del festival con un precio para el Bono Gaztea de 100 euros.

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De momento a nosotras nos entrado unas ganas locas de pasar un verano en el norte y dejarnos caer por este festival en el que hasta los más pequeños tienen su sitio.

Fotos | Azkena Rock Festival.

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The Rolling Stones llegaron a Madrid dispuestos a quemar la ciudad para dejar constancia de que eso de que “los rockeros nunca mueren” es una verdad como una catedral.

El pasado 1 de junio se marcaron en el Wanda Metropolitano de Madrid un concierto de más de tres horas repletas de temazos que comenzaban con Street Fighting Man y en las que no faltaron clásicos.

Pero antes de este momento mágico para la música, Mick Jagger tuvo tiempo para disfrutar de Madrid y colgar en sus redes sociales el triplete que se marcó y que incluía un parque, un museo y como no, una taberna.

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The Rolling Stones visitan el Reina Sofía

Una imagen con la obra más famosa de Pablo Picasso, el Guernica, dejaba constancia de su visita al Museo Reina Sofía, aunque en esa sala no se permitan las fotografías tal y como se explica específicamente en la web del museo: “No está permitido hacer fotografías en toda la sala 206 (Guernica)”. La magia de ser una estrella del rock es que el arte, al parecer, sigue para ti unas reglas diferentes.

Un paseo por el Retiro

El Retiro, el parque más famoso de la capital española, también tuvo la visita de “sus satánicas majestades”. Concretamente Mick Jagger subió una foto en la Fuente del Ángel Caído, una obra de Ricardo Bellver y Francisco Jareño que el rockero ha marcado como uno de sus puntos clave a visitar.

En la cuenta de Instagram del grupo no faltó la mención a Sympathy for the Devil junto a esta foto del ángel caído.

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La taberna Ángel Sierra, el place to be para Mick Jagger

Está en la plaza de Chueca y es una taberna centenaria muy conocida por los gatos madrileños, que se inauguró en 1908. Decorada con madera cubana y azulejos de la Cartuja de Sevilla, esta taberna madrileña conserva una barra de época acabada en madera y estaño. Una barra típica y cañí en la que el cantante se dejó ver cerveza en mano.

The Rolling Stones comiendo en Las tortillas de Gabino

El grupo visitó Las tortillas de Gabino, el restaurante que regenta el chef Nino Redruello y que es especialista en tortilla de patatas (mucho cuidado con la de torta del Casar y la tortilla con pulpo a la gallega porque es posible que quieras casarte con ellas después de probarlas).

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Parece ser, tal y como nos han chivado nuestros gastrónomos favoritos de Directo al Paladar, que comieron “varios platos de verdura y de segundo todos pidieron el famoso escalope de la casa.” Todos menos Jagger que pidió la lubina. Y el mejor dato de todos: gastó 60 euros en su comida y dejó una propina de 200 euros.

Fotos | Twitter @MickJagger

Para algunos fue el gran descubrimiento de la cuarta gala de Operación Triunfo 2018, pero Mon Laferte no es una novata en esto de la música. Lleva desde los 13 años entre notas y melodías y sacó su primer disco en 2003 (La chica de rojo) como Monserrat Bustamente, pero fue a partir de 2016 cuando comenzó su ascenso meteórico al ser nominada a los Premios Grammy Latino por su álbum Mon Laferte Vol.1. A partir de ahí, todo éxitos. Esta chilena es una de las artistas más importantes de latinoamérica, y hoy te presentamos lo mejor de su discografía.

Mi buen amor

Fue el temazo con el que nos puso la piel de gallina en la cuarta gala de OT 2018, pero si flipaste con su directo, alucinarás con el feat que se marca con Enrique Bunbury. Maravilloso de principio a fin, como todo el disco al que pertenece, La trenza. Con ese aire pin up, este soft rock parece lo más adecuado para su dulce pero potente voz. Muy Grease.

Tu falta de querer

Uno de sus primeros grandes éxitos. Tu falta de querer es un poema al desamor, es de esos que se te meten dentro. Y el videoclip, una procesión con Mon vestida de novia como protagonista, es uno de los vídeos más vistos de una cantante chilena.

Tormento

Tormento fue el primer tema escrito por la artista para el álbum Mon Laferte Vol.1, y es el que abre el disco. Este rock con aire de blues es uno de los más intensos de su repertorio, un canto desesperado, duro y desgarrador.

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Amárrame

A Mon Laferte le encanta hacer colaboraciones, y esta vez es el colombiano Juanes quien se une a su voz en Amárrame. Con un videoclip cargado de colorido, esta cumbia te hará seguir el ritmo.

El beso

Una guitarra y mucho flow. La chilena no necesita nada más para arrebatarnos con esta versión acústica de El beso en pleno centro histórico de Ciudad de México. Es parte de su próximo disco (que estamos deseando escuchar).

Si tú me quisieras

Si algo le sobra a Mon Laferte es estilo. Da igual que tire de look étnico, pin up o clásico. En este caso la mezcla mexicana, rock y hasta indie está presente tanto en los estilismos del videoclip como en la melodía de Si tú me quisieras, una canción de amor, que le valió para conseguir en 2017 el Grammy Latino a mejor canción alternativa.

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Antes de ti

La primera vez que escuché este tema se me vino a la cabeza Kill Bill. Ese tono triste, con aire japonés me recordó a una de las últimas escenas, cuando la protagonista se enfrenta a O-Ren en un jardín japonés nevado. Y cual fue mi sorpresa al descubrir un simbolismo similar en el videoclip de Antes de ti. Estilo asiático en un tema “influenciado por la cultura japonesa”, según confesó la artista chilena.

Amor completo

Una oda al amor en toda regla. Amor completo es una balada, cuyo videoclip está cargado de caricias, es un paseo por un intenso sentimiento que nos atraviesa como solo la música puede hacerlo.

Por qué me fui a enamorar de ti

Terminamos con lo más nuevo de Mon Laferte, Por qué me fui a enamorar de ti una canción aire latino, brisa cubana y ritmo de salsa con la que explora nuevos géneros muy diferentes al resto de sus éxitos.

Foto| GTres

No sé si te ha pasado alguna vez que odias una canción con todas tus fuerzas y de pronto, te ves canturreándola a solas mientras realizas una tarea tediosa. A mí me sucede continuamente. Sin ir más lejos, llevo un mes flagelándome a mí misma y al resto de mis seres queridos con Sorry de Justin Bieber.

Y ahora que caigo… El mismo tiempo que llevo sin ver a mi gato.

¿Soy víctima del hilo musical del bar donde desayuno cada mañana? ¿Paso demasiado tiempo en el Bershka? Posiblemente; pero también existen otras razones que me exculpan a mí, y a los que sois esponjas como yo, de que las canciones más absurdas se peguen a nuestras orejas.

Larvas musicales

Back Romance de Lady Gaga, Move like Jagger de Maroon 5, Don’t get you out of my head de Kylie Minogue… Estos son los tres temas musicales más pegadizos de los últimos años según el estudio de la Durham University.

Tras el análisis de una extensa lista de hits musicales que denominaron como “canciones gusano”, los expertos descubrieron que todas ellas compartían patrones comunes: ritmo rápido, melodías genéricas y repetitivas, fáciles de recordar; y con intervalos singulares que marcaban la diferencia con el resto de las típicas canciones pop. Las nanas que nos cantaban nuestras madres, por ejemplo, también siguen este mismo patrón.

De Johann Pachelbel a Green Day

Los productores musicales no se la juegan. Quieren que los temas que suenan en la radio se vendan como rosquillas y para ello recurren a un viejo truco que consiste en vendernos lo mismo una y otra vez (esqueleto) pero con una piel diferente (melodía).

El esqueleto no es más ni menos que una progresión armónica archiconocida y perteneciente ni más ni menos que a Johann Pachelbel, un compositor barroco alemán. Este señor cuando escribió sobre la partitura la progresión armónica Do-Sol-Lam-Mim-Fa-Do-Fa-Sol y decidió llamar a esta pieza Canon de Pachelbel en Re Mayor no sabía que estaba dando a millones de músicos y productores la llave del éxito y las ventas durante décadas (y lo que te rondaré morena). En el minuto 2.25 de este vídeo tienes la prueba:

Es agradable, nos gusta, le sienta bien cualquier melodía que le pongas y está grabado a fuego en tu interior desde que eras niña. Es por esto que cuando Eminem, Jessie J o Katy Perry lanzan una canción con este esqueleto, suben como la espuma en las listas de ventas.

Este hecho no ha pasado desapercibido por la industria musical que lo sabe desde que Los Ramones o Green Day componían todas las canciones de un disco basándose en la misma progresión de acordes (en esta ocasión, una versión reducida: Sol-Re-Mi-Do) pero con melodías diferentes. Se puede hacer. Se hace. Lo hacen (y tú hazte la croqueta, rueda por la alfombra y llora).

Hay millones de vídeos en YouTube que lo demuestran pero, ¡cuidado!, esto te puede dejar secuelas para el resto de tus días. Marcará un antes y un después. Prepárate para ver a tus ídolos musicales con otros ojos, los del desprecio con el que te mira la profesora de lengua cuando te pilla copiando en un examen. Quedas advertida:

Cerebro traidor

Cuando una de estas canciones pegadizas se cuela por nuestras orejas, el cerebro la estudia completamente hechizado y después trata de reproducir mentalmente esos patrones repetitivos para llenar los huecos que no recordamos. Te pongo de ejemplo a mí misma: empiezo a canturrear el primer verso de Sorry ("Oooh… Oooh… Sorry. Oooh… Oooh… Sorry", trompetazo al canto); inmediatamente después, salto al pre-estribillo reguetonero de Bieber ("Yeah, is it too late now to say sorry?"); y, como soy incapaz de recordar el resto de la letra ni falta que me hace, vuelvo a empezar. (¿Alguien por sala que practique lobotomías?)

Charlando sobre este tema con Diana Aller (autora del blog Lo dice Diana Aller), la guionista y Dj opina que estas canciones constituyen “patrones nemotécnicos que coinciden con cadencias de nuestro cerebro: algo así como que no sólo son más fáciles de recordar unas canciones que otras, si no que su estructura se asemeja a la de cierta actividad cerebral, de tal forma que se produce la atracción y retención”.

Conclusión: mi cerebro funciona a golpe de reguetón.

¿Cómo podemos sacarnos una canción machacona de la cabeza?

Diana Aller trata de pensar en otra canción pegadiza, pero que le guste mucho. “La tarareo mentalmente un par de veces y se me borra de la cabeza la anterior”.

Yo masco chicle porque los movimientos mandibulares interfieren con la memoria a corto plazo y la representación mental de sonidos. Unas veces me funciona y otras no.

Y en el estudio citado al inicio de este post, sus investigadores también recomendaban escuchar la canción gusano una y otra vez para que el cerebro se sacie.

Conclusiones

Seguro que a partir de ahora no volverás a escuchar la radio fórmula de la misma manera. Una pista: los nuevos Djs rollo David Guetta y Calvin Harris lo han pillado a la primera y todas sus canciones son iguales. Más rápidas, más lentas, con un estribillo machacón muy parecido y un subidón/bajón previsible y estipulado.

Es por esto que grupos alternativos como Radiohead, Sonic Youth o Battles rascan al escucharlos por primera vez. Rascan como el primer cigarro de la mañana porque le hacen la peineta a Pachelbel. Son bandas difíciles que cuesta asimilar sin escucharlos 50 veces. Nuestro subconsciente se aturde y se enfada. Ahí está la diferencia entre salirnos de nuestra zona de confort auditivo o quedarnos en el rancho musical.

En fin, os dejo para seguir a lo mío, que no es otra cosa que buscar a mi gato mientras me "embuclo" con Justin Bieber para arrancármelo de una vez por todos de la cabeza. Y si debido a este post, alguna de las canciones mencionadas se te ha pegado a los oídos, solo te puedo decir…

Fotos| Inside Out film, Giphy.

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Lo vemos por todas partes. El rock está de moda. El heavy está de moda. Y no, no hablamos de modas musicales, sino de moda-moda. De ropa, vaya. Lo vemos en pasarelas, en las cuentas de Instagram más seguidas y en las cadenas low cost. Metallica, Iron Maiden, Slayer, AC/DC, la sempiterna lengua roja de los Stones... Y, sin que nos hayamos dado apenas cuenta, se ha abierto un debate que toca de refilón la eterna controversia sobre la apropiación cultural.

¿Llevar una camiseta de una banda de música nos alinea entre sus fans? ¿Debe hacerlo? Esa es la pregunta para la que tanta gente parece tener respuesta en las últimas horas. La última ola de la polémica surge de un artículo publicado en la web WeLoverSize, cuya autora defiende la tesis de que quien no conoce o no es seguidor de un determinado grupo no debería llevar su camiseta. Las reacciones no se han hecho esperar y se ha tachado a la autora de intolerante y elitista.

Cierto es que el artículo está escrito en la sección «Humor» de la publicación y que la propia autora se autodefine como «nazi musical» en las primeras líneas del artículo, pero muchos lectores se la han tomado muy en serio y el debate ha saltado a las redes sociales. Un debate que pone de relieve el concepto de apropiación cultural y vuelve a alinear posturas sobre el derecho o no de cada cual a vestir determinadas prendas.

La apropiación cultural va más allá de las camisetas de grupos heavies. Mucho más allá. Resulta curioso que se abra debate sobre esto cuando otros casos de apropiación cultural resultan mucho más ofensivos para determinados colectivos (con o sin razón de sentirse ofendidos, por otra parte). Hace ya muchas temporadas que está de moda lo étnico, entendiendo como tal aquellas prendas o complementos que toman elementos de culturas diferentes a la occidental.

Las boxer braids, por ejemplo, han sido criticadas por ser un ejemplo de apropiación cultural, incluso modificando la industria de la moda su nombre original. Isabel Marant ha sido acusada de apropiarse de los bordados típicos de las blusas de los indígenas Tlahuitoltepec. Las imágenes de instagrammers realizando posturas de yoga se ha considerado también apropiación cultural de una disciplina milenaria. Incluso Lena Dunham ha considerado que el sushi es un ejemplo de apropiación cultural.

Podríamos llevar los ejemplos hasta el infinito: los tatuajes, la pizza, el rap, las parkas militares, los piercings en la nariz o el pollo al curry. ¿Dónde está la frontera de lo que es ético incorporar a nuestra cultura? Es más, ¿hay una frontera ética en todo ello? ¿Debe haberla? ¿Tienen derecho los miembros de un determinado grupo cultural o, como en el caso de las camisetas heavies, los fans de un grupo musical a sentirse ofendidos?

Son muchas preguntas para las que no hay una respuesta clara. Quizá la única realidad es que el mismo derecho tiene alguien que jamás ha escuchado Master of Puppets a llevar una camiseta de Metallica comprada en Pull&Bear que un auténtico fan de la banda a sentirse ofendido por ello.

Imágenes | Instagram.

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Pues no, no lo habíamos visto todo en el género del teatro musical. Nos quedaba por descubrir que uno de los iconos de la Inglaterra más puritana del siglo XIX, las hermanas Brontë, podían convertirse en inspiración de una obra en la que el rock más puro es protagonista absoluto. Wasted es el título de un musical que ya ha ganado premios internacionales y que nos mostrará una cara de Emily, Anne y Charlotte en la que, probablemente, no habíamos reparado antes.

Los autores del musical han querido captar la angustia y la inquietud de cuatro hermanos (incluyendo a su hermano varón, Branwell) que crecieron en un pequeño pueblo rural como unos inadaptados, ansiosos por ser escuchados, por gritar al mundo sus palabras y que, tras conseguirlo, murieron de forma trágica. Bien pensado, ¿hay algo más rockero que eso?

La obra está ambientada en la década de 1830, pero refleja unas luchas de los hermanos por encontrar el amor y el éxito con sus creaciones que suenan muy contemporáneas, aderezadas con su relación con la enfermedad, la adicción y la desgracia.

Carl Miller, escritor de la obra, ha declarado que los cuatro hermanos tuvieron una trayectoria que fue de la oscuridad a la celebridad y acabaron con una muerte prematura, en una trayectoria típica de una banda de rock. «Esta obra no es solo para los amantes de las Brontë, sino también para quienes no tienen ni idea de lo apasionadas y crudas que eran. Pobres, desempleadas, ignoradas... y, aun así, lucharon por encontrar su lugar en el mundo».

Wasted incluye lenguaje malsonante, referencias a sexo, drogas y otras adicciones y su música recuerda a Queen o Rage Against the Machine. Se representará en el West Yorkshire Playhouse de Leeds este fin de semana.

Imágenes | Wikimedia Commons.

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