La noticia nos encanta a todas las amantes de la moda y el arte. Esta nueva exposición sobre el Surrealismo tendrá lugar en el Museo Dalí de Florida, del 18 de octubre de 2017 al 14 de enero de 2018. Allí se podrán ver obras maestras de la colaboración de estos dos genios, como el vestido-lagosta o el sombrero-zapato en los que trabajaron juntos Elsa Schiaparelli y Salvador Dalí durante los años 20 y 30. Una oportunidad única de ver el surrealismo aplicado a la moda de la mano de dos grandes

Su visión del mundo no era convencional, y juntos se entendieron a las mil maravillas. Fruto de esa mente creativa surgió una fructífera colaboración de la que salieron alguna de sus obras cumbre: el mundo onírico y surrealista invadía los tejidos, los objetos y las prendas para que nada fuera lo que parecía. Es curioso ver cómo las colaboraciones en la moda ya funcionaban hace tantísimos años, y en su día mujeres como Mae West, Marlene Dietrich y Wallis Simpson ya lucían estos diseños.

Elsa Schiaparelli entendía la moda como un arte más, y su imaginación hace que pocos diseñadores se puedan comparar a ella. Sus creaciones fueron realmente originales, no tenía límites a la hora de plasmar las ideas que surgían de su cabeza, y en su concepto de la moda, lo creativo imperaba sobre la sencillez. Quizá por eso se llevaba tan mal con su coetánea Coco Chanel.

Más información | Museo Dalí

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Salvador Felipe Jacinto Dalí y Doménech nació el 11 de mayo de 1904 en Figueras (Cataluña). Desde muy joven se sintió atraído por el arte figurativo dejando entrever ya lo que sería su personalidad.

En una ocasión Dalí hizo unas declaraciones diciendo que todas sus excentricidades e incoherencias habían sido para probar que no era su hermano mayor (muerto antes de que él naciera y a quien sus padres habían llamado también Salvador), y que estaba vivito y coleando.

Aunque empezó a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Madrid fue expulsado por poner en duda la competencia de alguno de sus profesores. Por aquella época fue cuando conoció a Lorca y a Buñuel, y cuando realizó su primer viaje a París donde conoció a Picasso (1926).

Dalí se unió al movimiento surrealista y en 1929 se enamoró como uno loco de Gala, la mujer del poeta Paul Eluard que se convirtió en su musa.

Dalí y los diseñadores de moda

A lo largo de toda su vida, el pintor Salvador Dalí demostró sentirse siempre muy atraído por el mundo de la moda descubriendo dentro de este vasto registro nuevas vías de expresión para su ideal surrealista. Su encuentro con Coco Chanel le animó a diseñar vestuarios como los que hizo para la ópera Tristan Fou o Bacchanale.

Durante la década de los años 30 también colaboró con la diseñadora Elsa Schiaparelli en la creación de algunos zapatos. En 1937 también diseñó el icónico sombrero zapato que, desde que Diego Della Valle adquirió la firma Schiaparelli, hemos visto fotografiado hasta la saciedad. Por lo visto, la inspiración surgió de una foto que le hizo en 1933 Gala a su marido luciendo un zapato de mujer en la cabeza y otro sobre un hombro. Este sombrero pasó a pertenecer luego a la propia Gala quien se lo regaló a su hija Cecile Eluard en 1947. De este modelo existen otros dos ejemplares: uno, con el tacón rojo, que pertenece en la actualidad a la colección Andrea Pfister, y el otro, con el tacón negro, que está en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

En 1936 Dalí creó su Teléfono-lagosta. Al año siguiente, Elsa Schiaparelli le pidió que diseñase la famosa Robe Homard (el traje Langosta). Una prenda sobre la que el artista hubiese querido extender mahonesa entre dos ramilletes de perejil. Este traje acabó siendo fotografiado por Cecil Beaton para la revista Vogue, y lucido por Wallis Simpson cuando todavía no se había convertido en la duquesa de Windsor.

Si os digo que Christian Dior fue galerista de Dalí quizá os sorprenda y no déis crédito. Sin embargo, así fue hasta que por culpa de la crisis del 29 - que tanto afectó al mercado del arte -, Dior se vio obligado a cerrar definitivamente su galería en 1934, reinventándose como diseñador de moda. En 1950 diseñó junto con Christian Dior el traje chiffonier. Los cuerpos humanos que se abren mediante cajones simbolizaban para Dalí la memoria y el inconsciente. Un concepto heredado de sus lecturas de Freud quien aseguraba que el cuerpo humano está lleno de cajones secretos que sólo el psicoanálisis puede abrir. Este traje expresaba el misterio de los secretos ocultos.

Carlos de Bestegui e Iturbide, un aristócrata de origen vasco afincado en México los volvió a unir de nuevo al encargarles unos disfraces para un fastuoso baile de máscaras que quería ofrecer con motivo de la reinaguración del Palazzo Labia, que acababa de restaurar, localizado en el Gran Canal de Venecia. Dior realizó unos trajes venecianos, desorbitadamente largos, a partir de un dibujo que hizo Dalí.

Existe un reportaje gráfico que refleja los fastos del llamado "Baile del Siglo" firmado por Cecil Beaton. Según contaron las personas que tuvieron la suerte de asistir a este baile, el momento más memorable fue la entrada de Dalí y de su grupo disfrazados de fantasmas venecianos gigantes. Para Dalí, Pierre Cardin había diseñado una gafas de dobles cristales entre los cuales pululaban un montón de hormigas vivas.

Joyas y fragancias

Este polifacético artista también diseñó joyas. En 1949 El Ojo del tiempo y en 1950, después del éxito cosechado con el sofá que reproducía los labios de Mae West tapizado con una tela con el mismo tono de barra de labios que utilizaba la actriz, un broche que reproducían unos labios engastados con rubíes y que al estar entreabiertos mostraban también unas perlas reproduciendo los dientes de la actriz.

En 1981, su obra “Aparición del rostro de la Afrodita de Cnide" en medio de un paisaje sirvió de inspiración para la creación de unos frascos de perfume a los que llamaron Dalí Homme y Femme. Aunque hace ya años que Dalí nos dejó acaba de reeditarse una nueva eau de toilette femenina con acentos salvajes a la que han llamado Dalí Wild.

Un nombre evocador que rinde homenaje a aquel increíble abrigo de leopardo que solía lucir el artista, y al magnífico ocelote que llevaba de una correa como si fuese una mascota.

El 10 de junio de 1982, Gala, musa y compañera de Dalí, murió a los 88 años de edad. Clienta asidua de las casas de Alta Costura, sus modelos pueden verse pues están expuestos en las habitaciones del castillo de Pubol, gestionados por una fundación. El único vestido que ya nadie podrá ver es un vestido rojo firmado por Christian Dior, que Salvador Dalí eligió personalmente para el último viaje de su icono.

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Fotos | Wikipedia
En Trendencias | Moda: ¿Cuánto y cuándo es cultura o arte?

Pensando en vosotras, hemos seleccionado a 10 iconos de moda cuyo estilo inspiró en su día, y todavía hoy continúa haciéndolo, a muchas personas: gente anónima y también a grandes diseñadores. Pensándolo bien, todos estos iconos lo que nos han transmitido es un actitud ante la vida porque, ya se sabe, las modas pasan, pero el estilo permanece.

Oscar Wilde solía decir que la moda es una forma de fealdad tan intolerable que nos veíamos obligados a cambiarla cada 6 meses. Resulta curioso que un escritor que pasó a la historia por ser uno de los primeros dandies reconocidos hiciera semejante declaración, pero ya se sabe que Wilde era un iconoclasta a quien le gustaba provocar.

Algunos de estos iconos nos enseñaran cómo combinar una marinière, lucir unas bailarinas o ser una lady de los pies a la cabeza. 10 lecciones de estilo que nos permitirán alcanzar el máximo grado de sofisticación sin perder por ello la sencillez porque, como decía Diana Vreeland, la verdadera elegancia reside en el espíritu, y si la tienes, el resto llega solo.

Coco Chanel

Mlle. Chanel solía decir que para ser irremplazable, hay que ser diferente. La moda no es algo que resida únicamente en las prendas. La moda está en el aire, la mueve el viento, está en la calle, se la presiente.

Coco Chanel fue la primera en crear una LBD, un vestido de jersey en color negro capaz de combinar a un mismo tiempo rigor, armonía y sensualidad, ya que liberaba los movimientos de la mujer sin que perdiera por ello su elegancia. Un vestido apto tanto para ir a trabajar como para asistir a un cóctel. En cuanto las mujeres superaron ese resquemor que hacía que asociasen esta prenda con el luto, empezaron a darse cuenta de todas las ventajas que suponía un comodín de este tipo con un largo hasta las rodillas.

Claro que para alegrarlo un poco los accesorios eran fundamentales. Así que la diseñadora animaba a combinarlos con varios sautoirs de perlas, con grandes broches en forma de estrellas o cometas o, incluso, con sus famosas camelias de color blanco.

Gabrielle Chanel fue también la primera en atreverse a utilizar pantalones masculinos combinados con las marinières a rayas que solían utilizar los marineros bretones. Su ejemplo no tardó en ser secundado porque los fundamentos del estilo de Coco Chanel están basados en el lujo de la comodidad, en la independencia y la libertad de movimientos.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Coco Chanel recuperó su actividad lanzando el estilo que a partir de entonces simbolizaría su marca: me estoy refiriendo al famoso tailleur de tweed con cuatro bolsillos, decorado con botones-joya a juego con zapatos bicolor (crema y negro) y el bolso matelassé que se colgaba del hombro con una cadena dorada. Coco Chanel llegó a afirmar que ella no hacía moda, que ella era la moda. Desde luego, no seré yo quien se lo discuta.

Elsa Schiaparelli

Elsa Schaparelli fue ante todo una artista que se codeaba con los surrealistas y con los dadaístas de la época. Ella solía decir que en época de tiempos revueltos, la moda siempre resulta extravagante. Fue la primera diseñadora que se atrevió a mezclar la visión del arte con la de la haute couture. Su amor por el arte influyó en todas sus creaciones, lo que le permitió romper con los clásicos esquemas que hasta entonces regían el mundo de la moda.

Su ideal de mujer era la imagen de una mujer libre e independiente, pero siempre elegante. Su estilo supuso una auténtica revolución, y ha influenciado a muchos de los grandes diseñadores del mundo de la moda actuales. Un estilo hecho de coherencia, atención por el detalle y excelencia.

El primero en querer rendir homenaje al espíritu de la Schiap fue Christian Lacroix quien, en el 2013, decidió desempolvar sus trastos para realizar una colección compuesta por quince prendas a las que bautizó todas con nombres que empezaban con "S" como "shocking" (pink shocking, su color preferido). El eclecticismo de la Schiap vive en la alta costura (aún sin un diseñador estrella).

Hace dos años, su nieta - la actriz Marisa Berenson -, subastó el guardarropa personal y los recuerdos de su abuela, la gran Elsa Schiaparelli. Una subasta compuesta por 180 lotes que hizo las delicias de los amantes de la cultura y de la moda pues esta diseñadora nacida en Italia iba siempre a la vanguardia creativa de su época.

Marilyn Monroe

"Dale a una chica un buen par de zapatos, y conquistará el mundo". Ese era el grito de guerra de la icónica actriz americana cuya imagen, vestida de blanco con un traje plisado sobre la rejilla de una salida del metro, ha quedado para siempre grabada en nuestra memoria de una manera indeleble. Pues bien este traje fue creado por su diseñador de confianza, William Travilla. Todavía hoy me pregunto cómo consiguió que no se le colaran los tacones en la rejilla. Dice la leyenda, que para evitar que el operario que se había colocado debajo de la rejilla con un ventilador no se alegrase demasiado la vista, la actriz decidió ponerse una culotte, yendo en contra de sus costumbres, pues presumía de no llevar nunca puesta ropa interior.

Otro de los trajes que más se recuerdan fue el traje de lamé dorado que lució en la película "Los hombres las prefieren rubias". Se trata de un fourreau con pronunciado escote en V constituido por un único círculo de lamé dorado plissé soleil cosido directamente sobre el cuerpo de la actriz, lo que le valió a William Travilla el apelativo de "El hombre que vestía a las sex-symbols".

En otra escena de esta misma película, Marilyn Monroe y Jane Russel lucen dos trajes idénticos de color rojo que refulgían como si fuesen rubíes. Cada una de las paillettes rojas con las que habían sido confeccionados había sido cosidas a mano en espiral para que atrapasen mejor la luz.

Pero si hay una escena que todos asociamos con Marilyn es esa en la que aparece un un traje bustier de satén en color rosa a juego con una guantes largos del mismo tono accesorizado con imponentes brazaletes de diamantes de bisutería. Un detalle que casi nadie conoce es que para que Marilyn pudiese agarrarse bien a sus boys mientras bailaba y no se escurriese, Travilla había mandado coserle en la palma de los guantes un muletón de algodón del mismo tono.

En 1960, Marilyn recogió el premio a "La mejor intérprete del año" en los Golden Globes Award luciendo una estola de piel de visón de color blanco también diseñada por Travilla.

En la película "Cómo casarse con un millonario" la vimos luciendo un traje bustier en satén de color púrpura cuyo escote llevaba un tirante cruzado en diagonal del que colgaba una cola de quita y pon para que no aplastase el pecho. El tándem formado por Monroe y Travilla continuó funcionando hasta en 8 películas.

Audrey Hepburn

"La elegancia es la única belleza que no se aja nunca. La belleza de una mujer no reside en los trajes que lleva, ni en su maquillaje, ni en la manera en la que se arregla el pelo. La verdadera belleza es un reflejo del alma".

Así, por lo menos, opinaba esta actriz quien - a pesar de ir contracorriente en lo relacionado con los cánones estéticos imperantes en su época - se convirtió en un icono de moda que sigue hoy inspirando a todas los fashionistas del mundo. A ella debemos el nacimiento de un nuevo estilo gracias al cual la LBD de Givenchy con el recorte en demi lune en la parte posterior y los sautoirs de perlas adquirieron un toque de genialidad.

En 1951, la escritora Colette cayó rendida ante su encanto y le ofreció el papel principal de "Gigi", su nueva obra teatral. Aunque la obra no tuvo demasiado éxito, Billy Wyler se fijó en ella para que protagonizara la película "Vacaciones en Roma" donde el vestuario elegido por Edith Head hizo correr ríos de tinta. A partir de entonces, todos los ojos se volvieron hacia esta frágil mujer llena de carisma, que parecía estar a cien mil kilómetros de distancia de la exuberante Marilyn Monroe.

Fue precisamente después del rodaje de "Sabrina", y del vestuario diseñado por ella por Hubert de Givenchy, cuando pasó a convertirse en un icono de moda. El diseñador reconoció que Audrey sabía perfectamente qué cualidades debía resaltar. Conocía perfectamente su físico, sus defectos y sabía sacar partido de sus peculiaridades (su cuerpo alto y delgado, su pecho plano y su cuello largo). Givenchy comentó en más de una ocasión que su único mérito fue saber adaptarse a los deseos de la actriz, resaltando sus características, y procurando no ocultarlas (como hacia Edith Head).

La alquimia existente entre Givenchy y Audrey dio lugar al nacimiento de una nueva imagen de la elegancia, que todavía es apta hoy. Da igual que se pusiese un traje de chaqueta ceñido, un traje corola, o unos pantalones pitillos y un jersey de cuello vuelto pegados al cuerpo, su estilo encarna la quintaesencia de la gracia. Audrey no se dejaba guiar por la moda, sino que construyó su propio estilo. En numerosas ocasiones apareció en la portada de la revista Vogue y Harper's Bazaar. Nunca antes una actriz había logrado suscitar tanta admiración en el mundillo de la moda. Todavía hoy continúa influyendo en los diseñadores que opinan de ella que es un auténtico icono de moda absolutamente atemporal.

Brigitte Bardot

Normalmente asociamos las bailarinas con la glamourosa y muy chic imagen de una estilizada Audrey Hepburn, luciéndolas en la película "Sabrina" a juego con un pantalón negro pitillo y un jersey del mismo tono. Se trataba del modelo "Capri" firmado por Salvatore Ferragamo. Sin embargo, fue una jovencísima Brigitte Bardot - quien acababa de hacer sus primeros pinitos como actriz, después de haber sido bailarina profesional, la primera en encargarle a Rose Repetto un zapato que le permitiese dotar de elegancia a su porte al caminar en 1956.

Rose Repetto creó para ella las famosas bailarinas “Cendrillon” (Cenicienta), que la actriz se puso durante el rodaje de la película "Y Dios creó a la mujer" dirigida por Roger Vadim, y que no tardaron en convertirse en un objeto cult reinterpretado, más adelante, por muchos otros diseñadores como Coco Chanel, Giuseppe Zanotti, Lanvin, Fendi, Jimmy Choo, Chloé e incluso Christian Louboutin.

Otra prenda que puso de moda fueron los vestidos de estilo New Look con falda amplia abullonada gracias a unas enaguas de tul. El 18 de junio de 1959, Brigitte Bardot se casaba con Jacques Charrier vestida con un trajecito confeccionado en una tela que solía emplearse para fabricar las cortinas y los trapos de las cocinas.

BB siempre ha sido muy guerrera y, para desafiar a los convencionalismos imperantes en la época, confió en su buen amigo, el diseñador Jacques Esterel quien, animado por la actriz, decidió dar al traste con la tradición de los velos y los vestidos de novia de satén de color blanco, decantándose por una tela muy barata. Cuando BB apareció con este traje confeccionado en Vichy rosa en la portada de la revista Jours de France el 27 de junio, sedujo de inmediato a toda una generación.

Françoise Hardy

Quizá este nombre no os suene mucho, pero si os digo que gracias al buen hacer del fotógrafo Jean-Marie Périer y a la canción "Tous les garçons et les filles de mon âge" - unas de las canciones francesas más conocidas del mundo y más reinterpretadas de todos los tiempos -, Françoise Madeleine Hardy se convirtió allá por 1963 no sólo en el nuevo ídolo de la canción sino también en la mejor embajadora de la moda yeye, de las mini faldas, las botas blancas, y del flequillo. Una imagen que fue evolucionando gracias a la influencia de Périer y de diseñadores de la talla de André Courrèges, Yves Saint Laurent, y Paco Rabanne, quienes la eligieron como embajadora de sus marcas, y de Marc Bohan de Dior que realizó para ella un vestido a partir de los diseños de la artista Sonia Delaunay.

Sus apariciones en público durante su gira francesa en el año 1965 luciendo creaciones de Courrèges, su actuación en el Savoy de Londres al año siguiente ataviada con el famoso smoking diseñado por Yves Saint Laurent o su inolvidable actuación en abril del 68 resplandeciendo dentro de un traje mini metálico que Paco Rabanne había diseñado exclusivamente para ella causaron auténtica sensación. Tanto que Rabanne decidió continuar diseñando para ella, haciendo que exhibiese el traje mini más caro del mundo hecho de plaquetas de oro incrustadas con diamantes durante la inauguración de la Exposición Internacional de Diamantes que tuvo lugar en el famoso mayo del 68 (coincidiendo con la revolución estudiantil en Francia).

Grace Kelly

Cuando oigo hablar de Kelly lo primero que se me viene a la mente es ese bolso de Hermès que la princesa Gracia de Mónaco se colocó estratégicamente para disimular un embarazo que todavía no había sido confirmado oficialmente. Una foto publicada por primera vez en la revista Life, que dio la vuelta al mundo apareciendo reproducida en numerosas revistas, y que tuvo un enorme impacto.

Lo segundo sus turbantes (no sé por qué) y lo siguiente su maravilloso traje de novia de encaje. Uno de los más elegantes y más recordados de todos los tiempos, y que sigue inspirando a muchas novias a la hora de elegir su traje de boda. El traje fue diseñado por Helen Rose, responsable de vestuario de la Metro Golden Meyer, y merecedora en dos ocasiones de un Oscar. Como en 1957, la mayoría de las fotos eran en blanco y negro, un dato que muchos desconocen es que este vestido de encaje era de un suave color rosa.

Corría el año 1966 cuando Rodolfo Gucci recibió la visita de Gracia de Mónaco, en compañía del príncipe Rainiero, a su boutique de Milán. En aquella ocasión, la princesa adquirió un bolso modelo Bamboo de color verde, y Rodolfo Gucci quiso agradecerle el gesto haciéndole un regalo.

La princesa Gracia comentó que le gustaría un foulard. El empresario, nervioso y emocionado, consideró que la colección de carrés de Gucci de ese año no tenía nada suficientemente especial como para poder agasajar a semejante cliente. Así pues, decidió contactar con el famoso ilustrador Vittorio Accornero, encargándole que diseñase el más bonito y florido pañuelo que cupiese imaginar.

Después de trabajar toda la noche en el diseño, Accornero se presentó a la mañana siguiente con un estampado compuesto por cuarenta y tres variedades de flores multicolores, al que bautizó con el nombre de Flora. Frida Giannini recuperó el estampado de este mítico pañuelo, y lo convirtió en el protagonista indiscutible de toda una colección, pidiéndole también a la nieta de la princesa Grace, Carlota Casiraghi, que protagonizase su campaña publicitaria.

Mary Quant

Para Mary Quant, la mujer que va a la moda luce una prenda, no es el modelito el que la lleva a ella. Abanderada indiscutible del Swinging London, la visionaria diseñadora que creó la minifalda acaba de cumplir 80 años. Aunque reconoce sentir una cierta nostalgia por toda aquella efervescencia e innovación que se vivía en el Londres de los años 60, confiesa sentirse entusiamada por la moda actual, que presta especial atención a las piernas y a la condición femenina.

Esta mujer revolucionó la moda femenina al popularizar la mini falda, las medias de colores que vendía en una boutique del barrio de Chelsea. Una tienda de ropa y de accesorios que tenía un restaurante encima que era el punto de encuentro de jóvenes artistas y músicos.

Mary Quant diseñaba trajes y faldas cortos, de lineas simples y en colores vivos, y se divertían enseñándolos en escaparates con una puesta en escena de lo más extravagante. Animada por el éxito, la diseñadora abrió una segunda tienda en colaboración con una cadena americana de grandes almacenes, lanzado una línea low cost a la que llamó The Ginger Group.

Enamorada de las formas geométricas, del Op Art, de los contrastes de colores y de los juegos con diferentes materias como el PVC, Mary Quant creó una moda de lo más lúdica y desprovista del clásico snobismo inglés. Una moda que casaba a la maravilla con el pop, con los cafés y con los clubes de jazz.

El estilo y la personalidad de Mary Quant con su famoso flequillo creado por Vidal Sassoon han contribuido a hacer de ella la diseñadora de moda más famosa de Inglaterra durante los años 60. Además, su carácter intrépido proporcionaba grandes titulares al hablar de forma provocativa de la sexualidad.

Lauren Hutton

"La moda es lo que los diseñadores nos ofrecen cuatro veces al año. El estilo es lo que una misma elige, el que mejor le va". Este es el mantra de un icono de estilo en el que todas deberíamos inspirarnos. Durante la década de los 70, Lauren representaba la perfección. Le bastaba ponerse un short en denim y una camiseta para brillar con luz propia.

Esta modelo reconvertida en actriz (ha trabajado con Robert Redford, Gérard Depardieu o Richard Gere) fue 27 veces portada de la revista Vogue durante aquella década. Todavía hoy nos demuestra, un día sí y otro también, que la moda no está reservada sólo para las jóvenes modelos, sino para todo el mundo.

Su talante es una auténtica lección de estilo que nos enseña a adaptarnos a las últimas tendencias. Ahora que acaba de cumplir 71 años, la revistas dicen de ella que forma parte de esas mujeres que invitan a envejecer.

Fotos | Gucci, J. Crew, Mary Quant, Grace Kelly, Françoise Hardy, Repetto, William Travilla, Audrey Hepburn, Elsa Schiaparelli, Coco Chanel
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El uso del corsé se generalizó a lo largo del siglo XIX. Por aquel entonces era inimaginable siquiera pensar en la silueta femenina sin este accesorio. Ocho mil trabajadoras vivían de su comercio en Francia y, aunque las críticas de los médicos hacia este accesorio iban in crescendo, su uso demostraba que esta práctica persistía porque debido a la opulencia y el desborde, la mujer estaba obligada a mantener bajo control sus carnes por aquello de la contención.

6 millones de corsés vendidos

El objeto en cuestión suscitaba auténticas pasiones. De 1828 a 1848 se registraron sesenta y cuatro solicitudes de patentes y marcas, diseñadas para que resultase más cómodo. A principios del siglo XX todavía se registraban de tres a cinco solicitudes cada mes. La producción tampoco dejaba de crecer. En 1870 se vendieron un millón y medio de corsés, y en 1900... ¡seis millones!

Los primeros visuales publicitarios para la promoción de los corsés datan de 1901. En ese año, el modelo Le Furet de Capiello Leonetto muestra una imagen de una joven luciendo corsé, y un eslogan que reza: “Proporciona la ligereza de una oriental con la gracia de una francesa!"

A pesar del éxito de esta prenda que adelgazaba la figura, afinando la cintura, disimulando la tripa, y haciendo que el pecho y el trasero sobresaliesen, el corsé fue desapareciendo a medida que la moda evolucionaba, y que los trajes se iban pegando más y más al cuerpo.

Vuelve el estilo Imperio

A principios del siglo XX, hacia 1905, los corsés que se ajustaban para afinar la cintura y subrayar las caderas empiezan a estar démodés, porque las mujeres empiezan a lucir trajes que recordaban a los del estilo Imperio, marcando mucho el pecho, pero no la cintura.

Entre los años 1910 y 1929, se produce una auténtica metamorfosis: las líneas se alargan y existe una mayor libertad de movimientos. Poco a poco se va imponiendo la verticalidad y las siluetas andróginas gracias a los primeros trajes camiseros fabricados con tela de foulards.

El mejor exponente de ello es el autorretrato de Hèlène-Clémentine Dufau (1911). La artista se pintó en un traje de inspiración oriental de color turquesa adornado con accesorios dorados y peinada con un turbante esmeralda. Esta feminista nos mira desde la tela con orgullo, consciente de la revolución que está promoviendo, y que dio lugar a la ola de orientalismo suscitada después del éxito del ballet Scherezade.

Los trajes que se usaban en las ciudades llevaban un cuello de encaje, y disimulaban las formas del cuerpo de los pies a la cabeza. Fue una época en la que las plumas de avestruz, extremadamente caras, se pusieron de moda en forma de boas de marabú. El pelo se solía recoger en un moño y el sombrero se plantaba delante buscando equilibrar la figura. Aunque pueda parecer los contrario, el vestuario femenino resulta mucho más ligero que antes, pero los cuerpos seguían estando encorsetados.

Los Locos Años 20

En 1925 fue cuando, por primera vez en la historia de la Europa moderna, la moda se atrevió a descubrir las rodillas femeninas. Un auténtico escándalo. En la foto Joven sola en el Romanisches Café de Berlin el fotógrafo (anónimo) muestra el nuevo tipo de mujer que acaba de nacer, procurando emanciparse de su estatus tradicional al tiempo que libera sus piernas.

También es cuando las mujeres se animan a cortarse el pelo a la garçonne como símbolo de emancipación: las mujeres se vuelven activas y autónomas, salen, bailan, fuman, realizan deportes al aire libre, conducen automóviles, viajan; y también porque con el pelo largo era imposible ponerse los sombreros estilo campana que empezaban a hacer furor.

El corte de los vestidos acaba haciéndose tubular, y la cintura desciende hasta las caderas dando lugar a una silueta andrógina y longilinea, donde ya no se marcan las curvas. Las fronteras entre el vestuario masculino y femenino se difuminan. El traje de chaqueta hace su aparición en escena; la camisa con cuello y puños también entran a formar parte del guardarropa femenino.

Coco Chanel introduce el blazer en su colección de 1926. El camisón se sustituye por el pijama. Algunas mujeres incluso se animan a vestirse con el traje pantalón masculino accesorizado con corbata o pajarita, gemelos, y bombín encarnando así a una feminista subvervisa, en ocasiones lesbiana.

Surge también la falda pantalón que permitía montar en bicicleta, y el traje de baño realizado en jersey. En 1924 Jean Patou lanza su línea sportswear, diseñando prendas para la famosa campeona de tenis Suzanne Lenglen. En 1927 Elsa Schiaparelli lanza una colección cuyos jerséis llevaban dibujados una pajarita a modo de trampantojo. El jersey pasa entonces a usarse en trajes dando lugar a telas con estampados geométricos de colores vivos al más puro estilo Art Déco. Durante los Locos Años 20, Coco Chanel es su mejor embajadora tanto por su manera de vestirse como por su forma de ser.

A finales de los años 20 en París existen ya varias maisons de couture entre las cuales destacan las de Jeanne Paquin y la de Coco Chanel que fueron la primeras en concebir los desfiles de moda como performances artísticas que incluían el baile, la música y un decorado además de sus diseños de moda.

Los años de la guerra

A medida que nos vamos acercando al final de la década, y de la guerra, la industria de la moda decae porque hay que hacer frente a las penurias de la industria textil. Los colores se vuelven más oscuros hasta el punto que los toques extravagantes estaban considerados como de pésimo gusto. Las chaquetas de lana o franela solían llevar doble botonadura y los hombros extremadamente marcados. La mayoría de las veces eran el resultado de abrigos que se habían cortado para reciclarlos.

Durante los años 40, la guerra vuelve a paralizar de nuevo la industria de la moda, y las telas buenas brillan por su ausencia o resultan prohibitivas. Esta situación impone una moda de circunstancias debida a las privaciones: falda corta por encima de la rodilla, hombros cuadrados, sombreritos fabricados con retales de telas o turbantes, zapatos con suelas de corcho o de madera. Las mujeres solían pintarse una falsa raya en la parte posterior de la pantorrilla para hacer creer que llevaban puestas medias de seda.

Dior instaura el New Look

En 1947 Christian Dior relanza la moda al instaurar su New Look que marcaba la cintura y preconizaba las faldas amplias debajo de las cuales se solía utilizar un cancán de tul. Como reacción al New Look Coco Chanel lanza su famoso tailleur o traje de chaqueta. Algunos hombres empiezan a utilizar pantalones vaqueros.

Pierre Cardin, André Courrèges y Paco Rabanne

Las años 60 marcan el impulso del prêt-à-porter. Surgen nuevos materiales con los que poder fabricar prendas como el plástico. Pierre Cardin crea trajes fabricados en plástico y camisetas hechas con rejilla de vinilo. Courrèges revoluciona la moda y Paco Rabanne crea un traje metálico.

Las faldas van acortándose hasta que en 1962 la diseñadora Mary Quant crea la minifalda que presenta en Londres - cuya paternidad se la disputaba con André Courrèges. Las chaquetas y las chaquetas de punto se cierran con un único botón colocado cerca del cuello. Los estampados más de moda son las rayas y los lunares. Los accesorios más chic son los foulards, las diademas y los turbantes colocados alrededor del cabello, y las gafas de fantasía de inspiración futurista. La bisutería es toda de plático y de colores vivos y alegres.

Las botas altas, por encima de la rodilla, están de rabiosa actualidad. En 1963 Roger Vivier crea los zapatos de salón con tacón de aguja. A finales de 1965, el famoso tacón de aguja creado por Salvatore Ferragamo cede su lugar al tacón cuadrado alto o bajo. La silueta femenina se vuelve geométrica, sin marcar la cintura ni el pecho. Surgen los vestidos de colores, las mallas de colores, los cinturones a la cadera, los shorts, los pantalones campana, los tops calados, los impermeables de colores chillones y la maxifalda. Sus mejores exponentes son André Courrèges y Pierre Cardin.

La moda de los años 70, con dos monstruos sagrados como Saint Laurent y Givenchy, merece una mención aparte. Os emplazo a un próximo artículo para que también podamos repasar juntos lo que dieron de sí Mugler, Montana, Gaultier y Alaïa durante los años 80.

Fotos | Corset Le Furet Leonetto Cappiello, Clémentine-Hélène Dufau, Louise Brooks, Craigboy, Mary Quant, New Look
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A principios de mayo del 2010 el nombre de Elsa Schiaparelli empezó a volverse a oír en los mentideros del universo de la moda cuando el patrón de Tod's, Diego Della Valle, anunció a bombo y platillo que se había empeñado en reabrir esta mediática e histórica firma de moda cuyas puertas fueron cerradas por su fundadora en 1954.

Como bien sabéis, Elsa Schiaparelli no sólo fue un icono de moda sino una artista que se codeaba con los surrealistas y dadaístas de la época; y cuyo ideal de mujer era el de una mujer libre e independiente, por lo que su revolucionario estilo influyó en muchos de los grandes diseñadores que ha dado la historia de la moda.

Por aquel entonces, Diego Della Valle manifestó que lo más importante era elegir a un diseñador capaz de reproducir el estilo de Elsa Schiaparelli sin dejarse inlfuir por los dictados de la moda comercial, procurando dar vida a un estilo hecho de coherencia, atención por el detalle y excelencia.

Para ir abriendo boca, Della Valle convenció a Christian Lacroix para que crease una colección cápsula compuesta por quince prendas que rindiesen un merecido homenaje a Elsa Schiaparelli. A Lacroix le hizo mucha ilusión el encargo ya que consideraba que la Schiap había sido un personaje fascinante capaz de hablar tanto de matemáticas como de literatura y poesía, y le encantó la idea de poder contribuir a devolverla a ese lugar en el centro de la escena desde donde supo suducir al mundo, y que nunca debió abandonar.

La colección de Lacroix para Schiaparelli se presentó en los mismos talleres donde Elsa escribió las reglas de un lujo exclusivo, visionario y tranversal declinado en femenino (21 Place Vendôme – París). Farida Khelfa, la nueva embajadora de la firma, ejerció de anfitriona junto a Della Valle. Viendo el resultado, estoy convencida de que a Della Valle le hubiese encantado poder contratar a Lacroix, pero imagino que no pudo o no supo hacerle una oferta a la que no hubiese sabido resistirse.

El caso es que para establecer esa importante conexión entre la moda, el arte y la innovación de los que fue precursora la gran Elsa, Della Valle anunció en octubre del 2013, en plena Fashion Week, que había contratado a Marzo Zanini como a su nuevo director artístico; y que este diseñador italiano - que hasta la fecha trabajaba para Rochas -, iba a hacerse cargo tanto de las colecciones prêt-à-porter como Couture.

Anticiparse a los movimientos de una época y a los del futuro no debe ser una tarea fácil, como tampoco lo debe ser reescribir las reglas de un nuevo lujo exclusivo y visionario declinado en femenino - aunque para ellos se cuente con los buenos consejos de una embajadora como Farida Khelfa. El caso es que la primera colección de Zanini para Schiaparelli fue presentada durante la semana de la Haute Couture parisina celebrada en enero del año pasado.

Marco Zanini procuró explorar los confines del exceso, pero manteniendo en todo momento el control gracias a su savoir-faire, y al equilibrio entre Couture y estilo. Para lograrlo utilizó gazar de seda, satén y tercipelo con estampados que llevaban impresos pájaros y ardillas; también un lujoso festín de pieles (martas cibelinas, castor, visón despinzado, cordero de Mongolia) con mangas enormes que recordaban un poco a la silueta de un gorila. Los tocados, tan icónicos para la marca, destacaban por reproducir grandes flequillos por medio de plumas.

Sin embargo, el pasado 7 de noviembre, y contra todo pronóstico, la firma Schiaparelli mandó un escueto comunicado confirmado el fin de su colaboración con Marco Zanini quien, en diversas ocasiones, había manifestado no sentirse demasiado cómodo.

Así que todos esperábamos con expectación el resultado de la nueva colección Haute Couture para la primavera-verano 2015 de Schiaparelli al frente de la cual sólo había quedado Farida Khelfa, una embajadora que ha tenido que ponerse las pilas para incentivar a un equipo a quien habían dejado sin cabeza.

En honor a la verdad, he de decir que el resultado me ha sorprendido gratamente (probablemente porque me esperaba lo peor). Entre las prendas que desfilaron se pudo ver el expertise de una sastrería masculina abiertamente femenina, hecha de esmóquines en sarga de lana, seda o en lamé de terciopelo con grandes lazadas.

Las chaquetas y los vestidos iban adornados con un bordado formando cadena inspirado en uno diseñado por la propia Elsa en 1938, y los bolsillos con plumas de marabú de vivos colores.

Me ha llamado mucho la atención el miriñaque en forma de cascada realizado con corazones de cuero troquelados con láser que cubría la espalda de un original abrigo de napa.

También los estampados pintados medianta la técnica del serigrafiado que reproducen escenas costumbristas que solían tener lugar en los talleres como la batalla de los alfileres o las escenas de las modistillas enamoradas.

Preciosa y muy impactante la bisutería que da lugar a una nueva alquimia al fusionar el vidrio fundido con el crista y el latón dando vida a unas manos en trampantojo que sirven de cierre para un collar con forma de estrella de cristal, adornando majestuosamente a un vestido drapeado jugando así con la obsesión de Elsa Schiaparelli por los corazones perforados, los candados y la Osa Mayor.

Sitio oficial | Schiaparelli
En Trendencias | Las 11 mujeres más estilosas de la historia sin discusión

La elegancia femenina no siempre es algo innato. Es un estilo, un talante, la famosa allure que dicen los franceses. Ese je ne sais quoi que se va adquiriendo y cultivando con el transcurrir de la vida gracias a lo que vemos cuando salimos de casa y viajamos. Hay quien dice que la cultura es lo que queda después de haber estudiado mucho, pues con el estilo pasa lo mismo. No basta con vestirse con un traje de firma y, sobre todo, no basta con creerse elegantes, también hay que tener actitud y estilo propio.

El gran Yves Mathieu Saint Laurent solía decir que las mujeres que siguen la moda al pie de la letra corren un gran riesgo: el de perder su propia esencia, su estilo, y su elegancia natural. Gabrielle Chanel también opinaba que el buen gusto en el vestir era algo innato; y Giorgio Armani asegura que la elegancia consiste en no llamar la atención, pero que te recuerden. Personalmente opino que el estilo es la mezcla justa de distinción, naturalidad, atención y sencillez.

Así que con todas estas premisas, hemos procurado hacer un repaso buscando en los anales a las 11 mujeres más estilosas de la historia sin discusión. Probablemente no estén todas las que son, pero son todas las que están. Empezamos.

Madelaine Vionnet (1876-1975)

Fue una diseñadora de Haute Couture, y una de las figuras más influyentes de la historia de la moda. Se casó a los 18 años, y cuando tenía 20 tuvo que enfrentarse a la muerte de su hija de un año. Con el pretexto de aprender inglés, dejó su trabajo de modista, a su marido y abandonó Francia con destino al taller de una modista inglesa que vestía a las británicas copiando los modelos que compraba en París.

Fascinada por la bailarina Isadura Duncan, exploró el arte del drapeado que logró dominar con maestría. Gracias a este expertise, volvió a París contratada por las Hermanas Callot, y luego pasó a Jacques Doucet donde suprimió definitivamente el uso del corsé. Por cierto, fue ella y no Paul Poiret a quien debemos esta revolución en el vestuario femenino.

En 1912 fundó la firma Vionnet, con la que comenzó a aplicar técnicas revolucionarias como el corte al bies. Para defender la autoría de sus creaciones además de añadir en la etiqueta un número de serie, también dejaba impresa su huella digital. También creó un archivo donde cada pieza que salía de su taller era fotografiada de frente, de perfil y de espalda. En 1940, después de la Segunda Guerra Mundial, cerró su maison y se dedicó a transmitir sus conocimientos a través de L'École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne, y entregó todos sus archivos y sus 800 patrones a su amigos François Boucher para que entrasen a formar parte del Museo del Traje de París.

Luisa Casati (1881-1957)

Luisa Amann era hija de un empresario austriaco que fue nombrado conde por el rey Humberto I de Italia, y una de las mujeres más ricas de Italia. Se casó con el marqués Casati de quien tuvo una única hija, pero siempre vivieron separados. Luisa Casati fue una de las grandes figuras de la sociedad europea a principios del siglo XX. Marcó su época por sus extravagancias, por porte teatral y su pasión por las ciencias ocultas.

Solía celebrar fastuosos bailes de disfraces a los que invitaba a todo el beau monde. Sus excentricidades y su belleza contribuyeron a su fama. Solía pasearse de noche, desnuda debajo de sus abrigos de piel llevando de la correa a sus dos guepardos con collares engastados con diamantes, y serpientes vivas a modo de joyas.

Fue mecenas de los mejores diseñadores de moda como Fortuny y Poiret y en su casa de la isla de Capri solía alojar a numerosos artistas entre los que había muchos gays y lesbianas. Acabó arruinada, y tuvo que huir a Londes donde murió a los 76 años. Fue musa de escritores de la talla de Montesquiou, Jean Cocteau y Gabriele D'Annunzio. También fue inmortalizada en numerosas ocasiones por pintores y escultores. Muchas de estas obras eran encargos que ella misma les hacia para contribuir a su propia inmortalidad. John Galliano se inspiró en su persona para la colección primavera-verano 1998 de Christian Dior.

Coco Chanel (1883-1971)

Gabrielle Chanel es la única diseñadora de moda que figura en la lista de las 100 personas más influyentes del mundo elaborada por la revista Time. Rompió con la moda poco práctica de la Belle Époque creando una ropa informal, sencilla y cómoda. En 1910 abrió su maison, Chanel Modes, en París. En 1913 otra en Deauville donde introdujo ropa casual de lujo orientada hacia el ocio y el deporte en telas como el jersey (que hasta entonces se utilizaba para la ropa interior). Tuvo tanto éxito que pudo abrir también una boutique en Biarritz en el 1915. En 1919 fue registrada oficialmente como couturière y abrió las puertas de su flagship en París, creando el logotipo de la doble C inspirado en unas vidrieras que vio en el Château de Crémat, que le recordaron a los de la iglesia del orfanato de Aubazine donde se crió.

Gabrielle mantuvo una relación con el diseñador Paul Iribe que le ayudó a crear su primera colección de joyas Bijoux de Diamants. En 1931, un primo del zar de Rusia le ofreció una propuesta laboral que consistía en diseñar el vestuario del ballet ruso dos veces al año. También viajó a Estados Unidos para producir vestuario para películas norteamericanas. Dejó de hacerlo argumentando que Hollywood era la capital del mal gusto, aunque dijeron que sus vestidos no eran los suficientemente vistosos. Siguió diseñando para el cine francés. Entre ella y Elsa Schiaparelli comenzó una gran rivalidad. Coco la llamaba "la italiana".

En 1954, y después de la guerra, reestablecio su maison de couture creando su famosa colección de trajes sastre de tweed que tuvieron mucho éxito entre actrices de la talla de Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Rita Hayworth, María Callas, Audrey Hepburn y a la mismísima Jackie Kennedy; las prendas en blanco y negro, el LBD, los cinturones de cadena, las camisas de cuello y puños blancos y los famosos sautoirs de perlas. Su famosa camelia está insirada en la obra literaria de Alexandre Dumas, La dama de las camelias. El modelo original del bolso Chanel, hecho de jersey, reproducía las chaquetas que utilizaban los jinetes. Fue una de las promotoras del cabello corto como signo de liberación femenina y de un nuevo estilo de vida y animaba también a la gente a bañarse y a tomar el sol sin sombrero.

Elsa Schiaparelli (1890-1973)

Nació en el Palazzo Corsini en Roma. Su padre era decano de la Universidad de La Sapienza. Después de casarse con el conde de Kerlor viajó a Londres y entró en contacto con la moda durante sus viajes a París. Se convirtió en una de las diseñadoras más famosas de su época. Sus modelos se consideraban atrevidos y sorprendentes para los cánones de la época, pues incluían toques extravagantes como sombreros con forma de zapatos o estampados que representaban langostas.

Colaboró con muchos artistas surrealistas como Jean Cocteau y Salvador Dalí cuya iconografía onírica adaptó a sus modelos. Su color favorito era el rosa fucsia al que llamaba shocking. También se dedicó a la creación de perfumes que embotellaba en frascos que reproducía la silueta del maniquí con las medidas reales de la actriz Mae West, que era una de sus clientas habituales.

Diana Vreeland (1903-1989)

Diana Dalziel nació en París aunque era de padre británico y de madre americana, y murió en Nueva York. Fue una importante periodista y editora de moda americana. Llegó a ser redactora jefe de la revista Harper's Bazaar a mediados del siglo XX donde dijo que el bikini había sido la cosa más importante que se había inventado después de la bomba atómica; y fue la directora de la edición americana de la revista Vogue.

Una personalidad muy influyente en el mundo de la moda durante los años que estuvo en activo, famosa por su elegancia. Asesoró en cuestiones de moda a Jackie Kennedy cuando ejercía de Primera Dama de los Estados Unidos. En su etapa en Vogue popularizó los vaqueros, descubrió a la modelo Twiggy, lanzó la carrera de Manolo Blahnik, Oscar de la Renta y Diane von Furstenberg, y admiraba a Balenciaga. Esta belle laide (guapa fea), se convirtió en todo un icono de la prensa femenina, de la moda y de lo chic. Su grito de guerra fue siempre: "¡Sorpréndeme!".

Madame Grès (1903-1993)

Germaine Émilie Krebs era una escultora a quien le apasionaba el mundo de la Grecia antigua. A los 30 años trocó el cincel por los lápices, y empezó a trabajar como diseñadora de moda, realizando también el vestuario teatral de la obra La Guerra de Troya no tendrá lugar. Sus creaciones presentadas durante la Exposició Universal de París le valieron el premio a la Haute Couture.

En 1942 creó la firma Grès. Madame Grès ha sido siempre considerada como un verdadero genio de la costura por sus colegas de profesión. En el 2011 se organizó en París una maravillosa retrospectiva dedicada a toda su obra donde se puedieron ver 80 modelos, además de numerosas fotografías y bocetos. Si algo la caracterizaba es que modelaba las telas como si fuesen piedra, esculpiéndolas. Su aparente simplicidad oculta una elaboración muy compleja pues realizaba sus trajes sin apenas costuras, modelándolos sobre el cuerpo.

Grace Kelly (1929 - 1982)

Fue una actriz de cine estadounidense que al contraer matrimonio con el príncipe Raniero de Mónaco se convirtió en princesa. Su figura y su estilo dieron un nuevo impulso al principado. Se casó con un traje de novia que le regaló la Metro-Goldwyn-Mayer, firmado por Helen Rose, realizado en encaje rosa de Bruselas bordado y adornado con perlas. Un traje que todavía hoy sigue inspirando a muchas novias. Al casarse recibió cuatro veces el título de duquesa, cuatro veces el de marquesa, siete el de condesa, y nueve veces el de baronesa. Aprendió francés en 3 meses, protocolo e historia con el fin de poder llevar a cabo correctamente su deber como esposa de un jefe de estado.

Mientras vivió en Hollywood sus diseñadores de referencia fueron Oleg Cassini, Edith Headet, y Helen Rose, los auténticos artífices del famoso estilo Grace Kelly que continúa perdurando todavía hoy. Se trata de un estilo muy New Look con un toque burgués al gusto de la simplicidad americana. ¡Vamos, un glamour muy natural!

Al convertirse en princesa demostró su predilección por Marc Bohan de la maison Dior, pero seguía vistiendo trajes de líneas sencillas en tonos pastel accesorizados con foulards de muselina anudados al cuello o sombreros de paja, el ya famoso bolso Kelly, guantes blancos, y collares formados por tres filas de perlas, a los que no dudaba añadir su toque personal por medio de moños italianos o turbantes. En 1960, este icono de la moda era considerado como una de las mujeres más elegantes del mundo, y aparecía siempre en las listas de las mujeres mejor vestidas, creadas para promover la moda americana.

En su calidad de princesa de Mónaco se comprometió con importantes causas humanitarias y cumplió la perfección su papel de madre y de primera dama hasta su muerte en un accidente de coche cuando tenía 52 años. Grace Lelly ha pasado a la historia como una de las mejores actrices del cine, y un modelo de belleza perfecta.

Audrey Hepburn (1929 - 1993)

Actriz británica, aunque nació en Bélgica, considerada como la tercera mayor leyenda femenina del cine americano. Estudió ballet, y trabajó como corista en producciones musicales. Su papel en la película Gigi le valió el Oscar a la mejor actriz en 1953. Es de las pocas actrices que puede presumir de haber ganado un Oscar, un Emmy, un Grammy y un Tonny, y fue la primera actriz en ganar en un mismo año un Oscar, un Globo de Oro y un premio BAFTA por su actuación en la película Vacaciones en Roma en 1954.

Audrey que, curiosamente, hablaba perfectamente inglés, francés, holandés e italiano, se defendía con el alemán y también un poco en español se convirtió en una de las actrices más reconocidas por su inigualable belleza natural, icono de la sencillez en la elegancia femenina, y transparencia de personalidad. Muchas personas recuerdan a Audrey como un icono de moda por su actuación como Holly en la película Desayuno con diamantes. Durante la misma, Audrey lució un guardarropa creado por Hubert de Givenchy. Su estilo tan personal y elegante era admirado e imitado.

Aunque nunca le gustó hacer ostentación ni lucir joyas caras, por lo que rechazó ser la imagen de marca de Tiffany - a la que había popularizado con la escena en la que desayunaba frente al escaparate de su boutique a diario -, cuando Audrey falleció de cáncer de colon en su casa de Suiza a los 63 años de edad, la firma de joyería le dedicó todo un escaparate.

Jackie Kennedy (1929 - 1994)

Jacqueline Bouvier Kennedy Onassis fue la esposa del presidente de los Estados Unidos, John F. Kennedy. Cinco años después del asesinato de su esposo se casó con el magnate griego Aristóteles Onásis. Sigue siendo recordada por ser un icono de moda por su estilo, elegancia y gracia natural. El día del atentado que acabó con la vida de su primer marido lucía un traje de chaqueta de tweed rosa inspirado en los de Coco Chanel que se ha convertido en todo un símbolo.

Le gustaba vestirse con trajes de diseñadores franceses, lo que algunos diseñadores estadounidenses consideraron un símbolo de deslealtad. Su templanza en los momentos posteriores al asesinato hizo que se ganara la admiración del mundo entero. El periódico londinense The London Evening Standard dijo de ella: «Jacqueline Kennedy ha dado al pueblo estadounidense una cosa que siempre habían deseado: majestuosidad».

Lauren Bacall (1942 - 2014)

La actriz Betty Joan Weinstein Perske, más conocida como Lauren Bacall, es uno de los grandes mitos femeninos de la historia del cine famosa por su característica voz ronca y por su mirada sensual. El American Film Institute la considera entre las 20 estrellas femeninas más grandes de todos los tiempos. Al principio, trabajó como modelo. En 1941, a los 17 años, apareció en la portada de la revista de moda, Harper's Bazaar.

El director de cine Howard Hawks la contrató como actriz haciéndola firmar un contrato por siete años con un salario semanal de cien dólares. La mujer de Hawks, Nancy la enseñó a vestirse de manera sofisticada, la ayudó a educar su gusto, a mejorar sus buenas maneras y a volverse elegante. La apodaban "The Look" por la manera que tenía de mirar a la cámara, con la cabeza agachada sobre el pecho, levantando sus ojos para mirar a su interlocutor. Tanto es así que este gesto pasó a convertirse en marca de la casa.

Naty Abascal (1943)

Naty Abascal es una modelo de alta costura española, musa de modistos como Valentino y Óscar de la Renta. Cuando contaba con 21 años, el modisto Elio Berhanyer les propuso a ella y a su hermana gemela Ana María que presentaran su colección en Nueva York durante la Exposición Mundial de 1964. Allí conocieron a Richard Avedon quien, a su regreso a España, les ofreció posar para un reportaje de 15 páginas en la revista de moda Harper's Bazaar que se publicaría en enero de 1965.

Elieen Ford, de la agencia de modelos Ford, la contrató, por lo que Naty se instaló en Nueva York. En 1970 se casó con Murray Livingstone, un escocés, de quien se divorciaría cinco años más tarde. Realizó un spot para la televisión en el que aparecía pintada por Salvador Dalí, y posó desnuda para la revista Playboy en 1971. En 1977 contrajo segundas nupcias con el Duque de Feria con quien tuvo dos hijos.

Naty Abascal está considerada como una de las mujeres más elegantes del mundo. Entre los galardones que ha recibido por este motivo se encuentran el Óscar a la elegancia de Nueva York de 1986; en 1988 fue finalista en el premio mundial Elegance Award. En 1993 la Asociación de Críticos norteamericanos la eligió como la mujer mejor vestida del mundo, sucediendo a la princesa Carolina de Mónaco. Además, ha conseguido en cuatro ocasiones el premio a la mujer más elegante de España (1986, 1987, 1988 y 1992) de la revista Hola. Ha publicado el libro Cuestion de estilo, y Manual de estilo de Naty Abascal con Vicente Gallart.

Fotos | Mabalu, Lekiketron, John Phillips, Ctruongngoc, Giovanni Boldini, Tallulah Bankhead, Dr.Macro, Breakfast at Tiffany's, Nickvaughn49, Lady Lotus
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Mientras medio país se va de festival, hoy os propongo un plan alternativo, pasaros por Bilbao a comer unos pintxos, dar un paseo por alrededor de la ría y visitar ese magnífico edificio que es el Gugenheim (se nota que soy buena embajadora de mi tierra). Además ahora tenéis la excusa perfecta, mientras el resto del país se asa de calor a 40 grados, la temperatura por aquí es primaveral, no pasa de los 25 grados (a las noches incluso refresca y se puede dormir a pierna suelta). Pero sobre todo mi invitación se debe a que en el Guggenheim se puede visitar hasta el 7 de septiembre la exposición Cosas del Surrealismo.

¿Y que tiene todo esto que ver con la moda? Pues mucho, porque una parte muy importante de la exposición recopila diseños de Elsa Schiaparelli y de Madame Grés. Elsa fue una diseñadora que durante los años 30 colaboró mano a mano con Salvador Dalí y con otros artistas trasladando el surrealismo a las prendas de vestir. Entre sus cuidados diseños se pueden ver vestidos de noche realizados con crepé de seda (como el increíble vestido-esqueleto), guantes con mariposas y con uñas, el sombrero zapato, chaquetas y abrigos con laboriosas aplicaciones y bordados y telas con estampados dibujados por artistas surrealistas como Jean Cocteau. En la exposición también podemos disfrutar viendo preciosas joyas, como el broche "Labios de Rubí" realizado por Dalí, brazaletes, collares, en incluso frascos de perfumes de la época.

Muchos artistas del movimiento surrealista vieron como la moda les servía para materializar su arte, darle vida y sacarlo a la calle, además que les daba la oportunidad de jugar con el cuerpo humano y con el fetichismo (temas que les obsesionaban por sus constantes preocupaciones sexuales y psicológicas). En numerosas ocasiones utilizaron pieles porque les fascinaba el punto de unión entre hombre y animal (a veces, utilizando las pieles a modo de vello púbico, otras veces creando prendas con pelo de mono).

Si aún os queda alguna duda de si visitar o no la exposición, os cuento también a las apasionadas de las revistas de moda que hay fotografías de moda realizadas con la irreal estética surrealista, y portadas de Vogue y de Harper's Bazaar de los años 1937 o 1946, así como una portada de Vogue realizada por el genio catalán Salvador Dalí. La parte de la exposición dedicada al mobiliario y a la decoración es también espectacular. Lo dicho, no os lo podéis perder.

Tras un repaso del año 2007 por las 12 campanadas fashion de Trendencias, ahora toca vaticinar el futuro. En Vogue UK se adelantan al nuevo año y nos pronostican que el 2008 será el año en el que grandes casas de la moda desaparecidas retornarán a los desfiles: Harvey Weinstein resucitará la icónica marca de Halston, que vivió sus mayores éxitos en la década de los 70 (incluso se rumorea que se producirá un filme sobre el diseñador Halston, que sería interpretado por Jude Law), Marc Worth planea relanzar Ossie Clarke durante la London Fashion Week, también se habla de que Diego Della Valle podría resucitar Elsa Schiaparelli (sería genial volver a ver encima de las pasarelas algo similar a sus surrealistas colaboraciones con Salvador Dalí), y por último, también volverá en 2008 el vestido venda de Hervé Léger.

Una tendencia en este año que estrenamos serán los Superhéroes. Luella se inspiró en Batman para su desfile primavera verano, vistiendo a las modelos con máscaras, capas, camisetas estampadas con el símbolo del murciélago y botas de charol en colores vivos. Además el Museo Metropolitan abrirá una exposición sobre Superhéroes: Moda y Fantasía. Si el año pasado la exhibición sobre Poiret influenció a gran número de colecciones, habrá que ver como este año los diseñadores adaptan el look superhéroe a la moda y como modelos y actrices se visten de nuestros personajes favoritos de comic para la glamurosa Gala del Custome Institute que sirve como inauguración de la exposición.

Otra tendencia que pisará con fuerza en 2008 (y nunca mejor dicho) serán los zapatos de fantasía, verdaderas obras de arte pero nada prácticos de llevar. Pensemos en los zapatos de las colecciones de Marc Jacobs, Miucca Prada y Alexander McQueen.

En cuanto a colores y estampados, nos esperan todas las tonalidades del rosa como protagonistas, desde el fucsia al coral, prints florales por todas partes, si prefieres algo más sencillo, el color nude y toda una paleta de sombras pastel como en el desfile de Bottega Veneta, y por supuesto, los metalizados, sobre todo, el dorado.

En Trendencias | "Superhéroes" en exhibición en el Custome Institute, Luella primavera verano 2008, Calzado asesino, Herve Leger regresa a las pasarelas, Las 12 campanadas fashion en Trendencias Via | Vogue UK