Los festivales de música son sin duda uno de los incentivos que hacen de mi verano una época el triple de mágica. Años atrás estos eventos se alargaban cuatro o cinco días con conciertos ininterrumpidos de mis artistas favoritos. Todo parecía un leve ritual que repetía con mis amigas con la emoción intacta, aunque pasasen los años y nos supiésemos de memoria cada zona del recinto del camping. Ahora queremos replicar todas esas emociones, pero concentrarlas en menos tiempo, quizás porque cuadrar agendas no es tan sencillo como antes. La parte buena es que existen festivales one day para que exprimas un día de conciertos como si fuesen tres. Aquí te dejo mis favoritos del verano, tú solo tienes que coger ideas para compartirlas con tus amigas por WhatsApp y que el plan consiga ponerse en marcha.

Love the 90s Festival: una cápsula del tiempo

Para las más nostálgicas, no se nos ocurre una mejor manera de empezar el verano que con un festival que te haga viajar hasta la música de los 90. Lo mejor es que Love the 90s Festival tiene un cartelazo con artistas de la talla de: Vengaboys, Celtas Cortos, Modestia Aparte, Amistades Peligrosas o Alejo Stivel. Reserva el 13 de junio, porque el recinto ferial de IFEMA en Madrid va a estar más noventero que nunca.

@lovethe90s_official

O Gozo Festival: con artistas internacionales

Tiene un cartel súper completo, de esos que consiguen poner de acuerdo a un grupo de amigas con distintos gustos musicales. O Gozo Festival ofrece desde música electrónica, pasando por el pop rock, hasta dance-pop y reguetón. Y es que acudirán Maroon 5, Martin Garrix, Danny Ocean, Rita Ora y Miriam Rodríguez. ¿Puede haber un mejor mix? La respuesta es no. Fija en tu calendario el 11 de julio para ir A Coruña a O Monte do Gozo.

@gozofest

Peligro fest: electronic mood

Si lo vuestro es más la música electrónica, tranquilas hay festivales one day también para vosotras. De hecho, uno de los carteles más potentes del panorama nacional lo lleva Peligro fest, que se celebra el 25 de julio en Valencia, en Estadi Ciutat de València. Aquí podrás disfrutar de sesiones inolvidables como las del icónico Christopher Comstock, más conocido como Marshmello, así como Korolova y más.

@peligrofest

Costa feira: un formato alejado de los clásicos

Sanxenxo vuelve a convertirse este año en el escenario del Costa Feira. Un festival con un concepto diferente a los clásicos, y es que ofrece una programación de un mes de conciertos, pero aquí la mayoría de las fechas están reservadas para un solo artista. Puedes disfrutar al 100% de tu grupo acudiendo a su concierto, dejando que sea el absoluto protagonista de la noche, como Xavibo el 30 de julio o Rusowsky el 15 de agosto, pero también puedes optar por varias bandas si eliges el formato Pop a Feira, que es el 13 de agosto con Inazio, Íñigo Quintero, Malmö 040 y Pavlenha. 

@costafeira_

Luna sur: el favorito de las indies

Como buena fan de la música indie, sí o sí tenía que incluir un festival donde no podían faltar algunos de mis grupos favoritos. El 18 de agosto en el festival de música indie Luna Sur vuelve con su edición tardeo en el espacio de Marenostrum Fuengirola en Málaga. 

Luna Sur

El spot es ideal para ver atardecer mientras suenan a todo volumen tus canciones favoritas y es que esta edición que contará con bandas como Ultraligera, Puño Dragón, La La Love You y Paula Mattheus, entre otros. Yo no me lo pensaría dos veces.

Fotos | @costafeira_, @gozofest, @lovethe90s_official, @peligrofest, Lunasur

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Pocos nos acuerdamos ya de que el primer éxito de Bad Bunny en 2017, antes de su deconstrucción, fue ‘Soy peor’. En esa canción declaraba sin ambigüedad ser infiel, irresponsable y un tipo que no merece la pena. Un personaje construido sobre los pilares más viejos de la masculinidad urbana. Después, su canciones empezaron a hablar de liberación femenina. Pero la socióloga Silvia Díaz, autora de la primera tesis en España sobre Benito Antonio Martínez Ocasio ya lo advertía: “Bad Bunny tiene canciones sobre la violencia de género, el empoderamiento personal, la libertad sexual… Su imaginario es feminista, pero también refuerza ideas patriarcales”. 

Aquí nace la paradoja: ¿puede el mismo artista ser feminista y a la vez reproducir con precisión los cánones de belleza que oprimen a las mujeres? La casita de sus conciertos y todo lo que vemos en ella te da la respuesta: rotundamente sí. 

Deconstruido, pero queriendo vender discos 

El relato de la "deconstrucción" en la cultura pop se sostiene cuando un artista masculino llora sin miedo y muestra sus emociones. Cuando usa ropa que el sistema codifica como femenina o se hace las uñas. También decimos que está deconstruido cuando defiende a las mujeres o cuando besa a otro hombre frente a las cámaras como parte del show. Así, Bad Bunny se ha convertido con todo el derecho en un hombre deconstruido, lo que no implica que su relato no pueda tener contradicciones. Bad Bunny puede ponerse falda porque esa “deconstrucción” opera en el eje del género del artista, lo que no hace es operar en el eje del deseo que proyecta. Y ese deseo sigue siendo patriarcal, le guste o no.

En el videoclip de ‘Yo perreo sola' de 2020, Bad Bunny aparece como drag sin ironía ni comedia. En el mainstream del reguetón que se vivía en ese momento, el gesto fue recibido como valiente. Pero si analizamos la trayectoria visual de Bad Bunny aparece un patrón muy consistente y que no se examina. Los cuerpos femeninos de su imaginario siguen un canon muy preciso. Mujeres delgadas en las que las curvas solo aparecen en determinados sitios. Pieles perfectas. Nada de arrugas. Sólo mujeres jóvenes. No es un código exclusivo de Bad Bunny, claro. Es el código estándar del reguetón. Pero es también es exactamente el código que se supone que la "deconstrucción" debería haber cuestionado.

Al elegir mujeres de una belleza normativa y clásica, algo que hemos visto en sus recientes conciertos, y evitar subir al escenario de su casita rosa a personas con cuerpos diversos, está lanzando un mensaje: ese es el tipo de cuerpo femenino que merece ser deseado. 

Seguimos siendo un decorado en el deseo masculino

Existe un concepto llamado male gaze o mirada masculina, una teoría feminista que explora cómo las artes visuales suelen representar el mundo desde una perspectiva masculina, lo que afecta a cómo se representa a la mujer. Sara Ruiz lo describe perfectamente: “las mujeres en el cine parecen estar hechas para ser miradas”. Y no solo en el cine. Esa gramática visual aparece en los videoclips de reguetón y es perfectamente compatible con que el artista sea un hombre con uñas pintadas y un discurso progresista.

Esos cuerpos femeninos que aparecen en la casita durante sus conciertos son justo eso y reflejan a mujeres que parecen estar hechas para ser miradas. Casualmente entran en un canon de belleza preciso como representa Esther Expósito. El cuerpo femenino funciona en la casita exactamente igual que siempre ha funcionado en el género: como decorado del deseo masculino.

Quizá el problema sea cómo la industria musical lleva años usando la disrupción como una herramienta de marketing más. La transgresión vende, siempre que sea la transgresión correcta y en la dosis correcta. Un estudio del London College of Fashion sobre la colaboración Gucci × Harry Styles describió que las marcas de lujo "se benefician de trabajar con individuos que encarnan valores progresistas en términos de expresión de género" porque genera valor comercial y mejora su percepción entre la Generación Z. Bad Bunny es el ejemplo más eficiente de eso en este momento. Y no es que esos hombres deconstruidos sean unos impostores y merezcan una condena, sino que el mercado tiene una capacidad innata para coger esa transgresión y convertirla en un producto.

En preguntarnos si Benito es auténtico o no está la trampa, porque lo importante aquí no es que él crea que sus gestos son feministas, sino lo que aprende quién lo mira. Al mirar a los invitados a esa casita de ensueño en Puerto Rico aprendemos que esas son las mujeres que físicamente deberíamos ser. 

Soy feminista y la primera que ha celebrado la deconstrucción del género masculino en la música. La primera que perrea hasta el suelo. Pero me he dado cuenta de que no exijo lo mismo al deseo que ese género produce de lo que exijo al género en sí mismo. No me pregunto si estoy ante un hombre que genuinamente ha cambiado su mirada sobre el mundo, o solo estoy ante la industria siendo exactamente lo que siempre ha sido, patriarcal. Probablemente las dos cosas a la vez y esa es, exactamente, la paradoja de Bad Bunny.

Fotos | GTres, NFL

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Lo de La Casita de Bad Bunny empezó siendo un (originalísimo) escenario secundario de la gira 'Debí tirar más fotos' y ha acabado convertido en metáfora catalizadora de algunos de los grandes males de nuestro tiempo. Probablemente, lo único que pretendían Bad Bunny y su equipo era crear expectación mediática por ver qué famosos nos encontrábamos bailando detrás de una columna, a lo '¿Dónde está Wally?', pero resulta que le estamos sacando más lecturas que propiedades al Aloe Vera. 

Lo cierto es que da para hablar de sexismo, clasismo, diversidad corporal, meritocracia, cultura de la fama... y hasta de la crisis de la vivienda. Porque, al fin y al cabo, el problema no es La Casita en sí sino que estamos hasta las narices. Así, en general. 

Pero, claro, hablar de la multitudinaria manifestación bajo el lema "La vivienda nos cuesta la vida" que tuvo lugar en Madrid a finales de mayo, o de lo difícil que es acceder a un trabajo que permita destinar dinero a la vivienda sin renunciar a necesidades humanas fundamentales es infinitamente más aburrido y complejo que indignarse de forma indirecta a través del entretenimiento.

La Casita de Bad Bunny, que también estuvo presente en su actuación en el mediotiempo de la Super Bowl, representa una vivienda de clase obrera típica de Puerto Rico. Sirve tanto para rendir homenaje a la identidad puertorriqueña como para crear un ambiente íntimo dentro de un espectáculo tan gigantesco. Sin embargo, en la práctica ha ganado gran notoriedad por convertirse en un área VIP exclusiva para famosos, influencers y chicas guapas varias, principalmente. 

Objetivamente, no es que muestre nada nuevo bajo el sol. Básicamente, tenemos a un reguetonero famoso y millonario actuando como un reguetonero famoso y millonario. Sin embargo, si ahora nos jode (más) es porque estamos hasta el coño. Antes la vida inalcanzable de los ricos y famosos pasaba por la ostentación de caprichos excéntricos. Que si Jezz Bezos tiene un megayate de dimensiones colosales y una flota de jets privados, que si en la mansión de Bill gates hay 30 cocinas... 

Ahora, sin embargo, resulta que ya ni siquiera está a nuestro alcance perrear bebiendo garrafón de un vaso desechable en casa de tu amigo. El amigo ahora comparte piso a los 40 o incluso vive con sus padres. Lo que quiero decir es que, tal vez, si La Casita nos escuece tanto es porque es una imagen pop que nos permite ver de forma tangible y bien iluminada una desigualdad social que normalmente percibimos de forma dispersa, fragmentada y sibilina. 

Sin embargo, en el Estadio Riyadh Air Metropolitano se hace evidente: mientras unos han pagado medio riñón por estar hacinados en el foso o no ver nada desde las gradas, un pequeño porcentaje de personas se lo pasan bien con Bad Bunny. ¡Y encima te lo restriegan por la cara!

Sin esperar de un reguetonero que sea el Séneca de nuestro tiempo, también es cierto que hay cierta disnoncia de base en la denuncia a la gentrificación en Puerto Rico que Bad Bunny ha querido hacer con esta era de su carrera. Para empezar porque la estructura de La Casita está inspirada en una casa real ubicada en Humacao. Su dueño original, un hombre de 84 años llamado Román Carrasco, ha demandado al artista alegando enriquecimiento ilícito e invasión a la privacidad, ya que decenas de personas visitan su hogar diariamente a raíz de la fama del escenario.

Para denunciar la crisis habitacional en España aprovechando la polémica, un usuario bajo el nombre de Zaida subió Idealista el pasado domingo un falso anuncio que ofertaba la Casita de Bad Bunny por millón de euros. “Esta estupenda Casita de 62 metros cuadrados y pladur", explica el anuncio "funciona muy bien como concepto de marketing para el concierto de Bad Bunny. Exclusiva. Limitada. Aspiracional”. Te da "la sensación de que formas parte de algo a lo que no todo el mundo puede acceder". Sin embargo, una vez se acaba el concierto, sostiene la autora, "te das cuenta de que fuera está pasando lo mismo": "Solo que aquí no hablamos de una experiencia. Hablamos de una casa. Y a este ritmo, una casita también será un lujo reservado para gente VIP".

En la lista de "cosas de pobres" que después de décadas asociados a clases populares, necesidad o escasez se han convertido en símbolos de estatus experiencias exclusivas o productos caros hay de todo. Desde cortes de aprovechamiento como el rabo de toro o el secreto ibérico hasta los barrios obreros céntricos y los antiguos almacenes y fábricas convertidos en lofts. 

En un momento en que trabajar a jornada completa ya ha dejado de ser sinónimo de acceso a una vivienda digna y la pobreza laboral se ha disparado, cuesta no preguntarse si un hogar no pasará también a formar parte de ese listado de cosas al alcance únicamente de los más privilegiados. ¿O acaso ya ha pasado?

Foto de portada | Gtres y DeBÍ TiRAR MáS FOToS (Short Film)

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Bad Bunny ya está de gira por España y todo Instagram está rebosando de vídeos de sus conciertos en Barcelona. Que ellos hayan ido primero ayuda a los madrileños a prepararse el terreno, aprendiendo de los errores, dramas y experiencias de los asistentes. Te contamos todo lo que vas a necesitar para el fiestón puertorriqueño que se viene. 

Todo sobre el concierto: teloneros, horarios y duración

Chuwi, los teloneros de Bad Bunny

El concierto dura unas tres horas sin contar los teloneros, así que calcula que comenzará a las 20 horas y terminará sobre las 23 horas de la noche, importante a tener en cuenta si vas en transporte público. La apertura de puertas es a las 18.00 horas. 

Sus teloneros son Chuwi, un calentamiento a golpe de ritmo puertorriqueño que mezcla salsa, indie y sonidos urbanos. Son los que colaboran con Bad Bunny en 'Weltita', un cuarteto que saldrá 30 minutos antes y que merece la pena escuchar, así que te recomendamos estar en el estadio a las 19.30 horas. 

Cómo llegar al concierto de Bad Bunny en Madrid

El estadio Estadio Riyadh Air Metropolitano reunirá a 500.000 personas en Madrid entre el 30 de mayo y el 15 de junio, que se dice pronto. Medio millón de personas dirigiéndose hacia un mismo lugar requiere tremenda planificación, porque los atascos serán enormes y los transportes públicos estarán saturados. Especial atención a los que van a alguno de los conciertos entre el 6 y el 9 de junio, porque coinciden con la visita del Papa a la capital y la ciudad estará colapsada x 2. 

Cortes de tráfico en Madrid durante el concierto de Bad Bunny

Según la Comunidad de Madrid, a partir del 25 de mayo, las ocupaciones de calzada serán más intensas en el entorno de la Plaza de Lima y en la Plaza de Cibeles. La Plaza de Lima se cerrarán al tráfico la calzada central en ambos sentidos, permitiéndose únicamente la circulación en los carriles que rodean la citada Plaza. Debido a la limitación de capacidad de la zona, los anillos de la plaza solo permitirán la circulación Norte-Sur, Sur-Norte y giros a las derecha desde las calles General Perón y Concha Espina. No se permitirán los movimientos desde General Perón para tomar el Paseo de la Castellana sentido norte ni desde Concha Espina para tomar el Paseo de la Castellana sentido Sur. Tampoco se permitirán los cruces de la Plaza desde General Perón a Concha Espina y viceversa.

Por su parte, en la Plaza de Cibeles se verá afectado parte del carril bus a la altura del Paseo del Prado y los carriles correspondientes a las paradas de los autobuses nocturnos en esa zona. A partir del 30 de mayo de 2026 se prevé que las ocupaciones de calzada sean de mayor entidad sobre lo que se informará en este espacio web.

Además, habrá afecciones en los autobuses de la EMT: las líneas de autobuses de la EMT 14, 43, 120 y 150 sufrirán retenciones y modificaciones en sus itinerarios habituales. La parada 41, localizada a la altura del Paseo de la Castellana, número 93 (entorno de la Plaza de Lima) será suprimida provisionalmente desde el inicio del servicio del 27 de mayo, afectando a las líneas de autobuses 14, 27, 40, 126, 147, 150, N22, N24 y SE10. 

Por su parte en el entorno de la Plaza de Cibeles, desde las 0 horas del 26 de mayo, las líneas de la EMT 1, 2, 9, 10, 15, 20, 34, 51, 52, 74, 146, N5, N6, N7, N12, N15, N20 y N21 sufrirán retenciones y modificaciones en sus itinerarios habituales. La parada 70, localizada en la Plaza de Cibeles, a la altura del Paseo del Prado será suprimida provisionalmente desde el inicio del servicio del 26 de mayo, afectado a las líneas de autobuses 1, 2, 9, 15, 20, 51, 52, 74 y 146.

Cómo ir al concierto de Bad Bunny en Madrid

Con este panorama en las calles de Madrid, lo ideal es ir en metro, con la línea 7 dejándote en Estado Metropolitano. Desde ahí solo tienes que caminar unos minutos hasta llegar al recinto. Si te pilla mejor el autobús, las líneas 38, 140 y 167 te dejan cerca y no están afectadas por los cortes mencionados anteriormente. A la salida, los búhos N5 te llevan de vuelta al centro. 

El kit de supervivencia para el concierto de Bad Bunny

• Abanico o ventilador eléctrico: va a hacer calor y has pagado mucho dinero en la entrada como para tener un golpe de calor y que tengan que sacarte. 
• Botella de agua plegable: las latas, vidrio o plásticos duros no están permitidos, pero botellas de agua blandas como esta de Decathlon puedes meterla y te salvará de la deshidratación. Una vez acabada, no ocupa nada. 

Las salas de conciertos son de esos pocos lugares donde las emociones se colectivizan, donde todavía apostamos por la vida en riguroso directo. Desde hace seis años que llegué a Madrid, solo he reconfirmado este pensamiento. Son los lugares donde todo está por suceder, donde los grupos que resignifican tus rutinas, acompañándote en los largos trayectos de Alsa, en tus jornadas laborales, peleándote con los fuegos de la cocina, caminando por las calles de la capital, te citan con otros cuantos desconocidos. No hay tres pantallas XL con zooms a la cara del cantante, ni un escenario escandalosamente amplio con un show millonario tras la espalda. No es un estadio, no es un macro festival, son simples salas que poco a poco terminan convirtiéndose en archivo emocional de quienes las frecuentamos.

Empezaré por un clásico: La Riviera, fundada en 1958. Una de las más grandes de la ciudad, con capacidad de 2500 personas y un todo un templo del indie. Me he plantado aquí convenciendo a unas cuantas amigas para que me acompañasen a ver grupos que ni conocían y he ido a ciegas con Alberto a descubrir bandas que ahora se cuelan en todas mis playlist. Desde Sexy Zebras, pasando por Love of Lesbian hasta Ultraligera.

Ultraligera en La Riviera

En Tribunal está la Sala But, que para muchos seguirá siendo el antiguo Ochoymedio, un lugar mágico que puede acoger hasta 1000 personas y, probablemente, la sala que más he frecuentado de la capital. Donde Lucía me convenció para disfrutar de Puño Dragón, y salimos del concierto con entradas para verlos el año que viene en la Riviera. Donde también fui con Lore hace dos meses a ver juntas a PabloPablo, donde volveré en junio a ver The Rapants con Eva.

La Paloma en la sala But

Eso sí, hay salas todavía más pequeñas que proyectan la energía de las más grandes. Un claro ejemplo es Café La Palma, en el corazón de Malasaña. Un espacio de 150 personas que no te puedes perder si te gusta ir a dejarte envolver por las propuestas más refrescantes de los artistas emergentes. Donde entré por primera vez a ver a Rococó y por supuesto volví. 

Lo mismo ocurre con la sala Clamores, que lleva ofreciendo conciertos en directo desde 1981 y a día de hoy sigue siendo un imprescindible en Madrid. Puede albergar unas 224 personas y tiene una programación que abarca desde jazz, el soul o el funk, pasando por el pop, el rock y el indie. Muy en sintonía con la sala El Sol, conocida como la cuna de la movida madrileña, fundada 1979 con una capacidad de 299 personas, donde vi a La La Love You.

La La Love You en la sala El Sol

No quería hacer de este artículo una simple guía de salas de Madrid, sino más bien una autobiografía emocional encubierta de estos lugares. Yo sé que la vida late en el suelo pegajoso de las pistas mal iluminadas. Ahí han estado tus seres humanos favoritos, listos para agitarte los hombros como una botella de Coca-Cola, dispuestos a estallar juntos en el verso más regurgitante de la noche. El entusiasmo atraviesa a todos los invitados a la fiesta. En medio de este incierto presente, estamos por unos instantes llenos de certezas. Y a mí, al menos, estos momentos son los que más me ligan al mundo.

Fotos | Noemí Valle

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La Oreja de Van Gogh arrancó su oleada de conciertos este fin de semana en Bilbao, generando una oleada de nostalgia millennial que se ha quedado bastante decepcionada. Y es que Amaia Montero no está preparada para las exigencias vocales que exigen sus antiguos temas, ha perdido la calidad en la voz y le está costando recuperarla. El experto vocal Israel del Amo lo tiene claro: "Amaia Montero no se lo está tomando en serio y no sé como no le da vergüenza". 

El propio experto critica duramente la falta de compromiso de la cantante: "Amaia ha tenido más de un año para prepararse para este proyecto". Sin embargo, lo que se vio sobre el escenario en Bilbao fueron "muchísimas carencias técnicas y una evidente falta de trabajo vocal". 

Aunque algunos digan que es por la edad y porque las cuerdas vocales ya no le responden como antes, el experto vocal es tajante: la razón detrás de este fiasco es su falta de compromiso. Desafines, falta de técnica y salidas de tono que hasta ella misma reconoció ante el público: "lo hago fatal". 

Este desastre no es solo responsabilidad de Amaia. Está claro que en los ensayos ya se veía venir, así que no se entiende que el grupo no intentara ajustar las tonalidades a la voz actual de la cantante, o incluso haber creado nuevas versiones para no avergonzar a Amaia, al grupo y al público que ha pagado. La Oreja de Van Gogh se está desprestigiando sola, son su peor enemigo. 

Fotos | @israeldelamo, @amaiamonterooficial, X @LOVGParis, TikTok @israeldelamo_.

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"A veces la gente se avergüenza un poco de ser fan cuando se hace mayor, pero ser fan es algo bonito y no algo de lo que avergonzarse". Si esto lo dice Yung Lean, un rapero sueco que a los 30 habla como un viejo porque a los 16 ya había inventando un subgénero musical y redefinido lo que era ser cool, quizá convendría que lo escucharas antes de soltar el típico comentario rancio de "ya no tienes edad" cuando confieso que estoy tan metida en el lore de un artista que podría opositar a Wikipedia humana.

En contraposición usaré un post de la usuaria @notyourelena, que hace unas semanas suscitó cierta polémica en X, como ejemplo del pensamiento algo corto de miras que tiene mucha gente con respecto al tema: "No te das cuenta pero estás invirtiendo lentamente más tiempo en ser fan que en construir tu propia vida. Llegará un momento en el que tengas que preguntarte si es simplemente 'apoyar' o una distraccion de tu crecimiento personal y prioridades".

Al respecto, tengo dos respuestas: una corta y otra larga. La primera es que ser fan es un estilo de vida. La segunda empieza hace dos años, cuando tenia 35 años y depresión funcional. Entonces volví a sentir algo que pensé que ya no tenía cabida en mi vida. Volví a sentirme fan. Fan de verdad cuando Joost Klein apareció en mi vida y todo lo que creía sobre lo que significa ser adulta se desmontó con la facilidad con la que se desmorona un mueble barato de Ikea mal montado.

Corría 2024 cuando este artista neerlandés se preparaba para repesentar a Países bajos en Eurovisión. Mientras, yo atravesaba uno de esos momentos en los que la vida, más que dramática, era profundamente plana y aburrida. Estaba completamente sumida en el rat race de trabajar, intentar prosperar en el sentido más clásico y aburrido del término, encadenar citas de apps con personas con cero chispa, pagar facturas, atender compromisos familiares. Planes con amigos que consistían en beber y repetir en bucle lo mal que está todo: los sueldos, el alquiler, las relaciones y el futuro en general como algo compartido que nos proporcionaba un tema común de conversación. 

No estaba mal. Pero tampoco estaba bien. Y de repente, algo hizo clic en una habitación apagada y con sabanas cubriendo los muebles perdida en mi interior. Porque lo que llegó a mi vida no fue solo la música de Joost. Fue todo lo que la envolvía: un proyecto completamente autogestionado, una estética propia muy peculiar y libre, una forma de hacer las cosas que ignoraba deliberadamente las reglas del juego y que, además, le funcionaba.

Había algo en él que no buscaba encajar, ni optimizar, ni monetizar cada segundo de su existencia. Aportaba al mundo algo que no estaba diseñado para ser "productivo" en el sentido en el que nos han enseñado a medir el valor de nuestra existencia. Por el contrario, recordaba el valor de hacer las cosas con tus amigos con el único objetivo de divertirte y de explorar tu creatividad. Y eso, en un mundo donde todo parece tener que convertirse en rendimiento, fue una puerta abierta a un mundo en el que había luz.

Porque, ¿en qué momento dejamos de hacer cosas simplemente porque nos apetecen y no por deber? ¿En qué momento decidimos que todo tenía que servir para algo más? ¿Y cuándo empezamos a confundir estabilidad o supervivencia con resignación? Lo que vino después fue una hiperfijación en toda regla. Pero no de las que te encierran, sino de las que te abren al mundo exterior.

Desde entonces, he viajado sola a dos ciudades extranjeras para ir a conciertos y, de paso, conocerlas (Ámsterdam y Zúrich), algo que hace unos años me habría parecido innecesario e incluso irresponsable con mi cuenta bancaria. Estoy completamente metida en el mundo DIY y he conocido a gente de distintas partes del mundo (en persona y virtualmente) con la que hablo todos los días, he hecho amistades a las que no habría podido conocer en ningún otro contexto y con las que comparto algo más importante que gustos musicales: una forma parecida de mirar el mundo.

He vuelto a hacer cosas creativas que había abandonado sin darme cuenta. No porque "no tuviera tiempo", sino porque en algún punto interioricé que no eran útiles porque no se iban a traducir ni en dinero ni en bienes imobiliarios y que, por lo tanto, no sumaban. Y sin embargo, eran justo lo que me faltaba. Si hasta empecé a ir a la escuela de idiomas para aprender neerlandés cuando todo el mundo me preguntaba que por qué no iba mejor a clases de Chino. ¿Pues porque no es la cultura china en la que tengo un interés personal?

Es cierto que ser fan puede convertirse en algo tóxico cuando hablamos de grandes nombres de la industria que mueven masas y millones, como Taylor Swift o el K-pop. Pero en el resto de casos, la condescendencia y sospecha con la que se miran los fandoms es mayoritariamente infundada y parece que implicara una falta de criterio. O peor: una falta de madurez. Pero eso es una simplificación bastante pobre. ¿O es que la ilusión y la curiosidad son exclusivas de la adolescencia?

Ser fan, en el fondo, no es tan diferente de pertenecer a cualquier otro grupo social. Es una forma de comunidad. De identidad compartida. De encontrar gente que habla un idioma parecido al tuyo, aunque no tenga nada que ver con el idioma literal.

A mí, sinceramente, me ha devuelto algo que no sabía que había perdido: las ganas. No las grandes ganas abstractas de "mejorar mi vida" de una forma que sirva al sistema capitalista, sino las pequeñas ganas concretas de hacer cosas. De moverme. De implicarme. De sentirme parte de algo que no pasa por filtros de productividad ni objetivos vitales clásicos que, además, muchas veces ni siquiera nos dan la felicidad realmente.

Porque nos han vendido una idea de adultez basada en hitos (casa, pareja, estabilidad económica, hijos) que además cada vez son más inaccesibles, pero seguimos midiéndonos con esa vara. Y cuando no llegamos, lo interpretamos como un fallo personal. Quizá el error está en la vara.

Volver a ser fan no me ha solucionado la vida. No ha arreglado el mercado inmobiliario ni ha hecho mágicamente más interesantes las reuniones de trabajo. Pero ha introducido algo que no sabía cómo recuperar: la sensación de que la vida todavía guarda sorpresas, aventuras inesperadas y conexiones que ni imaginaba. No todo tiene que servir para algo. A veces, simplemente, solo tiene que importarte. 

Fotos | María Yuste

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Se han convertido para muchos en los días más esperados del año. Rosalía lazó entradas para celebrar la Semana Santa en Madrid en lo alto de un escenario deleitando a los asistentes a los conciertos de su gira LUX Tour con un sinfín de sorpresas. Los alrededores del Movistar Arena ya dejaban ver a todo aquel que pasaba por allí el fenómeno del concert dressing que trae consigo este tipo de eventos. Todos quería simular los looks angelicales de Rosalía y los recreaban para esa fecha tan señalada. La estética celestial se colaba en infinidad de outfits de los asistentes, pero claro está que los de la propia artista son los que más han dado qué hablar.

En su paso por la capital nos regaló algunas de las fotos más icónicas del momento, paseando junto a Loli Bahía ya presumiendo de un lookazo antes de sus esperados conciertos. Ese abrigo de estética setentera vive rent free en nuestra cabeza desde entonces. Menos mal que los días de calor están a la vuelta de la esquina porque sino nos iríamos directas a una tienda vintage en busca del dupe perfecto.

Su estilista de confianza, José Carayol, artífice del comentado videclip de 'Berghain', fue quien se encargó de los distintos looks del show. Rosalía tuvo espacio para lucir unas alas al estilo Wim Wenders en 'El cielo sobre Berlín' y un tutú rosa llenito pliegues que nos recordaban a la bailarina de ballet de las cajas de música. También se presentó con unos cuernos de chivo como si se tratase de un animal mitológico inquebrantable, además de llevar unos guantes negros largos, unos de esos que da igual quien se los ponga que siempre veremos en ellos a Rita Hayworth en 'Gilda'. 

No faltaron unas alas majestuosas, que evidencian su férrea relación con lo divino, en engranaje clave de su último disco LUX. La puesta en escena corría a manos de Terrivle Studio y Studio Dennis Vanderbroeck que se inspiraron en iconos del arte y el cine arte clásico para su propuesta, aunque está claro que el attrezzo celestial y eclesiástico protagonizo el show y fue lo que lo elevó a su máxima potencia. Ella parecía estar en una conexión divina ininterrumpida con Dios mientras el público aplaudía eufórico. 

Homenajeó a la Venus de Milo y dio rienda suelta a las telas vaporosas, al más, es más, a la ornamentación de una misma, a la producción exagerada. Todo ello luciendo siempre esa aureola que lleva desde hace tiempo sobre la cabeza, un dibujo tintado sobre su cabello que la hace parecer un ángel caído del cielo y el cual vimos lucir a muchos de sus fans que quieren copiar hasta la extenuación cada parte de los looks de su musa. No los culpamos. Estaban todos lo outfits para querer recrearlos al milímetro.

Fotos | Gtres, TikTok

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Hay casualidades que te cambian la vida y personas que, sin saberlo, cambian la vida de otros. Es el caso de Francisco Romero, un mexicano nacido en La Piedad, Michoacán que vive en California desde los 12 años. Pero no es de su vida como inmigrante de lo que voy a hablarte, sino de cómo un proyecto de universidad trajo de vuelta a los Hombres G.

En la red social X el propio Romero explica que en una de sus asignaturas se les pidió crear una página web para desarrollar nuestras habilidades en el código HTML. “Mis amigos de High School me habían introducido a la música de Hombres G un par de años atrás y por ahí me fui”, asegura. Como en aquel momento solo había dos webs dedicadas a Hombres G y sin apenas sin actualizar, decidió enfocar su proyecto en los fans y creó el Club ‘Seguimos Locos‘… ¿Y qué?’. 

El Club de fans se convertía en el primero de la banda y como asegura Romero, “durante los primeros 5 meses de la web me vi inundado con solicitudes de membresía por gente de prácticamente todo el mundo”. No solo pidieron unirse mexicano, también españoles, colombianos, peruanos y hasta japoneses. 

A nivel práctico, la web funcionaba en esos años noventa como lo haría ahora una red social. La gente interactuaba y hablaba de Hombres G a pesar de que era 1998 y Hombres G se había separado en 1993, tras sacar su disco ‘Historia del bikini’ un año antes. Se generó una comunidad en torno al grupo español y Romero recibió un correo que decía “Me gusta mucho la página, no sabes lo encantado que estoy y sobre todo lo agradecido que estoy de que hayas hecho esto”. 

Romero pensé que se trataba de un fan más. Contestó dando las gracias y entonces recibió un nuevo mensaje del mismo usuario tres días después: “Por favor no divulgues mi correo, soy Dani Mezquita”. El guitarrista de Hombres G había llegado hasta la web. “Por favor discúlpame que no te crea, pero por internet es muy fácil decir que eres cierta persona cuando en realidad eres otra”, escribió. Mezquita contestó “Dame tu teléfono y te llamo”. Ese correo cambiaría la vida de Francisco Romero por completo. Uno de sus ídolos se convertiría, desde ese momento, en un amigo.

Tal y como se explica en el documental de Movistar+ ‘Los mejores años de nuestra vida’, que se estrenará en cines este 2026, a finales del 2000 el recopilatorio de Hombres G seguía siendo el tercer disco que más se vendía en México. Por eso cuando la idea de que el grupo volviera estaba encima de la mesa, México era el lugar elegido. Mezquita explicó a Romero que se planteaba un tour de conciertos en el país de origen de Romero y que Warner quería sacar un disco recopilatorio para promocionar el regreso y también quería una página web. “¿Te interesaría hacer nuestra página oficial?”, preguntó el guitarrista. Así nació HombresG.net de manos de aquel adolescente que lo empezó todo por una tarea escolar y que consiguió reunir a miles de personas en torno a un club de fans. 

La icónica banda de los 80, que se había separado, regresaba una década más tarde y cumplía el sueño de los fans. “Algo que siempre quería pero que no estaba activamente buscando se había convertido en realidad, es una de esas bonitas sorpresas que te da la vida de vez en cuando y más cuando te pones a pensar que las probabilidades para que algo así sucediera era de una en un millón”, explicaba Romero que añade que trabajar con Hombres G, algo que lleva haciendo desde hace 24 años, “es uno de los logros más importantes en mi vida y algo que hasta hoy me cuesta creer. Nunca voy a dejar de agradecer por lo privilegiado que soy, sobre todo cuando ellos me han demostrado su agradecimiento al incluirme en su biografía y considerarme su amigo”.

David Summers siempre ha asegurado que el éxito de Hombres G no era algo que esperaran. Es más, en su regreso tampoco esperaban volver a estar arriba, pero lo hicieron. Cuando salió ‘Peligrosamente juntos’ en 2002, un recopilatorio con temas inéditos y nuevas versiones de sus clásicos, vendió más de 1,5 millones de copias en América y fue Disco de Platino en España. A día de hoy Hombres G sigue agotando las entradas para sus conciertos hasta en preventa y su nueva gira es todo un éxito. Países como México o Perú, con esa comunidad fiel de fans que se mantuvo conectada gracias a un chaval, tienen mucha culpa de ello. 

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Fotos | YouTube La cueva del Gritón, HombresG.net, X Francisco Romero, Los mejores años de nuestra vida (fotos de Ana Tardaguila para Movistar+)

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Seguro que cada vez ves a más gente en conciertos con tapones en los oídos. Como si se trataran de una especie de cascos inalámbricos estos accesorios se han convertido en el imprescindible de muchos. Toda esa intensidad de ruido, así como el alto tiempo de exposición al mismo, nos pasa factura cuando los decibelios son muy altos. Y claro, si te toca colocarte en un festival al lado del altavoz, es común que tu sistema auditivo se resienta, para ello los tapones que bloquean el sonido pueden ser la solución más práctica.

Además de precauciones básicas como intentar alejarnos lo máximo posible de los altavoces, si como yo tienes en tu agenda unos cuantos conciertos al año, no está de más llevar contigo unos tapones. Puede que pienses que este tipo de gadgets solo van a limitar tu experiencia en el lugar, pero no funcionan así. Y es que están pensados para que disfrutes de la música, pero sin dañar los oídos. Así es cómo se utilizan.

Así es como se usan los tapones para conciertos

Lo que hacen estos tapones es bajar un poco el volumen general del sonido, pero sin eliminarlo por completo, de forma que puedes disfrutar de la música de una fiesta o un festival, pero reduciendo el riesgo de daño auditivo. Estarás pensando que se asemejan bastante a los clásicos tapones de espuma, pero lo cierto es que no tienen mucho que ver, ya que lo que hacen los de espuma es  bloquear todo el sonido.

Estos tapones están específicamente pensados para conciertos, festivales e incluso fiestas en discotecas, de forma que muchos cuentan con diseños avanzados en los que incluyen resonadores acústicos o filtros para disminuir algunos rangos de frecuencia sonora, pero siempre manteniendo la claridad de la música, para que puedas disfrutar del directo de tu grupo favorito. Algunas de las opciones que más destacan son estos de Amazon o estos de FNAC.

Para ponértelos es tan sencillo como colocarte unos casos inalámbricos. Basta con insertarlos en el oído, eso sí,  intentando no tocar la parte de filtro visible, la que va dentro del oído, para que así no se deteriore. Una vez que los hayas colocado no está de más hacer una prueba de sonido para ver si te los has incrustado bien. Notarás que el volumen baja, pero sigues escuchando todo con claridad.

Fotos | anna-m. w. en Pexels, Wendy Wei en Pexels, Mark Paton en Unsplash

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