Rosalía está construyendo una mitología propia mientras el pop vive de planificar “eras” como si fueran campañas de marketing. Esto no es una percepción propia, es un hecho. La catalana parece tratar cada disco como una pieza de arte vivo mientras otras artistas piensan en hits. Ella reinventa su propio universo y lo hace alejándose del calendario pop más típico. Se convierte en una performance emocional propia, una exploración artística pura que nos invita a entrar de lleno en su cabeza. En este sentido, Rosalía está más cerca de Björk que de cualquier estrella del pop contemporáneo, y no porque hayan a colaborado juntas en 'Lux' (la primera vez fue con 'Oral'), sino porque entienden la música de la misma forma.

La evolución y destino de Rosalía. Desde el disco de ‘Los Ángeles’ hasta ‘Motomami’, Rosalía ha sido muchas cosas y cada una de sus etapas tiene una coherencia casi obsesiva en la que los sonidos, los gestos, los colores, las letras y la estética encaja como si perteneciera a una misma mitología. Y es que lo que hace Rosalía no es simplemente cambiar de estilo, sino reconfigurar su manera de existir dentro del arte. Mientras otras artistas diseñan eras para ser consumidas, como podría ser el caso de Taylor Swift, Rosalía las usa para transformarse. ‘Motomami’ fue el ejemplo más evidente y lo vimos en la letra de 'Saoko' en la que canta "yo soy muy mía, yo me transformo. Una mariposa, yo me transformo".

En ese disco, y tras abrirse en canal con ‘El mal querer’, Rosalía creó un collage de exceso y gasolina que lo prendía todo. Cada de las “eras” en las que nos sumerge tiene una coherencia estética y narrativa total y su nuevo disco, con las pocas pinceladas que tenemos de él, parece que será otro cambio en el que deja atrás el barroquismo para abrazar el minimalismo. 

Björk y Rosalía: creadoras de universos. La cantante islandesa Björk hizo algo parecido mucho antes. En ‘Vespertine’, en 2001 y después de años de electrónica, decidió bajar el volumen y su universo pasó de ser gigantesco a volverse algo íntimo y casi microscópico. Ese disco celebraba la intimidad y amor y demostraba que Björk es una maestra del transhumanismo capaz de navegar entre géneros y reinventarse. Rosalía parece moverse en esa misma dirección. Después del frenesí que fue ‘Motomami’, que The New York Times calificó como “fenómeno del pop experimental español”, lo nuevo de la artista catalana parece que dará comienzo a una era más íntima y con "un marcado carácter sinfónico y orquestal alejándose de los sonidos urbanos que definieron 'Motomami'" como explicaban en Los40. Rompe con eso que funcionaba no por capricho, sino porque como Björk, teme repetirse más que decepcionar a sus fans. 

Cambiar antes de desgastarse. Tanto Björk como Rosalía parecen entender algo que el pop muchas veces olvida, y es que el auténtico peligro en la música no es equivocarse sino acomodarse. Cambian antes de que su lenguaje musical se vuelva una costumbre que no refleje quiénes son en realidad, animales con hambre de experimentar. Su proceso creativo se parece más a un diario que a una producción, por eso enseñan fragmentos del making of no para humanizarse, sino porque eso también es parte de su obra y su metamorfosis.

Lo nuevo de Rosalía: una metamorfosis más. En ambas hay un deseo constante de borrar los límites entre la artista y la persona. Rosalía juega con su propia imagen, la desmonta, la remezcla y la disuelve, sabiendo que ser auténtica no es solo mostrarse tal cual, sino reinventarse sin miedo como lo haría cualquier ser humano en su vida. La diferencia con el resto de los mortales es que ella muestra ese cambio a través de su música. Quizá por eso resulta tan difícil predecir qué vendrá después. 

Rosalía deja algunas señales, como que 'Lux' contará con voces femeninas como la de la propia Björk, además de Carminho o Estrella Morente, entre otras. Pero lo único seguro es que, igual que la islandesa, no es alguien que se acomode en lo conocido. Entiende que el pop puede ser algo mucho más profundo si se usa para experimentar con la identidad, la emoción y el sonido. Rosalía no está planeando su próxima era: está inventando su próximo lenguaje.

Fotos | Instagram @bjork y @rosalia.vt

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Hace un par de tardes, esperando el metro en una estación cualquiera de Madrid, una chica de no más de 17 años tarareaba 'You Make loving Fun' de Fleetwood Mac. Tenía los cascos de cable puestos y apenas se oía. Yo me quedé atónita, supongo que en mi cabeza esa canción era parte del patrimonio cultural que rescataba de entre los vinilos de mis padres, no de una adolescente que había crecido con TikTok. Pero ahí estaba, escuchando a unos cuantos metros bajo tierra un tema grabado hace casi medio siglo.

Esta banda británica de los setenta nunca ha pasado de moda, solo hay que fijarse en 'Rumors' (1977), un disco que lideró la lista de ventas de Estados Unidos durante 31 semanas, ganó el Grammy al mejor álbum del año y, con más 40 millones de copias distribuidas, se ha consolidado como una de las grabaciones de más éxito de todos los tiempos. Se escapa de las lógicas del pasado y el futuro, es algo intergeneracional. Mientras pones 'Dreams' a todo volumen en tu habitación cuando estás eufórica, abatida o tienes el corazón como un sonajero, hay generaciones pasadas que llevan años haciendo lo mismo y otras nuevas que empiezan a sumarse al ritual.

@fleetwoodmac

Himnos que atraviesan décadas y una historia que sigue viva

En 2018, antes de la salida del grupo de Lindsey Buckingham (guitarrista y cantante), ya se palpaba el triunfo inamovible de Fleetwood Mac en sus viejas y nuevas audiencias fluctuando en los conciertos. Pero fue en 2020, cuando el hashtag #FleetwoodMac inundó TikTok, con más de 80 millones de visualizaciones gracias a un vídeo en el que Nathan Apodaca se grabó haciendo skate por la calle mientras bebía un zumo de arándanos y escuchaba 'Dreams' (1977).

Este no ha sido el único vídeo que se ha viralizado en redes con Fleetwood Mac como protagonista. El directo de 1997 de 'Silver Springs' en Burbank, California, traía de nuevo ante las cámaras la turbulenta ruptura entre Stevie Nicks (cantante y compositora) y Lindsey Buckingham. En apenas un minuto de actuación, ella se gira hacia su expareja sin apartar la mirada él, mientras le reprocha a golpe de estribillo: "you’ll never get away from the sound of the woman that loves you” El guitarrista le clava los ojos en cada frase y la efervescencia de la rabia contenida y el cataclismo del desamor en pleno directo, junto con el empaste impecable de sus voces ya ha conseguido 55 millones reproducciones en Youtube.

Una banda que inspiró a los referentes del pop actual: de Harry Styles a Taylor Swift

El ex integrante de One Direction e icono incontestable de la generación Z, también es un declarado fan de Fleetwood Mac desde joven. No solo ha incluido canciones como 'The Chain' (1977) en sus giras, sino que mantiene una estrecha relación personal y artística con Stevie Nicks que nos ha regalado actuaciones emblemáticas de la dupla, como aquella en el escenario del BTS Hyde Park de Londres en julio de 2024 cantando ‘Landslide’ (1975) a dúo.

Taylor Swift ha reconocido a su vez como Fleetwood Mac es una clara fuente de inspiración para su música. En el concierto de la última fecha de la artista en su Eras Tour en Dublín de 2024, la cantante dedicó un homenaje a la vocalista del grupo de los setenta en formato canción: ‘Clara Bow’. Más allá del efímero directo, en su tema de 'The Tortured Poets Department' le rinde de nuevo tributo en sus letras: “You look like Stevie Nicks / In ’75, the hair and lips / Crowd goes wild at her fingertips / Half moonshine, a full eclipse". También nos dejaron duetos imborrables como aquel 'Rhiannon' de los Grammys de 2010.

No es solo Fleetwood Mac, el propio personaje de Stevie Nicks se ha reivindicado especialmente estos últimos años. Creo que también es una cuestión de hacer justicia ante todas esas críticas misóginas con las que ha tenido que lidiar en otras épocas, culpa del machismo en la industria musical. Ahora ha pasado de ser telonera de Tom Petty and the Heartbreakers en BST Hyde Park en 2017, a ser cabeza de cartel del festival en 2024, todo sin lanzar música nueva. La estamos celebrando como un icono propio de la cultura musical, ensalzando su autenticidad, su abrumadora independencia y esa aura de misticismo que la envuelve, como una especie de hechicera cool que siempre guarda bajo la manga una canción que hace el mismo efecto que un conjuro. 

@stevienicks

La ficción como un puente entre generaciones: una leyenda que se reescribe

Más allá de ese episodio de 'Glee' que se emitió en mayo de 2011 y es una oda al álbum completo 'Rumours' (1977), la serie 'Daisy Jones and the six’, basada en la novela homónima de Taylor Jenkins Reid, también ha despertado el interés de los más jóvenes estos últimos años. Una producción de Prime Video que en pleno 2023 se inspiraba en el ascenso y la caída libre de los componentes de la banda, y que ya en las primeras horas tras su lanzamiento alcanzó el puesto número 1 en la lista top 10 de la plataforma en EE. UU.

No pasamos por alto que la autora de ese libro que dio forma a la serie, es la artífice de algunas de las obras más virales de los últimos tiempos, entre ellas 'Los siete maridos de Evelyn Hugo', que ha conectado especialmente con la generación de TikTok. Aunque la serie no solo atrajo a fanáticos de la novela, sino que abrió sus miras a un público más amplio y acercó la historia de Fleetwood Mac a otros lugares. Hasta la propia Stevie Nicks compartió en sus redes unas palabras de cariño hacia la producción: "Me trajo recuerdos que me hicieron sentir como un fantasma viendo mi propia historia. Fue muy emotivo para mí."

@StevieNicks

Intrahistoria de la banda: la mitología tras la ruptura entre Stevie Nicks y Lindsey Buckingham

Probablemente la expareja de vocalistas de Fleetwood Mac hayan mantenido una de las disputas más largas y crepitantes de la música, convirtiendo sus rencillas y rencores más personales en un auténtico espectáculo. Aquella relación los lleva persiguiendo más de 50 años. Y es que ambos se conocieron en 1966, cuando él tenía 16 años y ella 17. 

Empezaron siendo pareja artística antes que romántica, teloneando a mitos como Janis Joplin o Jimi Hendrix y a principios de los 70 se mudaron a Los Ángeles, iniciándose como un dúo folk. Sacaron un disco que fracasó estrepitosamente, pero gracias al cual se cruzó Fleetwood Mac en su camino. En la nochevieja del 1974, Mick Fleetwood le pidió a Lindsey Buckingham que fuera su nuevo guitarrista tras escuchar uno de los temas de su álbum. Buckingham solo aceptaría si Stevie Nicks se unía también a la banda. El resto ya es historia, pero la personal, la de Stevie y Lindsey, acabó tomando caminos separados en 1976, en pleno proceso de grabación de 'Rumors.' 

@stevienicks

Fue una ruptura convulsa, la ira contenida afloraba entre ellos en el escenario hasta 20 años después, en ese famoso directo de 'Silver Springs' del 97, un tema que compuso íntegro Stevie Nicks en el epicentro del final de su historia de amor, cargado de recriminaciones hacia Lindsey Buckingham. "Time casts a spell on you/ But you won't forget me/ I know I could have loved you/ But you would not let me." Hay telenovelas con guiones más planos.

'Rumors'(1977): un álbum que nunca deja de sonar

Este disco necesitó siete estudios de grabación, un año entero y más de un millón de dólares para gestarse. Pop rock con toques de folk, armonías vocales inmejorables, ritmos extremadamente pegadizos y una sinceridad bestial en cada estribillo. Es que eso no caduca.

@fleetwoodmac

En lo afectivo parecía estar todo en contra. Lindsey Buckingham y Stevie Nicks acababan de romper y no se soportaban, John (bajista) y Christine McVie (teclista) se estaban separando y, por si fuera poco, añade a ese cóctel molotov litros de alcohol y estupefacientes. No es un secreto que las obras maestras nacen en el apogeo de un derrumbe. Supongo que una memoria porosa de recuerdos te ayuda a dar con el acorde magistral, con la letra que va directa al tuétano. Para hacer un himno hace falta saber de lo que se canta, hace falta haberlo vivido.

Más allá del plano emocional, el talento es el ingrediente más inflamable de 'Rumors', sin él nada estallaría por dentro cuando suena. Es la razón por la que este disco de los setenta va directo a la memoria RAM del corazón de cualquiera, también al de una adolescente que coge la línea tres del metro en Plaza España y tararea una estrofa brillante de 'You make loving fun' de hace casi cincuenta años: "I never did believe in miracles/ But I've a feeling it's time to try." Claro que hay algo mágico en ese vinilo, especialmente en ciertas frases, las que cantamos más alto, que son siempre las que más nos duelen o las que nos reconcilian de lleno con la vida.

Fotos | @stevienicks, @fleetwoodmac

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El mundo del arte ha vivido una auténtica revolución con las nuevas tecnologías. Las herramientas digitales simplifican los procesos de trabajo y las redes sociales permiten a los artistas darse a conocer. Así, vivimos un momento en el que proliferan los nuevos nombres y tenemos acceso a una gran cantidad de obras y por ende, de inspiración. Hace unas semanas os hablábamos de Beatriz Ramo (@naranjalidad). Pero ella no es la única que brilla en el campo dentro de Instagram, la ilustradora Isa Muguruza acumula miles de likes y es para nosotras otra de las estrellas del momento.

Conocida por sus ilustraciones para La Vecina Rubia (diseña para sus libros, agendas y redes sociales), Muguruza destaca por su estilo propio y se ha labrado un ejército de fans fieles.

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Su trabajo, como ella misma defiende, es una oda a la energía femenina, al cuerpo femenino y al mundo de la mujer y se caracteriza por crear un mundo a medio camino entre uno real y uno paralelo.

"Me gusta romper la realidad con colores surrealistas ácidos y psicodélicos, meter estrellas y cielos que nos hacen pensar un poco en lo metafísico y dejar que el espectador se quede pensando si esta en un mundo real o en uno paralelo", declaraba hace unos días en un vídeo para la firma de tecnología Acer donde mostraba pequeñas píldoras del que es su proceso de trabajo con la tableta gráfica Concept D3 Ezel.

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La joven ilustradora tiene claro que su pasión es dibujar y eso se nota en cada uno de sus proyectos. Todos están cargados de un buenrollismo contagioso y una dosis de reivindicación. Con los 90, la cultura pop y la mitología griega como temáticas recurrentes, la joven arroja reflexiones teñidas de glitter. Temáticas actuales como el teletrabajo, el succionador de clítoris, la normalización de la menstruacción, el falso ideal de belleza creada con la utilización de filtros y las redes sociales...

Muguruza trata con su obra las problemáticas actuales de los jóvenes y lo hace apelando a aquellos objetos retro que tenemos grabados en nuestra memoria y nos recuerdan a tiempos pasados. Sailor Moon, Betty Spaguetty, Polly Pocket, My Little Pony, las Game Boy, los móviles Nokia... actuales como las uñas acrílicas, las zapatillas Nike Air Force, la ropa interior de Moschino, del cine como Eduardo Manos tijeras, Los Simpson, Willy Wonka o La familia Adams, o incluso famosas como Lady Gaga.

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Y forma parte de esas ilustradoras que demuestran que el arte también es una forma de feminismo:

"Me encanta captar la energía poderosa que tenemos las mujeres, demostrar que todos los cuerpos son bellos y que las mujeres que yo dibujo dejen de ser esas musas pasivas que se han retratado a lo largo de la historia del arte para empezar a ser el objeto activo de la obra, las que tomamos las decisiones".

Entre sus últimos proyectos, podemos encontrar la sala que ha diseñado para The Sweet Art Museum en Barcelona, su primer libro "Venus Centrismo" y sus ilustraciones para el libro “Madonna. Una biografía” escrita por @losprietoflores, que sale a la venta el 18 de febrero y morimos de ganas de tener entre nuestras manos.

Fotos | @isamuguruza

El barrio de Leyton en Londres quería remodelar la fachada de su calle principal. Hartos de pasear por anodinas calles decidió que, con ayuda de todos los vecinos, podían darle un giro de 360º.

El sueño se hizo realidad de manos de la artista francesa Camille Walala, una mujer que ha convertido el ladrillo en una obra de arte colorista y llena de vida. Colores vibrantes y  estampados geométricos que han transformado por completo la calle.

Una forma de que el arte insufle vida y transforme una calle en un lugar perfecto para una parada turística o simplemente para pasear mientras el color te llena de energía.

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El tribal pop, el estilo de Camille Walala

Definido como tribal pop por la propia artista, los diseños de Camille Walala vienen influenciados por sus padres. El estilo años 80 mezclado con los estampados africanos llenaba la casa de su madre y la de su padre, estaba cargada con los diseños coloridos y arriesgados del Grupo Memphis, un gran icono del diseño de los años 80.

Estampados pop y destellos tribales, pero a todo color. Su trabajo aprovecha las geometrías exuberantes para crear ambientes que estimulen los sentidos e inspiren alegría. La artista afirma que lo que espera es que “el espectador sea capturado por el color y la forma”, y se autodenomina como una proveedora de positividad expresada a través de colores vibrantes y patrones llamativos.

Spa del Salt of Palmar Hotel

Habitación en el Salt of Palmar Hotel

Lo que comenzó con murales, continúa con todo tipo de proyectos. Diseña instalaciones como el Salt of Palmar Hotel (su primera colaboración arquitectónica), fachadas como la de Leyton o la de un edificio en Industry City en Brooklyn.

Edificio en Industry City en Brooklyn, Nueva York

Podemos ver bancos con su sello, artículos de papelería, y ha colaborado con Sarenza diseñando calzado y sus estampados han creado una ecléctica colección en Gorman.

En el London Design Festival de 2017 llegó su momento más álgido con Villa Walala, uno de sus proyectos más conocidos, que consistía en unos hinchables coloristas con los que cualquier podía interactuar.

Villa Walala durante el London Design Festival 2017

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Mascarillas diseñadas por artistas contemporáneos, su último proyecto

Además, Camille está colaborando con una organización benéfica diseñando mascarillas junto con otros artistas en Londres como Helen Beard, Craig & Karl, Jon Burgerman, Kai & Sunny o Mike Perry.

Estas mascarilla reversibles, lavables y reutilizables tienen como propósito ayudar a las personas sin hogar del Reino Unido, y el el 100% de los beneficios se envian a Refugee Community Kitchen.

Fotos | Camille Walala, Instagram @walalaparade, Amazon

La música española vive un momento dulce con la consagración internacional de Rosalía y el resurgir de Operación Triunfo, el programa que nos ha dado a dos de las mayores esperanzas femeninas del panorama mainstream. Sin embargo, mientras que el primer adelanto del disco de Aitana no parece convencer a todos y esperamos a que Amaia nos ofrezca algo propio, no debemos perder de vista a otras jóvenes promesas con vozarrón, estilazo y talento que llevan todo 2018 haciendo de las suyas y que prometen seguir dando mucha guerra en 2019. A continuación te presentamos a 7 de ellas.

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Kyne

Esta artista de Barcelona se dio a conocer compartiendo su música en Facebook a través de una webcam. Mezcla su voz aterciopelada con sonidos R&B clásicos y otros más hip hop. Algunos de sus videoclips acumulan cientos de miles de visitas en YouTube. Es el caso Light It Up o I'm So Lost. Su sonido podría confundirse fácilmente con el de alguien natural de Chicago o Nueva York.

Delaporte

El dúo italoespañol Delaporte ha saltado a la fama gracias al programa de televisión Fama, ¡a bailar! que eligió su hit Un jardín como tema principal. Su mitad femenina, Sandra venía de la música negra pero se dio cuenta a los 20 años que quería revolucionar la música electrónica española. Así nació un grupo de sonido propio que se inspira en todo tipo de géneros, desde el pop, el trap y el soul hasta las referencias más latinas, y tropicales.

Cariño

Cariño es frescura, desparpajo, diversión y humor. Tontipop en estado puro. El trío madrileño es el último descubrimiento de Elefant Records, la discográfica que lleva 30 años fichando a los grandes nombres del indie pop español como La Casa Azul o Los Planetas. Su primer Mini-LP es Movidas, un disco que a veces recuerda a la década de los ochenta mezclados con el cinismo y la ironía más actuales. Además de sus himnos generacionales Canción pop de amor y Bisexual, no te pierdas su versión de Llorando en la limo de C. Tangana.

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Nora Norman

Nacida en Sabadell y afincada en Madrid, a Nora Norman la han Apodado la Craig David española porque está llamada a convertirse en la nueva voz del soul. Este año ha presentado Chaos, su primer disco. Diez canciones con influencias de Stevie Wonder o John Legend. A pesar de su corta carrera ya ha colgado tres veces el cartel de “sold out” en Madrid y Barcelona.

Fusa Nocta

Fusa Nocta tiene una voz rasgada de escándalo que podría llevarla a convertirse en la próxima reina del trap español. Si te suena su cara es porque participó en la última edición de Factor X consiguiendo poner a sus pies al mismísimo Risto Mejide y llevando este estilo de música urbana al gran público. Fusa Nocta es sinónimo de personalidad propia.

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Carmen Boza

Carmen Boza también empezó su carrera musical subiendo vídeos a Youtube. De ahí saltó a pequeños locales de cantautores, dejó su trabajo para dedicarse por completo a la música y en 2018 ya va por su tercer disco, La caja negra. Nueve canciones compuestas, producidas y arregladas por ella misma que son fruto de grandes rupturas amorosas.

Awwz

Awwz es el proyecto de la catalana Gemma, que debutó publicando su EP Gals en el sello americano Freshmore. Su música electrónica ha obtenido una excelente acogida tanto en España como en América latina, actuando en varias ocasiones en México, Colombia y en festivales de renombre como el Sónar. La artistas define su música como "shower music" por su sensualidad ya que pretende recrear la atmósfera de lo que pasa cuando un par de amantes están en la ducha de un hotel de Paris, a la espera de las últimas horas antes de coger su vuelo de vuelta.

Foto: Instagram Fusa Nocta.

Apenas un año le ha durado a Taylor Swift el récord de reproducciones en 24 horas en YouTube. Un año reinando con el temazo Look What You Made Me Do que ahora ha sido destronado por la banda coreana BTS y su Idol. ¿La razón? 45 millones de reproducciones en las primeras 24 horas que superan los 43,5 millones de la estadounidense.

Hasta hace menos de un mes, ni conocíamos a BTS, los nuevos reyes de YouTube que ya alcanzan los 164 millones de reproducciones (y subiendo) de su vídeoclip Idol. Y aunque sigamos sin creernos que la banda de K-Pop haya sido capaz de destronar a Taylor Swift, lo ha hecho. Y estamos seguros de que no ha sido gracias a su estilo.

Ya solo en el vídeoclip nos chirría lo psicodélico de sus trajes de chaqueta, con grandes cuellos en las camisas, al más puro estilo Fiebre del sábado noche. En cambio Taylor nos enseña toda una colección de estilo en el que fue su particular batalla contra los haters, el vídeoclip de Look What You Made Me Do que ha perdido ese primer puesto.

En este vídeoclip, Taylor Swift apostó por la moda además de por la música. Arrancaba como una zombie bien vestida con un J Mendel azul (que ya pudimos ver en su vídeoclip Out of the Woods), al que le siguen el Oscar de la Renta rosa que lució en la gala Gala Met de 2014, o un impresionante Balmain rojo con sandalias doradas. Mención aparte tienen las espectaculares botas over the kneck de Balenciaga en color naranja que combina con un mono en ese mismo tono.

Un look con un vestido mini y abrigo animal print, o el que luce con botas altas rojas (de nuevo de Balenciaga) y suéter oversize al más puro estilo Ariadna Grande son dos demostraciones más de que en este vídeoclip, Taylor Swift apostó mucho por la moda.

En nada se parece este derroche de estilo de la estadounidense al look pijamero (con batín incluído) de BTS en el vídeoclip, o a la tendencia “me pongo todo encima” que mezcla bermudas estampadas con un cardigan étnico y una camiseta con print all over demasiado fuerte para nosotros. O a las camisa de corazones con tirantes. Todo un fail de estilo.

A pesar de eso, tenemos que admitir que la canción, que pertenece a un género poco conocido en España (el K-Pop o pop coreano), tiene un mensaje a la autoestima que nos llama la atención. “¿Qué andas balbuceando? Yo hago lo que hago, así que ocúpate de tus asuntos. No puedes hacer que deje de amarme a mí mismo”, reza la canción. Un mensaje más profundo de lo que parece al verles bailar vestidos en pijama.

Taylor Swift seguirá siendo para nosotros la reina, por que un estilazo como el suyo no puede superarse, por mucho que estos “nuevos Back Street Boys” lleguen pisando fuerte. Aún les queda mucho para alcanzar los casi mil millones de reproducciones de Look What You Made Me Do de Taylor Swift, y mucho más trabajo para alcanzar el estilazo de la chica de los labios rojos.

Fotos| Vídeoclip Idol, y Look What You Made Me Do

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Mathangi “Maya” Arulpragasam, M.I.A., es conocida no solo por su música sino por ser una reivindicación en sí misma. Transgresora, activista, sin pelos en la lengua y con mucho que decir. Además ha sido icono de la moda: colaboró con Versace en la colección cápsula para Versus de 2013; ha sido vestida por Alexander Wang, Moschino y Marc Jacobs entre otros; y ha colaborado con H&M en una campaña de reciclaje.

Con un estilo casi imposible de catalogar (mezcla ritmos como el rap, el dancehall, la electrónica o la música étnica), la rapera ha conseguido un sonido único y completamente reconocible. Y ahora gracias al documental Mathangi/Maya/M.I.A. conoceremos la verdadera historia de un viaje único que forjó su arrolladora personalidad: su paso de emigrante refugiada a estrella del pop.

Todos la conocemos por Paper Planes, la famosa canción que incluye el sonido de cuatro disparos y una caja registradora al ritmo de “All I wanna do is take your money (Todo lo que quiero es quitarte tu dinero)”. Este éxito se convirtió en viral tras aparecer en la película de Danny Boyle Slumdog Millionaire en el año 2009.

Pero dieciocho años (los que lleva siendo rapera) dan para mucho más, y el documental que ha dirigido Steve Loveridge es un claro ejemplo. En un intento por dar a conocer la historia que existe detrás de la polémica cantante, el film repasa 22 años de la vida de la artista gracias, entre otros recursos, al metraje personal que la misma M.I.A. cedió al director.

La película, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance este mismo año recibiendo el Premio Especial del Jurado en la categoría World Cinema Documentary, no puede definirse como un documental de música al uso, ya que explora mucho más en el pasado de la cantante que en su carrera musical. Según la productora:

MATANGI / MAYA / MIA proporciona acceso íntimo e inigualable al artista en sus batallas con la industria de la música y los medios de comunicación a medida que su éxito y fama estallan, convirtiéndose en una de las voces más reconocibles, abiertas y provocativas en la música actual.

Diferente. Así es como podría definirse la vida de M.I.A. Una niña, hija del fundador de la resistencia Tamil, que llegó a Sri Lanka como emigrante en plena guerra y que volvió a su Inglaterra natal como refugiada. Rebelde, fuerte y polémica durante toda su carrera. Ha sido censurada por EEUU, le han prohibido la entrada a ese país en numerosas ocasiones, protagonizó junto a Madonna y Nicki Minaj una actuación de la Superbowl que pasará a la historia y es amiga de Julian Assange (Wikileaks).

Ella es transgresión en sí misma, hasta su nombre (M.I.A. es el acrónimo de Missing in Action, desaparecida en combate en castellano). Y ahora podremos descubrir más sobre la historia de su lucha porque en septiembre (el 21 en UK y el 28 en EEUU) se estrena este documental que será como la propia M.I.A.: diferente.

Fotos| M.I.A. Documentary, Instagram @miamatangi

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Aunque parezca mentira no hace falta estar en una playa sintiendo la arena acariciando las plantas de tus pies para vivir intensamente la sensación de verano y vacaciones. En una ciudad tan cosmopolita como Londres, tan vertiginosa y cambiante, también te puedes encontrar con verdaderos remansos de paz para relajarte como en el más tranquilo de los paraísos.

Cada año los locales pop-up surgen como setas y estos son los que tienen toda la pinta de petarlo en el verano 2017 de la capital británica.

Pergola on the Roof, en Shepherd’s Bush

Abre de miércoles a viernes (el horario no es fijo) y se ha ganado el título del sitio más instagrameado del momento con su decoración a base de palmeras, de farolillos y de inmensas camas blancas que invitan a la conversación y a quedarse allí para siempre. Además de bebida, ofrecen una selección de street-food. Más información aquí.

Neverland London, en Fulham

Si eres de los que no se quieren perder nada y además de visitar Londres también querrías haber pisado la playa, Neverland London puede ser la respuesta perfecta. Una playa al lado del río Támesis en la que no falta de nada, ni tan siquiera esas cabañitas tan monas y típicas del litoral inglés, pintadas en tonos pasteles y arena fina. Abre de miércoles a domingo y puedes consultar horarios y más información aquí.

Last Days of Shoreditch Riviera, en Old Street

Podríamos equipararlo a un parque de atracciones para adultos muy hipsters con todo aquello que podamos desear para pasar una noche de verano: DJ´s, una playa urbana, un karaoke, street food, cervezas artesanas y hasta un bar especializado en aguacates. Se puede consultar horarios y localización aquí.

Pergola Paddington Central

De los creadores de Pergola in the roof (y seguramente con la idea de que una pergola no era suficiente) llega este nuevo pop-up que promete ser el más grande la capital británica y no cerrar ni un solo día.

Dalston Roof Park

No es la primera vez que este pop-up hace las delicias de los que pasan los veranos en Londres. Es más: se está convirtiendo en toda una tradición acercarse a Dalston Roof Park para tomar algo mientras se disfruta de una lectura de poesía, una película al aire libre y un montón de actividades tan interesantes como sesiones de yoga.

Perrier-Jouët Champagne Terrace, en el Royal Chelsea Hospital

Un ambiente clásico, elegante y tremendamente sofisticado para los amantes del champán y de los canapés más refinados. El final perfecto para visitar la octava edición de la Feria de antigüedades y obras maestras en la que está situado. Desde el 29 de junio al 5 de julio.

Wood´s Navy Rum Shack, en King Cross

Si quieres sentirte como un pirata y lanzarte a la mar (o algo parecido teniendo en cuenta que estamos en el mismísimo centro de Londres) en compañía de tus mejores amigos y una amplia selección de cócteles con el ron como protagonista esta es la opción ideal. En esta web encontrarás toda la información para reservar tu pasaje.

Fotos| Pergola on the Roof, Neverland London, Last Days of Shoreditch Riviera, Dalston Roof Park, Perrier-Jouët Champagne Terrace, Wood´s Navy Rum Shack

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Se llama Blood & Wine y es una experiencia pop-up única que se puede experimentar cada martes, miércoles y jueves hasta el 30 de marzo en el sótano del Daylight Robbery, en Dublin Street (Edimburgo).

La oportunidad para charlar sobre tu serie favorita mientras tomas un buen vino y sin necesidad de que la cosa acabe como en La Boda Roja.

La empresa The Pop Up Geeks, responsable de numerosos eventos relacionados con el universo Harry Potter o con The Walking Dead, es la responsable de montar este singular pub inspirado en una de las series favoritas del momento: Juego de Tronos. Un lugar en el que no se ha escatimado en detalles para los más fans del universo creado por George R.R. Martin.

La ambientación no es lo único que han trabajado para conseguir el máximo realismo (geniales los carteles de SE BUSCA que hay por todo el local). La comida (como los pastelitos de limón de Samsa Stark, por ejemplo) y la bebida también se ha seleccionado poniendo especial cuidado para que parezcan propios de los Siete Reinos o estén a la altura de lo que tomaría un Targaryen.

También cuentan con cócteles inspirados por Tyrion y Cersei Lannister, así como atrezzo del rodaje de las diferentes temporadas. El lugar perfecto para encontrarse con otros fans de la serie y hacerse fotos inolvidables para tus redes sociales.

No es ninguna casualidad que Edimburgo haya sido la ciudad elegida para montar este bar, pues el autor de la saga Canción de Hielo y Fuego siempre ha reconocido que se inspiró en la historia escocesa, y especialmente en el Castillo de Edimburgo, para recrear la sangrienta boda de Robb Stark.

Fotos| The Pop Up Geeks

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No sé si te ha pasado alguna vez que odias una canción con todas tus fuerzas y de pronto, te ves canturreándola a solas mientras realizas una tarea tediosa. A mí me sucede continuamente. Sin ir más lejos, llevo un mes flagelándome a mí misma y al resto de mis seres queridos con Sorry de Justin Bieber.

Y ahora que caigo… El mismo tiempo que llevo sin ver a mi gato.

¿Soy víctima del hilo musical del bar donde desayuno cada mañana? ¿Paso demasiado tiempo en el Bershka? Posiblemente; pero también existen otras razones que me exculpan a mí, y a los que sois esponjas como yo, de que las canciones más absurdas se peguen a nuestras orejas.

Larvas musicales

Back Romance de Lady Gaga, Move like Jagger de Maroon 5, Don’t get you out of my head de Kylie Minogue… Estos son los tres temas musicales más pegadizos de los últimos años según el estudio de la Durham University.

Tras el análisis de una extensa lista de hits musicales que denominaron como “canciones gusano”, los expertos descubrieron que todas ellas compartían patrones comunes: ritmo rápido, melodías genéricas y repetitivas, fáciles de recordar; y con intervalos singulares que marcaban la diferencia con el resto de las típicas canciones pop. Las nanas que nos cantaban nuestras madres, por ejemplo, también siguen este mismo patrón.

De Johann Pachelbel a Green Day

Los productores musicales no se la juegan. Quieren que los temas que suenan en la radio se vendan como rosquillas y para ello recurren a un viejo truco que consiste en vendernos lo mismo una y otra vez (esqueleto) pero con una piel diferente (melodía).

El esqueleto no es más ni menos que una progresión armónica archiconocida y perteneciente ni más ni menos que a Johann Pachelbel, un compositor barroco alemán. Este señor cuando escribió sobre la partitura la progresión armónica Do-Sol-Lam-Mim-Fa-Do-Fa-Sol y decidió llamar a esta pieza Canon de Pachelbel en Re Mayor no sabía que estaba dando a millones de músicos y productores la llave del éxito y las ventas durante décadas (y lo que te rondaré morena). En el minuto 2.25 de este vídeo tienes la prueba:

Es agradable, nos gusta, le sienta bien cualquier melodía que le pongas y está grabado a fuego en tu interior desde que eras niña. Es por esto que cuando Eminem, Jessie J o Katy Perry lanzan una canción con este esqueleto, suben como la espuma en las listas de ventas.

Este hecho no ha pasado desapercibido por la industria musical que lo sabe desde que Los Ramones o Green Day componían todas las canciones de un disco basándose en la misma progresión de acordes (en esta ocasión, una versión reducida: Sol-Re-Mi-Do) pero con melodías diferentes. Se puede hacer. Se hace. Lo hacen (y tú hazte la croqueta, rueda por la alfombra y llora).

Hay millones de vídeos en YouTube que lo demuestran pero, ¡cuidado!, esto te puede dejar secuelas para el resto de tus días. Marcará un antes y un después. Prepárate para ver a tus ídolos musicales con otros ojos, los del desprecio con el que te mira la profesora de lengua cuando te pilla copiando en un examen. Quedas advertida:

Cerebro traidor

Cuando una de estas canciones pegadizas se cuela por nuestras orejas, el cerebro la estudia completamente hechizado y después trata de reproducir mentalmente esos patrones repetitivos para llenar los huecos que no recordamos. Te pongo de ejemplo a mí misma: empiezo a canturrear el primer verso de Sorry ("Oooh… Oooh… Sorry. Oooh… Oooh… Sorry", trompetazo al canto); inmediatamente después, salto al pre-estribillo reguetonero de Bieber ("Yeah, is it too late now to say sorry?"); y, como soy incapaz de recordar el resto de la letra ni falta que me hace, vuelvo a empezar. (¿Alguien por sala que practique lobotomías?)

Charlando sobre este tema con Diana Aller (autora del blog Lo dice Diana Aller), la guionista y Dj opina que estas canciones constituyen “patrones nemotécnicos que coinciden con cadencias de nuestro cerebro: algo así como que no sólo son más fáciles de recordar unas canciones que otras, si no que su estructura se asemeja a la de cierta actividad cerebral, de tal forma que se produce la atracción y retención”.

Conclusión: mi cerebro funciona a golpe de reguetón.

¿Cómo podemos sacarnos una canción machacona de la cabeza?

Diana Aller trata de pensar en otra canción pegadiza, pero que le guste mucho. “La tarareo mentalmente un par de veces y se me borra de la cabeza la anterior”.

Yo masco chicle porque los movimientos mandibulares interfieren con la memoria a corto plazo y la representación mental de sonidos. Unas veces me funciona y otras no.

Y en el estudio citado al inicio de este post, sus investigadores también recomendaban escuchar la canción gusano una y otra vez para que el cerebro se sacie.

Conclusiones

Seguro que a partir de ahora no volverás a escuchar la radio fórmula de la misma manera. Una pista: los nuevos Djs rollo David Guetta y Calvin Harris lo han pillado a la primera y todas sus canciones son iguales. Más rápidas, más lentas, con un estribillo machacón muy parecido y un subidón/bajón previsible y estipulado.

Es por esto que grupos alternativos como Radiohead, Sonic Youth o Battles rascan al escucharlos por primera vez. Rascan como el primer cigarro de la mañana porque le hacen la peineta a Pachelbel. Son bandas difíciles que cuesta asimilar sin escucharlos 50 veces. Nuestro subconsciente se aturde y se enfada. Ahí está la diferencia entre salirnos de nuestra zona de confort auditivo o quedarnos en el rancho musical.

En fin, os dejo para seguir a lo mío, que no es otra cosa que buscar a mi gato mientras me "embuclo" con Justin Bieber para arrancármelo de una vez por todos de la cabeza. Y si debido a este post, alguna de las canciones mencionadas se te ha pegado a los oídos, solo te puedo decir…

Fotos| Inside Out film, Giphy.

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