Recientemente hemos visto que muchos éxitos nacidos de internet han dado el salto a la gran pantalla: desde juegos de video hasta series nacidas en YouTube. Sin embargo, el fenómeno de los 'Backrooms' llegó para establecer un nuevo nivel de fascinación con la nueva película de A24, dirigida por el joven Kane Parsons que nos presenta la vida de un vendedor de muebles divorciado y amargado que descubre un portal hacia una dimensión extradimensional de pasillos interminables.

Sin embargo, lo que hace a la película especialmente inquietante no son las criaturas que habitan ese tenebroso espacio liminal, sino la decisión de Clark de quedarse allí libremente, porque en los Backrooms, un hombre fracasado encuentra lo que el mundo real le negó: propósito, pertenencia y la ilusión de control.

Alerta de spoilers

El propio Clark lo enuncia con una claridad perturbadora: "Me gusta aquí. Por primera vez en mucho tiempo siento que estoy exactamente donde debo estar.", una frase que no es simplemente la revelación de un personaje que ha enloquecido, sino que se puede percibir como la confesión de alguien que ha encontrado en un espacio sin reglas ni consecuencias: una coartada perfecta para sus fracasos. 

Como vemos desde el inicio de la película, Clark va a terapia intentando comprender qué está mal en él, pues un conflicto en su matrimonio lo hizo darse cuenta de que aleja a cualquier persona que intenta establecer una relación cercana, convirtiendo los Backrooms en un refugio voluntario: un lugar donde nadie le exige que cambie.

El eco digital de un hombre atrapado

Es aquí donde la película se puede leer como una alegoría precisa de un fenómeno contemporáneo que ocurre no en dimensiones paralelas sino en foros y cuentas de TikTok. Desde la sociología, el auge de comunidades digitales como la manosfera es síntoma de una crisis en la masculinidad tradicional: en un mundo donde los roles de género evolucionan, muchos hombres experimentan una sensación de pérdida de estatus, y esos espacios llenan ese vacío con narrativas de pertenencia y supremacía moral.

Clark, con su divorcio, su negocio en quiebra y su arquitectura nunca realizada, es exactamente el perfil que estos ecosistemas digitales saben detectar y reclutar: si bien la manosfera agrupa espacios que mezclan consejos sobre dinero, relaciones y estilo de vida para promover ideas tradicionales sobre masculinidad, del mismo modo los Backrooms le ofrecen a Clark un sistema de reglas propio donde él puede ser, por fin, el hombre valiente que nunca fue.

Incluso el monstruo que eventualmente mata a Clark puede ser una representación de los peores aspectos de su personalidad: su estancamiento emocional, su negación de la realidad y su incapacidad para asumir responsabilidades. 

Y es aquí donde la película es lo suficientemente honesta para mostrar que la destrucción que Clark ha estado acumulando no puede redirigirse infinitamente hacia afuera. La escena final desmonta la fantasía de la autoaceptación tóxica: las cosas no se arreglan aceptándose a uno mismo como justificación: abrazando su parte destructiva pensando que eso es libertad, lo que hace es aceptar que es un monstruo sin reparos, y la única salida lógica para alguien que solo acepta destrucción es un final destructivo.

Lo que 'Backrooms' logra con una eficiencia poco común es convertir la estética de lo liminal que internet celebró como meme de la ansiedad colectiva, en una metáfora de los callejones ideológicos en los que algunos hombres deciden instalarse y cuyo verdadero horror no está en las criaturas que acechan en los pasillos, sino en la oportunidad de salir e ignorarla.

Fotos de A24

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Javier Ambrossi y Javier Calvo acaban de hacer historia en el Festival de Cannes. No solo se han llevado el premio a mejor dirección por 'La bola negra' sino que recibieron una ovación de 20 minutos durante su première mundial, lo que la sitúa entre las películas con mayor tiempo de aplausos registrados en la historia reciente del certamen. Dado el recorrido predecible que suelen tener las producciones cinematográficas según su rendimiento en festivales, no sería de extrañar que la de Los Javis acabara siendo la elegida para representar a España en los próximos Oscars.

Pero no adelantemos acontecimientos porque, para el resto de los mortales, 'La bola negra' no estará en cartelera hasta el 2 de octubre. Sin embargo, esta redactora ya ve en la dupla de directores unos claros candidatos a recogerle el testigo generacional a Pedro Almodovar como futuros máximos embajadores de nuestro cine en Hollywood. El paralelismo está ahí y va mas allá de lo obvio porque si algo adoramos muchos de todos estos nombres mencionados es que, además de su arte serio, son unas petardas que tambiñen han servido mamarracherío.

¿Habrán escuchado en Hollywood los temazos políticamente incorrectos que Almodovar y su entonces pareja sentimental, Fabio McNamara, compusieron durante los años de la movida? Pero como aquí hemos venido a hablar de Los Javis, nuestro objetivo es hacer un trabajo de archivo reuniendo esos momentazos que llegará el día que solo recordemos los que ya estábamos ahí en 2017, y que demuestra que son verdadero artistas polifacéticos y con muchas capas, además de humanos como Chenoa.

De darle clases de interpretación a Cepeda a Cannes

Antes de ser reconocidos internacionalmente, Los Javis fueron profesores de interpretación de 'Operación triunfo 2017', una de las mejores ediciones de todo el talent show. Y no solo porque de ella salieron grandes estrellas de la música española a día de hoy, como Amaia, Aitana y Lola Indigo. También porque tuvo lugar una de las actuaciones con menos química de la historia del concurso, y eso que la canción se llamaba 'Complicidad'... Ahora podemos decir que ni unos directores premiados en Cannes fueron capaces de que Cepeda y Marina Jade la tuvieran. 

Publicidad de Pringles con hostión incluido

No sabemos los que cobraron, allá por 2018, por hacer publicidad de las patatas Pringles en sus stories, pero fueron tan generosos con la marca que hasta les regalaron la caida espontñanea de Javier Calvo de fondo tropezando y casi matándose.

(Haz click en la foto para ver el vídeo)

¿Los Javis o Azúcar moreno?

El vídeo ha desaparecido de Internet (por ahora) pero en la mente de muchos vive sin pagar alquiler esa imitación que la pareja de directores hizo de las hermanas Toñi y Encarna Salazar en 'El chat de OT' en 2017. Butizados oficialmente por Noemí Galera como "Las Javas", sorprendieron a la audiencia y a los concursantes al caracterizarse como Azúcar Moreno para interpretar de forma desternillante y apasionada el clásico tema eurovisivo 'Bandido'.

RTVE

Actores en el Remleela

Su imitación de Azúcar Moreno no fue la única ocasión en la que Ambrossi y Calvo dejaron constancia en televisión que son unas divas divertidas y sin prejuicios. En su paso por 'Planeta Calleja', donde viajaron a la India, no se le calleron los anillos al participar como actores en el Remleela (un festival de tipo religioso de la zona) de esta guisa:

Planeta calleja

El salto de rodillas que impactó a España

Justo ahora está a punto de cumplirse un año de las imagenes que impactaron a la sociedad española durante el pasado Primavera Sound. Javier Calvo sacaba al punki que llevana dentro, con su banda Raya diplomática, y no dudaba en hacer una demostración de su habilidad para saltar una y otra vez con las rodillas y no quedarse en silla de ruedas en el intento. Punk is not dead.

Foto de portada | @javviercalvo y RTVE

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Pues sí: soy de ese pequeño, pequeñísimo diría yo, porcentaje de la población que no ha visto nunca nada relacionado con la saga de ‘La guerra de las galaxias’. Bueno, para ser sincera intenté ver la primera película y me dormí, pero por lo menos puse algo de mi parte.

El caso es que se han dado las circunstancias para que haya podido ver la nueva película de ‘The Mandalorian and Grogu’ antes del estreno y, por supuesto, sin saber básicamente nada sobre lo que iba la historia antes. ¿Resultado? Ahora quiero ver todas las películas y series de ‘La guerra de las galaxias’ en una suerte de binge watching frenético, porque definitivamente me ha reconciliado con el género de las aventuras y de la ciencia ficción.

Antes de nada y para los recién llegados, como yo, al universo ‘Star wars’: ¿se puede ver la película de ‘The Mandalorian and Grogu’ sin haber visto nada de nada de la saga anteriormente? Sí, se puede perfectamente, y te vas a enterar de todo, porque el film te explica muy bien quién es cada cuál aquí y las cosas más importantes para que no te pierdas nada. Doy por hecho que hay ciertas cosas que todos sabemos por pura cultura popular (imperio: son los malos; república -en este caso Nueva República-: son los buenos; el Mandaloriano es bueno porque es Pedro Pascal -y no admitimos otra cosa-, y Grogu no va a ser malo con esa carita), pero de verdad que no es necesario saber nada de nada: la peli te lleva de la mano como si fuera un film de Nolan.

La película es muy entretenida y es apta para toda la familia: sigue las aventuras de The Mandalorian (Pedro Pascal) y de su aprendiz, el simpático y tierno Grogu, cumpliendo misiones para la Nueva República. Los primeros minutos, antes incluso de que aparezcan los títulos de crédito, ya son una declaración de intenciones: vas a ver una peli de aventuras a la antigua usanza, con muchísima acción y una imaginería que, si bien responde al universo fan de ‘La guerra de las galaxias’, está pasada por el filtro de 2026, algo que la hace aun más impresionante. 

Si os puedo dar solo un consejo es que, si es posible, veáis la película en una sala IMAX: el film está concebido y grabado para ese tipo de pantalla, y algunas escenas se convierten en absolutamente inmersivas, como los viajes en las naves espaciales. Una experiencia que no sabía que me iba a gustar tanto.

La banda sonora quizás sea de las más espectaculares que he escuchado en el cine últimamente; no en vano, su compositor es Ludwig Göransson, quien ya hizo la banda sonora de la serie precuela y quien se llevó el Oscar este año por la banda sonora original de ‘Sinners’, habiendo hecho lo propio anteriormente con ‘Oppenheimer’ y ‘Black Panther’. Quizás no tiene un leit motiv tan reconocible como las primeras películas de ‘La guerra de las galaxias’, pero cuenta con una suerte de toque electrónico cercano incluso al EDM que merece la pena descubrir.

Grogu es, sin duda, la estrella de la película: su relación con el Mandaloriano va más allá del puro aprendizaje y podemos ver entre ellos reacciones de cuidado y de cariño, humanizando así a los dos personajes. Además de ser el alivio cómico entre tanta acción, Grogu logra conectar con los espectadores y hace que nos preocupemos por cada cosa que le pasa al pequeño tragón. En pocas palabras, se roba el show de manera indiscutible y se hace un huequito en nuestros corazones. Y hace, por supuesto, que queramos saber más, mucho más, de sus aventuras.

Si la finalidad del director, John Favreau, era presentar “una aventura divertida con la que engancharse al universo de ‘Star Wars’, como dijo en la presentación de la película a principios de mes en Madrid, por mi parte esa misión está más que cumplida. Ahora quiero saberlo todo sobre lo que hay alrededor de Grogu y del Mandaloriano.

Imágenes | Disney

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Hoy arranca oficialmente Eurovisión en Viena con su primera semifinal. Sin embargo, aunque siempre ha pretendido ser un festival en el que la política no tiene cabida, este año cuesta más que nunca separarlo de lo que está pasando en el mundo. Y no solo por las protestas, los países que se han retirado (entre ellos el nuestro) o el interminable debate sobre la participación de Israel. También porque la sensación de que el concurso está roto ya no parece una paranoia sino una realidad tangible.

La polémica se acaba de hacer todavía más grande después de que 'The New York Times' publicara ayer una investigación donde demostró hasta qué punto el sistema de televoto había sido manipulado por Israel con campañas organizadas y votos masivos coordinados. Según el análisis, el año pasado bastaron apenas unos cientos de personas votando repetidamente para alterar de forma clave los resultados del televoto.

La investigación también señala campañas institucionales y estrategias digitales destinadas a movilizar dichos votos de manera intensiva, algo que ha terminado de convertir esta edición en una de las más tensas y politizadas de la historia reciente del certamen. Así que este año somos muchos los que nos sumamos al boicot de RTVE y miraremos hacia otro lado mientras se celebra el certamen. Concretamente, viendo en su lugar cine palestino.

Para ello, recomendamos dos películas recientes, muy distintas entre sí, que nos acercan a una realidad que normalmente solo llega a nosotros reducida a titulares, cifras o guerras polarizadas en internet.

'La voz de Hind': nominada al Oscar y ovación más larga de la historia del Festival de Venecia

'La voz de Hind'

• Disponible en Filmin y Movistar Plus

Desgarradora y basada en una historia real, ejemplifica en su máxima expresión el absurdo de la guerra. La película tiene un caracter documental a pesar de recrear desde la ficción los intentos desesperados de la Media Luna Roja por rescatar a una niña palestina de seis años que quedó atrapada en el fuego israelí dentro de un coche en Gaza, rodeada de los cadáveres de toda su familia. 

La cinta utiliza las grabaciones reales de sus llamadas de auxilio, sin entender por qué nadie iba a por ella. Incluso cuando una ambulancia estaba lista para ir a socorrerla a tan solo ocho minutos de distancia. La película se estreno en el Festival de Venecia en 2025, recibiendo una histórica ovación en pie de más de 20 minutos. También estuvo nominada el Oscar a mejor película extranjera.

Resulta imposible no pensar, mientras la ves, en la enorme distancia entre la Palestina real y la Palestina convertida en tema de debate europeo. Mientras Eurovisión discute reglamentos, votos y campañas digitales, películas como esta recuerdan que detrás de todo eso hay vidas truncadas para siempre.

Todo lo que fuimos: memoria, duelo y lo que queda después

'Todo lo que fuimos'

Más reciente (tanto que está ahora mismo en cartelera en cines), 'Todo lo que fuimos' juega en un registro distinto. Si 'La voz de Hind' tiene algo de retrato documental, esta película trabaja más desde la memoria y las heridas emocionales que deja el conflicto, incluso cuando la violencia no aparece explícitamente en pantalla.

La trama sigue a tres generaciones de una familia palestina, con personajes marcados por la pérdida y el desplazamiento, construyendo una historia coral donde el duelo atraviesa absolutamente todo: las relaciones familiares, los recuerdos compartidos e incluso la manera de imaginar el futuro.

Lo interesante es que la película no intenta explicar Palestina al espectador occidental como si fuese un documental pedagógico. No subraya constantemente el contexto ni simplifica a sus personajes. Confía en que el espectador sepa entender sus vidas sin necesidad de convertir cada escena en una lección geopolítica.

Y eso le da mucha fuerza. Porque, al final, habla de algo tan universal como qué ocurre cuando una generación crece sintiendo que su vida entera puede desaparecer de un momento a otro. Qué significa construir recuerdos en lugares donde incluso la idea de hogar parece provisional. Está producida por Javier Bardem y Mark Ruffalo.

En cierto modo, ambas cintas funcionan como el reverso absoluto de Eurovisión. Frente a una competición donde todo  es show que se olvida en tres minutos, personajes que cargan con décadas de dolor. Ahora es un buen momento para verlas, no porque el cine tenga que convertirse en una obligación moral, sino porque mirar otras realidades a través de la ficción es también una forma de conocer el mundo.

Foto de portada | 'Todo lo que fuimos'

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Con las mejores citas de personalidades y celebrities pasa algo muy curioso y es que, muchas veces, parecen haber existido desde siempre. Como si no las hubiera dicho nadie en concreto, sino una voz colectiva que necesita creer en ellas. Eso es exactamente lo que ocurre con una frase maravillosa atribuida a la actriz italiana Sophia Loren: 

"Envejecer no va de cuántos años han pasado, sino de todo lo que has vivido". 

Suena a ella. Encaja con su aura. Aunque no es, exactamente, una cita suya. Por desgracia, no existe una entrevista, discurso o biografía de Sophia Loren en la que se documente que haya pronunciado esa frase tal cual.  No obstante, aunque no haya salido de su boca de forma literal, es profundamente coherente con su manera de entender la vida.

La actriz italiana, que es un símbolo universal de elegancia, sensualidad y paso del tiempo muy bien llevado sin necesidad de intervenciones estéticas, es la personas ideal para ser su embajadora. De hecho, en su libro 'Women & Beauty' o en sus memorias 'Ayer, hoy y mañana: mis memorias', Loren dice algo parecido y también más concreto:

"La juventud no está en los años, sino en la mente, en la creatividad, en lo que haces con lo que tienes".

Es toda una declaración de intenciones y una forma de entender el envejecer como acto creativo. Porque si algo atraviesa el discurso real de Sophia Loren es esa idea de que envejecer no es una derrota, sino una construcción. No sucede sin más (y a nuestro pesar), se hace y se trabaja en ello.

Allan Warren

Y ahí es donde la frase viral, aunque apócrifa, toca algo verdadero. Porque desplaza el foco de la cantidad (ya sean los años, las arrugas, los achaques) hacia lo cualitativo: lo vivido, lo sentido, lo atravesado, lo disfrutado, lo aprendido.

No es tanto cuántos años tienes, sino qué has hecho con ellos.

La trampa contemporánea: parecer joven vs. estar vivo

Hoy esa idea choca de frente con una cultura que ha convertido el envejecimiento en un problema estético. Ya no se trata solo de cuidarse sino de obsesionarse con borrar cualquier rastro del tiempo. Como si envejecer fuese un error de la vida o un castigo. Aquí es donde la cita (real o no) propone lo contrario. No hay que evitar el paso del tiempo ni tenerle miedo, sino llenarlo de cosas de las que estar orgullosos. 

Y eso tiene algo subversivo. Porque implica aceptar que la belleza no es fija,  canónica ni única. Que cambia de forma, permea desde lo que se ve a simple vista hacia algo más difícil de fotografiar: la experiencia, la sabiduría en la mirada, la historia acumulada en un simple gesto.

Implica aceptar también lo incómodo: los errores, las pérdidas, las versiones de una misma que ya no existen (y menos mal). En ese sentido, envejecer bien no sería conservarse, sino integrar todo en una versión mejorada de una misma que puede existir, precisamente, porque ha pasado el tiempo por nosotras y ha hecho mella.

Sophia Loren siempre ha defendido que la felicidad y, por extensión, la belleza tienen más que ver con la actitud que con la apariencia. Así que lo que dice nos gusta tanto porque simplifica algo que en realidad es complejo. Convierte una idea filosófica en algo fácil de compartir. Y porque, en el fondo, necesitamos creer que hay otra manera de envejecer distinta al drama apocalíptico con el que nos meten miedo para vendernos cremas. 

Los Angeles Times

Probablemente, la popularidad de esta cita tenga más que ver con ese deseo colectivo que con su origen real y eso es lo interesante: no en quién la dijo, sino en por qué seguimos repitiéndola. Porque, aunque no sea de Sophia Loren, plantea una pregunta muy actual: ¿estamos contando años… o estamos viviendo?

Foto de portada | Touring Club Italiano

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No vamos a decir que llega a HBO Max la última adaptación al cine de uno de los grandes clásicos de la literatura universal porque estaríamos faltando a la verdad: lo que Emerald Fennell ha hecho con su 'Cumbres borrascosas' es más una reescritura. Estrenada en cines el pasado San Valentín, aterriza al streaming de suscripción el 1 de mayo, lista para una segunda vida con nuevos espectadores, esta vez en modo sofá ymanta.

La novela de Emily Brontë, publicada en 1847, es esa historia de amor imposible entre Catherine Earnshaw y Heathcliff que todos conocemos sin necesidad de haber leído el libro. Sin embargom aquí Margot Robbie y Jacob Elordi encarnan unos personajes envueltos en una relación que se mueve más cerca de la obsesión que del romanticismo. Hay deseo, hay violencia emocional, hay una incómoda tensión constante...

Fennell no adapta el libro sino que lo reinterpreta desde una mirada contemporánea, más emocional, deliberadamente exagerada y con música de Charli XCX. Su objetivo era capturar la sensación de leer la novela por primera vez siendo adolescente. El resultado es una película visualmente exuberante, rodada en los paisajes de Yorkshire, donde el viento parece tener más protagonismo que muchos personajes. 

La película ha sido polémica desde el casting hasta su lectura del material original, pasando por su tono casi operístico, dividiendo a crítica y público. Pero aquí viene lo interesante: incluso cuando no acaba de funcionar del todo, es difícil no querer verla.

Fennell redujo la historia a su núcleo más básico y reconocible: el amor imposible, con una pareja como Robbie y Elordi que tiene química y transmite intensidad. Es un 'Cumbres borrascosas' que no tiene tanto que ver con el clásico en sí pero que conecta con algo tan actual como la necesidad de revisitar los relatos de siempre que hace mucho que no cuestionamos y los damos por sentado.

No es una película para todo el mundo pero si te interesa el cine que provoca más que complace, el que genera conversación más que consenso, esta nueva 'Cumbres borrascosas' tiene bastante que ofrecerte. Aunque solo sea por ver cómo un clásico puede convertirse, una vez más, en algo difícil de ignorar.

Fotos | Cumbres borrascosas

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No me gusta hypear las películas solo por el tráiler, porque luego me llevo grandes decepciones: ya me ocurrió el año pasado con '28 años después' y precisamente por eso estaba siendo tan prudente con lo que esperaba de 'El diablo viste de Prada 2', el estreno de esta temporada.

Pero claro, dile tú a alguien que trabaja en un medio de lifestyle y que tenía solo unos tiernos 21 añitos cuando vio la primera película que no haga hype con esta segunda parte, sobre todo con la vuelta, 20 años después, de todos sus personajes principales. Volver a encontrarnos con Andrea, Miranda, Emily y Nigel es, para muchas de nosotras, el acontecimiento del año.

Por eso hoy, cuando me dirigía al adelanto de la película para los medios, iba temblando: ¿cumpliría la secuela con mis expectativas o me volvería a casa con mal sabor de boca? Después de ver los primeros minutos de 'El diablo viste de Prada 2' he de decir que, al menos en el inicio, cumple sobradamente con lo que prometía: un viaje al pasado con el filtro de 2026, viendo cómo ha cambiado todo a nuestro alrededor (y cómo hay ciertas cosas que permanecen).

Qué te vas a encontrar en 'El diablo viste de Prada 2' 

Y hablo de "viaje al pasado" porque sí, nos vamos a volver a encontrar la mítica escena de Andy lavándose los dientes frente al espejo de su casa, los cinturones azules que parecían "tan distintos" y que dieron lugar al mitiquísimo discurso de Miranda sobre el azul cerúleo, el brindis de Andrea con sus amigos mientras toman una cerveza en un bar... Pero todo, todo, pasado por el filtro de 2026. Todo ha cambiado, pero todo permanece.

Sin destripar nada de la película más allá de lo que hayáis podido ver en los tráilers, también se pone sobre la mesa el funcionamiento actual de las revistas de moda como prescriptores de marcas y de estilo. Esto, si no estás dentro lo ves con mucha curiosidad, pero si te mueves dentro del mundillo no puedes más que asentir repetidas veces mientras en tu cabeza resuena un tímido "ah sí, esto lo he visto yo".

Las diferencias (no tan notables al final) entre el periodismo en periódicos y el periodismo de moda, el poder de las redes sociales, cómo ha cambiado el consumidor y a qué le damos importancia ahora a la hora de comprar o no a una marca, los despidos masivos en los medios de comunicación... Todo esto tiene un espacio y un lugar en 'El diablo viste de Prada 2'. Y solo he visto los primeros 15 minutos aproximadamente.

Por mi parte, he salido de la sala deseando ver la película entera y disfrutar de todos estos personajes que se han hecho un hueco en nuestros corazoncitos y, más importante aun, que han sabido conservarlo durante 20 años.

Imágenes | 'El diablo viste de Prada 2', Disney

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¿Estás buscando algo lo suficientemente delirante como para no mirar el móvil en una hora y media? Dale una oportunidad a 'Embestida', el inesperado fenómeno global de Netflix que se ha colado en su número uno en más de 90 países. Sin una gran campaña promocional ni la falsa promesa de ser lo mejor que vayas a ver en 2026, este thriller de supervivencia ha logrado no perderse entre la multitud de estrenos que llegan todas las semanas a las plataformas de streaming y que hablen de ella.

Algo que es de agradecer en este tipo de película es que la premisa no pierde tiempo en aparentar sofisticación. Un huracán brutal golpea un pueblo costero de Carolina del Sur, provocando una inundación masiva y, como si el cambio climático no fuese ya suficiente problema, arrastra tiburones tierra adentro. Calles anegadas, casas destrozadas, oscuridad, pánico y escualos nadando donde antes había coches aparcados. Cine de catástrofes servido con una buena dósis de verbeneo. Porque ahí está gran parte de su encanto.

El placer de una película que sabe lo que es

'Embestida' no es cine elevado ni pretende ser una metáfora existencial sobre la condición humana. Quiere entretener al espectador durante 85 minutos y lo consigue con una eficacia que otras superproducciones envidiarían. Entrarápido, mantiene el ritmo y encadena sobresaltos hasta el final.

En una época saturada de series de ocho capítulos, tramas cerradas pero interminables y películas que duran más que un día sin pan, resulta resfrescante encontrarse con una cinta que empieza, cumple con su cometido y se termina.

Phoebe Dynevor, tiburones y caos

Al frente del reparto está Phoebe Dynevor, a quien muchos conocerán por 'Los Bridgerton', aquí en un registro mucho más físico y dramático. La acompañan Whitney Peak y Djimon Hounsou, en una historia coral en la que distintos personajes intentan sobrevivir mientras todo se desmorona.

Dirige Tommy Wirkola, cineasta especialista en el exceso bien entendido, responsable de títulos donde la acción, el humor negro y la energía absurda pesan más que la solemnidad. Se nota su presencia.

Una de las razones de su éxito es que 'Embestida' entiende algo esencial del entretenimiento contemporáneo: a veces queremos ver algo bueno, y otras veces queremos ver algo divertidísimo. 

En esta segunda linea, la película abraza situaciones improbables, frases memorables y giros imposibles con total seriedad. Hasta Stephen King comentó en redes una de sus frases, celebrándola como "la mejor frase del año hasta ahora". Y la verdad es que la cita "Mamá tiene que pelear con unos malditos tiburones" lo merece.

Si buscas profundidad psicológica, quizá esta no sea tu película ideal de domingo. Si buscas pasarlo bien, comentar en voz alta "esto no puede estar pasando", reírte y que te dejen sin siquiera poder pestañear, dale al play. 'Embestida' pertenece a una categoría cada vez más valiosa: películas que no te cambian la vida, pero sí te arreglan la tarde y te dan alegría.

Fotos | Netflix

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El próximo 30 de abril no es una fecha cualquiera para ningún entendido en cultura pop porque llega a los cines 'El diablo viste de Prada 2', la segunda parte de la icónica película de 2006. Y con ella, el azul cerúleo y ese universo de repiqueteo de tacones en una redacción tóxica donde hay jefas que no necesitan levantar la voz para imponer.

Dos décadas después, 'Runway' sigue viva en la ficción. Sin embargo, es en la vida real donde está a punto de producirse un lanzamiento literario que amenaza con dejar desfasado todo el imaginario de la película de Anne Hathaway y Meryl Streep. Se titula 'Best Dressed' (o 'Mejor vestida') y ya lo definen como un 'El Diablo viste de Prada' todavía "más explosivo".

De asistente a insider 

Sabiendo quién es la autora y el tema que trata, la comparación es inevitable, pero la diferencia es clave. Si Lauren Weisberger escribió su novela superventas tras un breve paso en los años 90 por 'Vogue' como asistente personal de Anna Wintour, Filipa Fino juega en otra liga.

@filipa_fino

Durante más de una década, trabajó dentro de 'Vogue', codo con codo con Wintour. Es decir: no fue una observadora periférica, sino que formó parte del engranaje de la publicación y de la industria de la moda. Antes, además, ya había pasado por otras cabeceras de referencia internacional como 'Allure' o 'Harper’s Bazaar'. Así que la información que maneja como insider es pura dinamita.

De origen portugués y afincada en Nueva York, durante años fue una de las figuras discretas pero influyentes dentro del universo editorial de Condé Nast. En 'Vogue' llegó a ocupar el puesto de editora senior de accesorios, un rol clave desde el que se decide qué piezas, marcas y tendencias acaban marcando cada temporada. Su carrera, transcurrida lejos del foco mediático, la convierte en el perfil de alguien que ha estado lo suficientemente cerca del poder como para entenderlo, pero que ahora se encuentra lo bastante lejos como para contarlo sin miedo a represalias.

Nombres cambiados, historias no tanto

'Best Dressed', que se publicará en inglés este verano, promete contar lo que pasa de verdad sin satirizar la realidad ni glamourizarla como sí hace 'El diario viste de Prada'. Eso sí, con nombres ficticios para enmascarar anecdotas reales.

@filipa_fino

El libro se centra, sobre todo, en lo que sucedía en el mundo moda de finales de los 90 y principios de los 2000. Esa época que Fino definió como "la era BlackBerry de la extravagancia y los escándalos". Entre los episodios más comentados antes de su publicación se encuentra uno que parece sacado de un guion de James Bond: y que incluye un viaje a Cuba en 1998 con Naomi Campbell y Kate Moss, una reunión con Fidel Castro y la presencia de Leonardo DiCaprio en el mismo hotel. Otro, sobre acontecimientos más recientes, apunta a que Lady gaga sufrió una crisis nerviosa en la tienda de regalos durante la gala del MET.

El morbo sigue siendo el mejor marketing

Parte del éxito de 'El diablo viste de Prada' fue precisamente la sensación que nos proporcionaba de estar enterándonos de algo que no deberíamos saber. Ser cosncientes de que detrás de Miranda Priestly había una persona real (aunque nadie lo confirmara oficialmente) y que ese retrato, exagerado o no, contenía trazas de verdad.

@filipa_fino

Ahora, con 'Best Dressed', la apuesta se dobla porque ya no vamos a estar hablando de suposiciones, sino de anécdotas confirmadas por alguien que estuvo ahí. Que vio, escuchó y ahora ha decidido contarlo sin tener que imaginarlo.

Lo que no cambia es la fascinación por enterarnos de lo que ocurre tras las puertas cerradas de una industria que ha sabido construir una imagen de perfección que pide a gritos ser desmontada. Y, en ese proceso, libros como este funcionan casi como una forma de justicia narrativa. O, siendo honestas, como la mejor revista cotilleo elevada a literatura.

¿El nuevo fenómeno editorial?

Queda por ver si realmente 'Best Dressed' tendrá el impacto cultural de su predecesora. Aquella novela que vendió millones de ejemplares, se adaptó al cine y redefinió cómo entendemos el poder dentro de la moda dejó un listón muy alto. Sin embargo, hay algo que juega a favor de este nuevo libro y es que llega en el momento perfecto. Con una industria con las costuras mucho más expuestas que en los años dos mil, un público más crítico y una nostalgia colectiva por aquella era.

Foto de portada | 'El diablo viste de Prada 2' y @filipa_fino

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En menos de un mes cumplirá 25 años, pero la carrera de Rachel Zegler ya no es la de la promesa que deslumbró en 'West Side Story'. Se ha convertido, también, en uno de los rostros más cuestionados al milímetro de Hollywood. Y todo, en gran parte, por su papel en el remake en acción real de 'Blancanieves'. Ahora la actriz se ha sincerado en una entrevista con la edición estadounidense de 'Harper's Bazaar' y ha contado cómo vive el constante escrutinio de su identidad racial.

Una princesa, demasiadas opiniones

Si algo nos enseñó 2025 es que da igual lo que hagas, siempre va a haber alguien dispuesto a decirte que no encajas. Zegler es el vivo retrato de alguien a quien le han dicho de todo y lo contrario. Mientras que en su debut con Spielberg la acusaron de no ser lo "suficientemente latina" para el papel de María, lo era "demasiado" para encarnar a la princesa más pálida de Disney.

La actriz, nacida en Nueva Jersey pero con raíces colombianas por parte de madre, no solo ha tenido que lidiar con las críticas a su trabajo interpretativo, también con algo más incómodo: la constante evaluación de su identidad. 

Porque ahí está el quid de la cuestión. Cuando eres "dos cosas", a ojos de muchos, es como si no fueras ninguna. No obstante, Zegler está segura de quién es: "Crecí orgullosa de ser colombiana. Comiendo la comida, usando los vestidos, tomando el café…", sentencia y enumera, como quien intenta demostrar (otra vez) que es parte de una cultura que nunca debería haberse puesto en duda.

El precio del éxito

Zegler habla desde un lugar que mezcla madurez precoz y cierto cansancio. No es casualidad. Su salto a la fama fue casi un experimento social: elegida entre más de 30.000 personas para protagonizar 'West Side Story' con apenas 17 años y sin agente, pasó de subir vídeos a YouTube a convertirse en protagonista de una superproducción de Hollywood… con todo lo que eso implica.

Y lo que implica, en su caso, ha sido también convertirse en diana y cabeza de turco cuando las cosas no han salido como se esperaba. El batacazo en taquilla de 'Blancanieves' la señaló directamente a ella como la principal responsable.

Sin embargo, hay algo que atraviesa todo su discurso y que resulta más interesante que cualquier cifra monetaria: su negativa a ceder a un molde para encajar. "Me niego a cambiar por la comodidad de los demás", se atreve a decir, y en una industria que muchas veces premia justo lo contrario.

Envejecer (y existir) sin pedir perdón

Más allá de la polémica, hay otro tema que sobrevuela su entrevista: el cuerpo, la cara, el paso del tiempo. Zegler no esquiva el asunto. Habla de su madre, de sus canas, de la decisión consciente de no teñirse. Y de cómo eso le ha servido como referencia en un contexto obsesionado con borrar cualquier rastro de edad. "Es la prueba de que has estado aquí", defiende.

No es un discurso novedoso, pero sí raro en alguien de su generación y vive de su imagen. Quizá porque viene después de haber vivido lo que ocurre cuando millones de personas opinan sobre tu aspecto como si fuera de dominio público.

@rachelzegler

Lo que queda claro es que la historia de Rachel Zegler no es tanto una de redención porque, como ella misma apunta, "para redimirse hay que haber hecho algo mal", sino de resiliencia. De aguantar el golpe, recomponerse y seguir sin necesitar tanto convencer como simplemente existir. Porque, probablemente, el problema realmente no sea la actriz sino todo lo que proyectamos sobre ella.

Foto de portada | 'Blancanieves'

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