Hay voces que trascienden generaciones y permanecen intactas en la memoria colectiva. La de Bonnie Tyler es una de ellas: con ese inconfundible tono rasgado que convirtió cada canción en una declaración de emociones, la artista galesa celebra 75 años de vida manteniéndose como una de las figuras más icónicas de la historia del rock.

El 8 de junio, Bonnie Tyler llegó a los 75 años, más de medio siglo después de haber iniciado una carrera que la llevó a convertirse en una estrella internacional. Nacida como Gaynor Hopkins en Skewen, Gales, la cantante encontró la fama a finales de la década de 1970 gracias a éxitos como 'It's a Heartache', tema que alcanzó los primeros puestos de las listas en Reino Unido y Estados Unidos. Sin embargo, sería una colaboración decisiva la que terminaría definiendo su legado musical.

A comienzos de los años ochenta, Tyler unió fuerzas con el compositor y productor Jim Steinman, responsable de algunas de las canciones más teatrales y grandiosas de la época. De esa alianza nació 'Total Eclips e of the Heart', lanzada en 1983 y convertida rápidamente en uno de los sencillos más exitosos de todos los tiempos. La canción encabezó las listas de ambos lados del Atlántico y ayudó a que el álbum 'Faster Than the Speed of Night' alcanzara el número uno en Reino Unido.

Con el paso de los años, la propia cantante reveló un detalle poco conocido sobre la creación de aquel himno. Según contó en una entrevista con The Guardian en 2023, Steinman había comenzado a escribir la pieza para una posible adaptación musical de 'Nosferatu', proyecto que nunca llegó a concretarse. Tyler también recordó que, tras grabar la canción en Nueva York, escribió a una amiga confesándole que dudaba de su futuro porque le parecía demasiado larga para el público de la época.

La potencia emocional de la interpretación fue precisamente lo que cautivó a Steinman. El productor llegó a comparar la voz de Tyler con la intensidad de Janis Joplin, describiéndola como una de las más apasionadas que había escuchado en el rock.

Paradójicamente, aquel registro vocal que acabaría convirtiéndose en su sello nació a raíz de una operación para eliminar nódulos de sus cuerdas vocales en 1977. Durante la recuperación, un esfuerzo involuntario alteró permanentemente su voz, otorgándole la aspereza que hoy la distingue.

A lo largo de su trayectoria, Tyler ha acumulado mucho más que éxitos radiales. Ha recibido nominaciones a los premios Grammy y Brit Awards, representó a Reino Unido en Eurovisión y, en 2022, fue nombrada Miembro de la Orden del Imperio Británico (MBE) por su contribución a la música.

Este aniversario llega además después de un momento delicado para la artista. En mayo de este año fue sometida a una cirugía intestinal de urgencia en Portugal. La intervención resultó exitosa y su equipo médico informó que la recuperación avanzaba favorablemente.

Lejos de pensar en el retiro, Bonnie Tyler continúa demostrando una energía admirable. La cantante ha publicado nueva música el mes pasado, además de mantener una agenda activa de presentaciones alrededor del mundo. A sus 75 años, la voz detrás de 'Holding Out for a Hero' sigue recordando que algunas leyendas no conocen el paso del tiempo.

Foto de Fine Art America | YouTube

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En 1977, Grateful Dead hizo algo que parecía ir en contra de su propia naturaleza. una banda célebre por la improvisación en vivo y las largas exploraciones psicodélicas decidió concentrar toda esa ambición en una sola pieza de estudio. El resultado fue una suite de casi 17 minutos que combinó folk, rock progresivo y arreglos orquestales junto a una narrativa cargada de simbolismo.

Casi medio siglo después de su lanzamiento, 'Terrapin Station' sigue siendo considerada como una de las obras más importantes y audaces de toda su carrera. Ocupando por completo la cara B del álbum con el mismo nombre, el primer trabajo de la banda fue uno de los lanzamientos más exitosos de su carrera gracias a la composición de Jerry García y Robert Hunter.

La creación de la canción estuvo rodeada de una serie de coincidencias y anécdotas que, con el tiempo, para los seguidores de la banda adquirieron un carácter casi mítico: Hunter recordó que escribió la letra en medio de una tormenta eléctrica en la bahía de San Francisco; mientras que García conducía por el puente Richmond-San Rafael cuando una melodía apareció en su cabeza, lo que lo hizo regresar a casa para grabarla antes de que la olvidara.

El resultado de esa fusión creativa fue una obra dividida en varias secciones que narran una especie de fábula moderna donde habitan marineros, soldados, el mundo de las apuestas, el destino y la búsqueda del conocimiento.

The Grateful Dead grabando “Terrapin Station” en Automated Sound Studios, en 1977

Una producción que hizo historia

La grabación de 'Terrapin Station' fue uno de los proyectos más ambiciosos de Grateful Dead. Inspirado por la historia que Jerry Garcia le contó sobre la canción, el productor Keith Olsen imaginó una suite de carácter casi teatral e incorporó arreglos orquestales y corales que ampliaron considerablemente el alcance de la composición.

La decisión dividió opiniones entre algunos seguidores, ya que los arreglos de Paul Buckmaster y la producción más pulida se alejaban del sonido habitual de la banda. Sin embargo, García defendió el resultado, y con el tiempo esa combinación terminó convirtiéndose en uno de los rasgos más distintivos de la obra.

Aunque su duración la alejaba de la radio comercial, la canción encontró una segunda vida en los conciertos. La suite completa rara vez se interpretó en directo, pero sus secciones principales se convirtieron en habituales del repertorio y fueron tocadas más de 300 veces a lo largo de la historia del grupo.

Hoy, 'Terrapin Station' es considerada una de las mayores cumbres creativas de Grateful Dead. La pieza reunió la imaginación lírica de Robert Hunter, la sensibilidad melódica de Jerry Garcia y el espíritu explorador de una banda que nunca tuvo miedo de asumir el riesgo de crear una pieza de 17 minutos que se ha convertido en historia del rock.

Fotos de Prime Video | @walkonthewildsidenyc

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Pocos nos acuerdamos ya de que el primer éxito de Bad Bunny en 2017, antes de su deconstrucción, fue ‘Soy peor’. En esa canción declaraba sin ambigüedad ser infiel, irresponsable y un tipo que no merece la pena. Un personaje construido sobre los pilares más viejos de la masculinidad urbana. Después, su canciones empezaron a hablar de liberación femenina. Pero la socióloga Silvia Díaz, autora de la primera tesis en España sobre Benito Antonio Martínez Ocasio ya lo advertía: “Bad Bunny tiene canciones sobre la violencia de género, el empoderamiento personal, la libertad sexual… Su imaginario es feminista, pero también refuerza ideas patriarcales”. 

Aquí nace la paradoja: ¿puede el mismo artista ser feminista y a la vez reproducir con precisión los cánones de belleza que oprimen a las mujeres? La casita de sus conciertos y todo lo que vemos en ella te da la respuesta: rotundamente sí. 

Deconstruido, pero queriendo vender discos 

El relato de la "deconstrucción" en la cultura pop se sostiene cuando un artista masculino llora sin miedo y muestra sus emociones. Cuando usa ropa que el sistema codifica como femenina o se hace las uñas. También decimos que está deconstruido cuando defiende a las mujeres o cuando besa a otro hombre frente a las cámaras como parte del show. Así, Bad Bunny se ha convertido con todo el derecho en un hombre deconstruido, lo que no implica que su relato no pueda tener contradicciones. Bad Bunny puede ponerse falda porque esa “deconstrucción” opera en el eje del género del artista, lo que no hace es operar en el eje del deseo que proyecta. Y ese deseo sigue siendo patriarcal, le guste o no.

En el videoclip de ‘Yo perreo sola' de 2020, Bad Bunny aparece como drag sin ironía ni comedia. En el mainstream del reguetón que se vivía en ese momento, el gesto fue recibido como valiente. Pero si analizamos la trayectoria visual de Bad Bunny aparece un patrón muy consistente y que no se examina. Los cuerpos femeninos de su imaginario siguen un canon muy preciso. Mujeres delgadas en las que las curvas solo aparecen en determinados sitios. Pieles perfectas. Nada de arrugas. Sólo mujeres jóvenes. No es un código exclusivo de Bad Bunny, claro. Es el código estándar del reguetón. Pero es también es exactamente el código que se supone que la "deconstrucción" debería haber cuestionado.

Al elegir mujeres de una belleza normativa y clásica, algo que hemos visto en sus recientes conciertos, y evitar subir al escenario de su casita rosa a personas con cuerpos diversos, está lanzando un mensaje: ese es el tipo de cuerpo femenino que merece ser deseado. 

Seguimos siendo un decorado en el deseo masculino

Existe un concepto llamado male gaze o mirada masculina, una teoría feminista que explora cómo las artes visuales suelen representar el mundo desde una perspectiva masculina, lo que afecta a cómo se representa a la mujer. Sara Ruiz lo describe perfectamente: “las mujeres en el cine parecen estar hechas para ser miradas”. Y no solo en el cine. Esa gramática visual aparece en los videoclips de reguetón y es perfectamente compatible con que el artista sea un hombre con uñas pintadas y un discurso progresista.

Esos cuerpos femeninos que aparecen en la casita durante sus conciertos son justo eso y reflejan a mujeres que parecen estar hechas para ser miradas. Casualmente entran en un canon de belleza preciso como representa Esther Expósito. El cuerpo femenino funciona en la casita exactamente igual que siempre ha funcionado en el género: como decorado del deseo masculino.

Quizá el problema sea cómo la industria musical lleva años usando la disrupción como una herramienta de marketing más. La transgresión vende, siempre que sea la transgresión correcta y en la dosis correcta. Un estudio del London College of Fashion sobre la colaboración Gucci × Harry Styles describió que las marcas de lujo "se benefician de trabajar con individuos que encarnan valores progresistas en términos de expresión de género" porque genera valor comercial y mejora su percepción entre la Generación Z. Bad Bunny es el ejemplo más eficiente de eso en este momento. Y no es que esos hombres deconstruidos sean unos impostores y merezcan una condena, sino que el mercado tiene una capacidad innata para coger esa transgresión y convertirla en un producto.

En preguntarnos si Benito es auténtico o no está la trampa, porque lo importante aquí no es que él crea que sus gestos son feministas, sino lo que aprende quién lo mira. Al mirar a los invitados a esa casita de ensueño en Puerto Rico aprendemos que esas son las mujeres que físicamente deberíamos ser. 

Soy feminista y la primera que ha celebrado la deconstrucción del género masculino en la música. La primera que perrea hasta el suelo. Pero me he dado cuenta de que no exijo lo mismo al deseo que ese género produce de lo que exijo al género en sí mismo. No me pregunto si estoy ante un hombre que genuinamente ha cambiado su mirada sobre el mundo, o solo estoy ante la industria siendo exactamente lo que siempre ha sido, patriarcal. Probablemente las dos cosas a la vez y esa es, exactamente, la paradoja de Bad Bunny.

Fotos | GTres, NFL

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Bad Bunny ya está de gira por España y todo Instagram está rebosando de vídeos de sus conciertos en Barcelona. Que ellos hayan ido primero ayuda a los madrileños a prepararse el terreno, aprendiendo de los errores, dramas y experiencias de los asistentes. Te contamos todo lo que vas a necesitar para el fiestón puertorriqueño que se viene. 

Todo sobre el concierto: teloneros, horarios y duración

Chuwi, los teloneros de Bad Bunny

El concierto dura unas tres horas sin contar los teloneros, así que calcula que comenzará a las 20 horas y terminará sobre las 23 horas de la noche, importante a tener en cuenta si vas en transporte público. La apertura de puertas es a las 18.00 horas. 

Sus teloneros son Chuwi, un calentamiento a golpe de ritmo puertorriqueño que mezcla salsa, indie y sonidos urbanos. Son los que colaboran con Bad Bunny en 'Weltita', un cuarteto que saldrá 30 minutos antes y que merece la pena escuchar, así que te recomendamos estar en el estadio a las 19.30 horas. 

Cómo llegar al concierto de Bad Bunny en Madrid

El estadio Estadio Riyadh Air Metropolitano reunirá a 500.000 personas en Madrid entre el 30 de mayo y el 15 de junio, que se dice pronto. Medio millón de personas dirigiéndose hacia un mismo lugar requiere tremenda planificación, porque los atascos serán enormes y los transportes públicos estarán saturados. Especial atención a los que van a alguno de los conciertos entre el 6 y el 9 de junio, porque coinciden con la visita del Papa a la capital y la ciudad estará colapsada x 2. 

Cortes de tráfico en Madrid durante el concierto de Bad Bunny

Según la Comunidad de Madrid, a partir del 25 de mayo, las ocupaciones de calzada serán más intensas en el entorno de la Plaza de Lima y en la Plaza de Cibeles. La Plaza de Lima se cerrarán al tráfico la calzada central en ambos sentidos, permitiéndose únicamente la circulación en los carriles que rodean la citada Plaza. Debido a la limitación de capacidad de la zona, los anillos de la plaza solo permitirán la circulación Norte-Sur, Sur-Norte y giros a las derecha desde las calles General Perón y Concha Espina. No se permitirán los movimientos desde General Perón para tomar el Paseo de la Castellana sentido norte ni desde Concha Espina para tomar el Paseo de la Castellana sentido Sur. Tampoco se permitirán los cruces de la Plaza desde General Perón a Concha Espina y viceversa.

Por su parte, en la Plaza de Cibeles se verá afectado parte del carril bus a la altura del Paseo del Prado y los carriles correspondientes a las paradas de los autobuses nocturnos en esa zona. A partir del 30 de mayo de 2026 se prevé que las ocupaciones de calzada sean de mayor entidad sobre lo que se informará en este espacio web.

Además, habrá afecciones en los autobuses de la EMT: las líneas de autobuses de la EMT 14, 43, 120 y 150 sufrirán retenciones y modificaciones en sus itinerarios habituales. La parada 41, localizada a la altura del Paseo de la Castellana, número 93 (entorno de la Plaza de Lima) será suprimida provisionalmente desde el inicio del servicio del 27 de mayo, afectando a las líneas de autobuses 14, 27, 40, 126, 147, 150, N22, N24 y SE10. 

Por su parte en el entorno de la Plaza de Cibeles, desde las 0 horas del 26 de mayo, las líneas de la EMT 1, 2, 9, 10, 15, 20, 34, 51, 52, 74, 146, N5, N6, N7, N12, N15, N20 y N21 sufrirán retenciones y modificaciones en sus itinerarios habituales. La parada 70, localizada en la Plaza de Cibeles, a la altura del Paseo del Prado será suprimida provisionalmente desde el inicio del servicio del 26 de mayo, afectado a las líneas de autobuses 1, 2, 9, 15, 20, 51, 52, 74 y 146.

Cómo ir al concierto de Bad Bunny en Madrid

Con este panorama en las calles de Madrid, lo ideal es ir en metro, con la línea 7 dejándote en Estado Metropolitano. Desde ahí solo tienes que caminar unos minutos hasta llegar al recinto. Si te pilla mejor el autobús, las líneas 38, 140 y 167 te dejan cerca y no están afectadas por los cortes mencionados anteriormente. A la salida, los búhos N5 te llevan de vuelta al centro. 

El kit de supervivencia para el concierto de Bad Bunny

• Abanico o ventilador eléctrico: va a hacer calor y has pagado mucho dinero en la entrada como para tener un golpe de calor y que tengan que sacarte. 
• Botella de agua plegable: las latas, vidrio o plásticos duros no están permitidos, pero botellas de agua blandas como esta de Decathlon puedes meterla y te salvará de la deshidratación. Una vez acabada, no ocupa nada. 

La Oreja de Van Gogh arrancó su oleada de conciertos este fin de semana en Bilbao, generando una oleada de nostalgia millennial que se ha quedado bastante decepcionada. Y es que Amaia Montero no está preparada para las exigencias vocales que exigen sus antiguos temas, ha perdido la calidad en la voz y le está costando recuperarla. El experto vocal Israel del Amo lo tiene claro: "Amaia Montero no se lo está tomando en serio y no sé como no le da vergüenza". 

El propio experto critica duramente la falta de compromiso de la cantante: "Amaia ha tenido más de un año para prepararse para este proyecto". Sin embargo, lo que se vio sobre el escenario en Bilbao fueron "muchísimas carencias técnicas y una evidente falta de trabajo vocal". 

Aunque algunos digan que es por la edad y porque las cuerdas vocales ya no le responden como antes, el experto vocal es tajante: la razón detrás de este fiasco es su falta de compromiso. Desafines, falta de técnica y salidas de tono que hasta ella misma reconoció ante el público: "lo hago fatal". 

Este desastre no es solo responsabilidad de Amaia. Está claro que en los ensayos ya se veía venir, así que no se entiende que el grupo no intentara ajustar las tonalidades a la voz actual de la cantante, o incluso haber creado nuevas versiones para no avergonzar a Amaia, al grupo y al público que ha pagado. La Oreja de Van Gogh se está desprestigiando sola, son su peor enemigo. 

Fotos | @israeldelamo, @amaiamonterooficial, X @LOVGParis, TikTok @israeldelamo_.

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Patti Smith nunca se conformó con su faceta de cantante y compositora. El rock ha sido una constante en su vida, pero las artes visuales, el activismo, la poesía y la literatura también. Es sin duda una creadora mayúscula, por eso ha obtenido este año el premio Princesa de Asturias de las Artes. Así lo ha comunicado el jurado en el Salón Covadonga del Hotel Eurostars de La Reconquista de Oviedo. "Por su impetuosa creatividad, que conecta el rock, la poesía simbolista y el espíritu de la contracultura con una gran potencia expresiva."

Razones para merecer este galardón tiene de sobra, pero el jurado ha aprovechado la ocasión para nombrar alguna de ellas: "por su impetuosa creatividad, que conecta el rock, la poesía simbolista y el espíritu de la contracultura con una gran potencia expresiva. Ha plasmado la rebeldía del individuo en la sociedad en canciones palpitantes, algunas de las cuales ya son iconos de la música popular de nuestro tiempo. Como escritora, ha transmitido una visión poética de la vida, comprometida con ofrecer un mensaje de esperanza frente a las injusticias. Con una actitud inconformista y transgresora, ejemplo para muchas artistas, ha conmovido a oyentes y lectores de todo el mundo y sigue inspirando a las nuevas generaciones."

Patti Smith nos ha conmovido de todas las formas posibles. Mucho más allá de ese icónico 'Because the night' (1978) que aun seguimos pidiendo décadas después en los karaokes para gritar a pleno pulmón junto a nuestras amigas. También más allá de aquella autobiografía sublime "Éramos unos niños" (2010), un libro cargado de nostalgia y belleza en el que narra sus memorias sobre su relación con Robert Mappelthorpe. Ella no para de crear y nosotras no paramos de conectar con su arte. Y de ahí el premio. 

Esta mujer de Chicago, que llegó en plena década de los 70 y sin recursos a Nueva York, que dormía donde podía, mientras escribía poemas en libretas y se ganaba el suelo trabajando en librerías, pronto le dio la mano al rock y lo soltó. Hicieron el tandem perfecto y ese mítico álbum 'Horses' (1975). Inspiró a las grandes leyendas del punk. Ahora su faceta literaria deslumbra más que nunca. Aunque grandes letras lleva escribiendo desde siempre.

Fotos | Wikimedia Commons 

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El desierto de Indio ha vuelto a llenarse de influencers, looks tan estrafalarios como poco prácticos y selfies delante de su mítica noria. O lo que es lo mismo: el Coachella ha concluido su primer fin de semana de 2026 y se prepara para el segundo en una época en la que sus asistentes, cada vez más, se inclinan a idealizarlo menos y contar la verdad de campamento infernal que se vive detrás de la foto. Precisamente por esto mismo nos parece muy pertinente recordar una historia que muchos han olvidado o que ni siquiera han escucha nunca: los origenes del festival casi como un acto de sabotaje.

Cuando Coachella lo inspiró un acto político

Antes de los escenarios patrocinados y los looks pensados más para lucirse en Instagram y Pinterest que para sobrevivir al polvo del desierto, hubo una banda que lo inspiró accidentalmente al decir "no". En 1993, Pearl Jam decidió plantarse frente a Ticketmaster y sus comisiones abusivas y decidieron buscar un lugar alternativo donde poder tocar sin tener que pasar por el aro del sistema.

Por aquel entonces, Paul Tollett era un promotor que organizaba conciertos underground para grupos como Black Flag y ayudó al grupo de grunge de Seattle a encontrar ese espacio alternativo en el que actuar. Resultó ser el Empire Polo Club en Indio, California.

Gracias al exito del concierto de Pearl Jam, Tollett comenzó a darle vueltas a la idea de organizar un festival anual en ese mismo recinto de extensos campos de hierba y entorno tipo oasis. Aunque ese sueño no se concretó hasta 1999, cuando tuvo lugar la primera edición del Festival de Música y Artes de Coachella Valley. 

La construcción lenta (y casi invisible) de un icono

Celebrada en dos días de octubre de 1999, el festival contó con un cartel compuesto por lo más sonado del momento en música rock y underground. Beck, Rage Against the Machine y Tool fueron los cabezas de cartel. Aunque también estuvieron presentes Morrissey, Moby o The Chemical Brothers, entre muchos otros.

El resultado fue una paradoja de éxito de crítica y desastre económico porque la promotora perdió casi un millón de dólares. Aunque también hay que decir que el contexto tampoco ayudaba. Ese mismo verano, Woodstock 1999 había terminado en disturbios, incendios y caos. Así que, mientras que el público desconfiaba de los festivales masivos, las aseguradoras subieron sus precios. Coachella, en aquel momento, no era aspiracional sino un riesgo.

Coachella en 2013 (Drew Ressler)

Ante tal panorama, no hubo edición en el año 2000. Y cuando volvió en 2001, lo hizo en formato de un solo día y sin hacer mucho ruido. Desde luego, nada que ver con la maquinaria mastodóntica actual. Durante todos los dosmiles, el crecimiento fue progresivo y discreto hasta que dejó de serlo. En 2012, el formato ya era de dos fines de semana y la asistencia se disparó. El festival dejó de ser solo música y se convirtió en un evento cultural mucho más parecido a lo que es actualmente.

De contracultura a escaparate global

Para 2017, Coachella ya reunía a cerca de 250 mil personas y superaba los 100 millones de dólares en ingresos anuales. Hoy, Coachella es moda, publicidad y contenido en tiempo real. Es un escenario por el que desfilan influencers, celebridades y marcas que entienden el festival como una pasarela deslocalizada. Sí, la música sigue ahí, pero ya no es el centro gravitacional. Es, principalmente, la banda sonora de otra cosa.

No es raro que un evento crezca, se profesionalice y se vuelva rentable. Sin embargo, en el caso de Coachella, lo que empezó evitando patrocinadores, ahora los integra como parte estructural de su ADN. Lo que nació como alternativa a un sistema abusivo es hoy uno de sus productos más representativos. El desierto ya no es un espacio salvaje y su espíritu original es solo un espejismo. El festival ha mutado hacia un modelo aspiracional donde la experiencia se mide por el consumo: qué llevas, dónde te alojas, qué marcas te invitan...

Andrew Ruiz

La distancia entre sus origenes y el presente no está solo en la escala, sino en el significado. Mientras que nació como una grieta en la industria musical, hoy es uno de sus escaparates más rentables. En este punto reside su mayor ironía porque, aunque Coachella sigue vendiendo la ilusión de ser diferente, se ha convertido en exactamente todo lo contrario que lo hizo posible.

Foto de portada | Cartel del concierto de Pearl Jam y Alexander Sampietro

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Hay casualidades que te cambian la vida y personas que, sin saberlo, cambian la vida de otros. Es el caso de Francisco Romero, un mexicano nacido en La Piedad, Michoacán que vive en California desde los 12 años. Pero no es de su vida como inmigrante de lo que voy a hablarte, sino de cómo un proyecto de universidad trajo de vuelta a los Hombres G.

En la red social X el propio Romero explica que en una de sus asignaturas se les pidió crear una página web para desarrollar nuestras habilidades en el código HTML. “Mis amigos de High School me habían introducido a la música de Hombres G un par de años atrás y por ahí me fui”, asegura. Como en aquel momento solo había dos webs dedicadas a Hombres G y sin apenas sin actualizar, decidió enfocar su proyecto en los fans y creó el Club ‘Seguimos Locos‘… ¿Y qué?’. 

El Club de fans se convertía en el primero de la banda y como asegura Romero, “durante los primeros 5 meses de la web me vi inundado con solicitudes de membresía por gente de prácticamente todo el mundo”. No solo pidieron unirse mexicano, también españoles, colombianos, peruanos y hasta japoneses. 

A nivel práctico, la web funcionaba en esos años noventa como lo haría ahora una red social. La gente interactuaba y hablaba de Hombres G a pesar de que era 1998 y Hombres G se había separado en 1993, tras sacar su disco ‘Historia del bikini’ un año antes. Se generó una comunidad en torno al grupo español y Romero recibió un correo que decía “Me gusta mucho la página, no sabes lo encantado que estoy y sobre todo lo agradecido que estoy de que hayas hecho esto”. 

Romero pensé que se trataba de un fan más. Contestó dando las gracias y entonces recibió un nuevo mensaje del mismo usuario tres días después: “Por favor no divulgues mi correo, soy Dani Mezquita”. El guitarrista de Hombres G había llegado hasta la web. “Por favor discúlpame que no te crea, pero por internet es muy fácil decir que eres cierta persona cuando en realidad eres otra”, escribió. Mezquita contestó “Dame tu teléfono y te llamo”. Ese correo cambiaría la vida de Francisco Romero por completo. Uno de sus ídolos se convertiría, desde ese momento, en un amigo.

Tal y como se explica en el documental de Movistar+ ‘Los mejores años de nuestra vida’, que se estrenará en cines este 2026, a finales del 2000 el recopilatorio de Hombres G seguía siendo el tercer disco que más se vendía en México. Por eso cuando la idea de que el grupo volviera estaba encima de la mesa, México era el lugar elegido. Mezquita explicó a Romero que se planteaba un tour de conciertos en el país de origen de Romero y que Warner quería sacar un disco recopilatorio para promocionar el regreso y también quería una página web. “¿Te interesaría hacer nuestra página oficial?”, preguntó el guitarrista. Así nació HombresG.net de manos de aquel adolescente que lo empezó todo por una tarea escolar y que consiguió reunir a miles de personas en torno a un club de fans. 

La icónica banda de los 80, que se había separado, regresaba una década más tarde y cumplía el sueño de los fans. “Algo que siempre quería pero que no estaba activamente buscando se había convertido en realidad, es una de esas bonitas sorpresas que te da la vida de vez en cuando y más cuando te pones a pensar que las probabilidades para que algo así sucediera era de una en un millón”, explicaba Romero que añade que trabajar con Hombres G, algo que lleva haciendo desde hace 24 años, “es uno de los logros más importantes en mi vida y algo que hasta hoy me cuesta creer. Nunca voy a dejar de agradecer por lo privilegiado que soy, sobre todo cuando ellos me han demostrado su agradecimiento al incluirme en su biografía y considerarme su amigo”.

David Summers siempre ha asegurado que el éxito de Hombres G no era algo que esperaran. Es más, en su regreso tampoco esperaban volver a estar arriba, pero lo hicieron. Cuando salió ‘Peligrosamente juntos’ en 2002, un recopilatorio con temas inéditos y nuevas versiones de sus clásicos, vendió más de 1,5 millones de copias en América y fue Disco de Platino en España. A día de hoy Hombres G sigue agotando las entradas para sus conciertos hasta en preventa y su nueva gira es todo un éxito. Países como México o Perú, con esa comunidad fiel de fans que se mantuvo conectada gracias a un chaval, tienen mucha culpa de ello. 

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Fotos | YouTube La cueva del Gritón, HombresG.net, X Francisco Romero, Los mejores años de nuestra vida (fotos de Ana Tardaguila para Movistar+)

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Sobre el escenario del Crypto.com Arena, en Los Ángeles, un hito de proporciones históricas ha tenido lugar durante la 68ª edición de los Premios Grammy. El puertorriqueño Bad Bunny no solo se ha llevado a casa tres gramófonos en una misma noche sino que se ha alzado con el Grammy más importante: el de Mejor álbum del año por 'Debí tirar más fotos'. O lo que es lo mismo: el primer disco completamente en español en lograrlo en la historia de los Grammy.

Este premio de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación, considerado la cúspide de los reconocimientos musicales a nivel global, siempre había sido territorio casi exclusivo de música pensada para el mercado angloparlante. Por lo tanto, que un disco íntegramente en español, con ritmos y narrativas tan profundamente arraigadas en Puerto Rico y en la diáspora latina, rompa y cruce esa barrera no es solo un triunfo artístico: es un reconocimiento al poder cultural de dicha comunidad.

Además de recibir este galardón, el repertorio de Bad Bunny salió victorioso en otras dos categorías: Mejor álbum de música urbana y Mejor interpretación de música global por 'EoO', consolidando una noche en la que el idioma y las historias boricuas fueron legitimadas por quienes marcan el canon de la industria.

"ICE out": el escenario como plataforma política

Pero si la victoria ya era histórica de por sí, el discurso de agradecimiento fue un acto político en sí mismo. Al recoger el Grammy por Mejor álbum de música urbana, Bad Bunny no arrancó con agradecimientos tradicionales, sino con una declaración de intenciones: "Antes de agradecer a Dios, voy a decir ICE out", algo que fue seguido por una ovación. 

De hecho, esta fue la consigna reivindicativa de la noche, replicada visualmente por otros artistas con broches y diferentes guiños en apoyo a la causa migrante en un momento de intenso debate sobre políticas migratorias en Estados Unidos y críticas al Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE). Especialmente tras los graves incidentes recientes que han resultado en la muerte de ciudadanos y desatado protestas.

En su discurso, Bad Bunny también hizo alusión a la humanidad compartida por ambas culturas, la boricua y la estadounidense blanca: "No somos salvajes, no somos animales, no somos "aliens". Somos humanos y somos americanos", lo que, en una ceremonia que recibe tanta atención mediática en todo el mundo, se leyó también como una reivindicación de dignidad para cualquier persona en cualquier parte del mundo que haya tenido que dejar su hogar para buscar oportunidades en otro lugar o simplemente sobrevivir. De hecho, al recibir el premio a Álbum del año, le dedicó el galardón "a todas las personas que tuvieron que dejar su tierra para seguir sus sueños".

De Puerto Rico a la Super Bowl: reguetón como acto político

Que este reconocimiento llegue justo a una semana de la Super Bowl, donde Bad Bunny es el encargado del espectáculo del medio tiempo, no es anecdótico. La elección de un artista latino, que canta en español y que además usa su plataforma para hablar de identidades y denunciar injusticias, se presta a una lectura política tan potente como su propia música. De hecho, figuras conservadoras, como el propio Trump (que ni siquiera asistirá), han criticado públicamente el encargo del espectáculo al puertorriqueño.

Así que queda claro que esa mezcla de reguetón, salsa y trap que caracteriza el sonido de 'Debí tirar más fotos', no es solo entretenimiento. Es todo lo que el ser humano necesita del arte. Es narrativa, expresión identitaria y, como quedó claro anoche en los Grammy, también es política. Decir que las letras y los ritmos de Bad Bunny no solo se bailan, sino que tienen el poder de articular momentos de resistencia cultural y social, no es exageración. Es un recordatorio de que la música puede convertirse en la fuerza y el reflejo de un momento concreto de la historia.

La victoria de Bad Bunny no puede entenderse únicamente con cifras o galardones. Es un signo de cómo la industria musical y la sociedad  están reconociendo finalmente la riqueza y la universalidad del arte en español. Es una señal de que ya no hay que "traducir" o adaptarse para ser valorado. La música de Bad Bunny, en su idioma y en sus códigos propios, ha sido capaz de trascender los límites.

Y por eso, hoy, más que celebrar una victoria o un disco, tenemos que celebrar un momento. El momento en el que un artista latino conquistó la cima del mainstream y aprovechó el momento para hablar de lo que importa: de humanidad, raíces y amor. Porque si algo quedó claro es que el arte no ha quedado reducido a lo monetizable, en 2026 el arte sigue vivo como acto político y motor de unión.

Foto de portada | Gtres

En Trendencias | Los 16 grupos de música más famosos de los 90

Los 90 fueron para el rock alternativo una década burbujeante. Nombres como Nirvana o Mudhoney, se instalaron con facilidad en la memoria colectiva de la sociedad. Da igual si no fuiste adolescente en esa época, suenan los primeros acordes 'Smells like teen spirit' y los reconoces al instante, antes incluso de que se cuele la voz de Kurt Cobain por los altavoces. 

Esos diez años constituyeron una página imprescindible para entender la historia de la música, una historia que no se comprende sin toda esa gran oleada de bandas de mujeres que irrumpieron en la escena post-punk del entonces. Sus letras subversivas se mezclaban con ritmos abrasivos y una estética grunge desaliñada. Estaban en la cumbre, pero el cambio de siglo les dio una patada, impuso un olvido forzoso que no fue casual y los nombres de Garbage, Sleater Kinney y Bikini Kill se fueron difuminando entre los de muchas otras.

Sleater Kinney (1996)

Riot Grrrl: el auge de las bandas de rock de mujeres en los 90

El mundo del rock tenía una deuda con las bandas de mujeres, una que no se saldó hasta principios de los 90 con el final de la segunda ola feminista. Así surgió el movimiento Riot Grrrl en plena ciudad universitaria de Olympia, al oeste del estado de Washington, donde varias chicas feministas empezaron a escribir fanzines y montar sus propios grupos de punk. Kathleen Hanna fue la autora del gran manifiesto fundacional en Bikini Kill, una publicación autoeditada que luego pasaría a ser uno de los grupos underground del momento, junto con Hole y L7, entre muchos otros.

Como explican las periodistas Isabel Calderón y Lucía Lijtmaer en su podcast cultural 'Deforme Semanal', la proliferación de sellos discográficos independientes junto con las crecientes emisoras de radio universitarias dispuestas a apostar por bandas de mujeres vanguardistas supusieron un antes y un después. Eran esos grupos de amigas que se reunían para hacer música en un garaje, las chicas marginadas que se sentaban en la fila de atrás del instituto y parecían no encajar del todo en la clase. Las que les hicieron creer que eran las raras, pero al final arrastraban los mismos pensamientos contaminados que nos asaltan a todas.

Bikini Kill (1992)

De pronto estaban ellas en los escenarios, agotando las entradas, gritando: 'girls go to the front' para que las chicas ocuparan los espacios, creando entornos más seguros en las salas. Se dejaban la voz en letras sobre su propia percepción del cuerpo, sobre no ser lo que el mundo quiere que seas. Entendían la música como una herramienta política, trataban temas como el aborto o el abuso sexual. Se colaban en todos los carteles de los festivales, eran combativas, provocadoras y las adolescentes crecían escuchando en sus walkman a Courtney Love señalando con rabia la violencia de género: "He said: I'm your lover, I'm your friend, I'm pure. And he hit me again." 

Crearon un tejido cultural desafiante desde los márgenes de la sociedad huyendo de conceptos capitalistas e iniciaban algo mayúsculo sin pretenderlo: hacían ver a las jóvenes que podían tener hueco en este mundo sin ser impolutas. Quién va a querer ser robótica, ser perfecta, cuando puede ser auténtica, teñirse de rojo fuego a lo Shirley Manson y apostar de vez en cuando todas sus cartas al caos. Elegimos vivir, tarde o temprano vamos a equivocarnos todas y sonará de fondo 'Shitlist' de L7.

Shirley Manson de Garbage en los 90

La purga de mujeres rebeldes en la escena de los 2000: un olvido que no es accidental 

La historiadora, teórica y fan del rock alternativo, Tanya Pearson, arroja un poco de luz en su ensayo 'Pretend we are dead', sobre cómo el éxito de estas bandas convivió, casi sin transición, con su posterior expulsión del relato musical. El título de su libro no es puro azar, hace referencia a la canción homónima de L7: 'haced como que estamos muertas', daban en el clavo, era lo que parecía su súbita ausencia.

El principio del fin no fue algo gradual, fue un retroceso brusco y empezó por Woodstock de 1999, un festival que supuso un despliegue de misoginia tan espeluznante que tiene hasta su propio documental en Netflix. Esos entornos que intentaban ser seguros para las artistas y todas las mujeres que las escuchaban de pronto dejaron de serlo para ambas. Una avalancha de agresiones sexuales, violaciones y violencia ininterrumpida contra las mujeres que se fue agravando durante los tres días de conciertos. El desastre se intuía desde el principio: Sheryl Crow cantaba en el escenario mientras los hombres del público solo le exigían que enseñara las tetas. 

L7 (1992)

Según Pearson, a este episodio le sigue la absorción de los pequeños sellos por parte de las grandes compañías discográficas cada vez más mercantilizadas, así como la desaparición de las radios libres universitarias. Luego vino el creciente poder de las corporaciones radiofónicas a su vez promotoras de festivales y vallas publicitarias, todas a fines, por supuesto, al clima político de la época, bajo el paraguas de George W.Bush. 

En su libro, Tanya explica que el detonante es el 11S. El mundo vira hacia un lugar más conservador, algo que afecta directamente a la libertad de expresión de las mujeres. Parece que no hay espacio para la disidencia o el que queda es extremadamente reducido. Resulta difícil imaginarse a Donita Sparks, vocalista de L7, lanzando un tampón ensangrentado como hizo en el 92, desde lo alto de un escenario a un público que tiraba botellas y abucheaba a su banda. El contexto ya no era el mismo.

Veruca Salt (1997)

En estos años impera el culto al artista, una década mitómana llena de divas del pop como Britney Spears, Beyoncé o Kylie Minogue, entre otras. Los hombres siguen ahí, inamovibles, conformando boybands desde los Backstreet Boys hasta los Jonas Brothers, así como grupos nu metal como Linkin Park o Limp Bizkit, pasando por raperos comerciales como Eminem. Mujeres puntas del rock de los 90 de la talla de Alanis Morissette intentan sobrevivir fluctuando más hacia el pop. Las bandas no se disolvieron, se silenciaron: son cosas distintas.

El presente: rescates, resistencias y una memoria colectiva todavía sesgada

Han pasado más de dos décadas de entonces. El sistema político ha bailado como un péndulo y si algo nos ha quedado claro es que la memoria cultural no es neutral. Ann Powers, periodista, escritora y crítica musical insiste precisamente en ello en su libro 'Good Booty', donde señala que la música hecha por mujeres se archiva de manera distinta porque se trata como si fuese una anomalía o un movimiento puntual, incluso cuando su impacto es duradero.

Bikini Kill (2024)

Pearson también insiste en esta idea en su ensayo. La reconstrucción nostálgica de esos años que se emprendió en los 2010 a base de documentales, aniversarios o incluso remasterizaciones, se centraba casi exclusivamente en Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden o Smashing Pumpkins. Las rockeras de los 90 aparecían como un pie de página cuando en la época eran prácticamente la novela entera. Las fallas en la historia son cristalinas, no basta con que existan bandas de mujeres insurgentes si no hay un relato veraz de su éxito.

A pesar de haber tenido todo en contra, muchos de estos grupos siguen en activo hoy en día. Bikini Kill volvió a los escenarios en 2019 después de 22 años. Ahora tienen la agenda apretada de giras y festivales que las acogen con fervor. A la par, Kathleen Hanna, cantante líder, presenta un podcast que incide en los engranajes que conforman la cultura musical bajo el nombre de 'Music makes us'.

Sleater Kinney en la actualidad

Las Sleater Kinney, tras disolver el grupo en 2006, se reunieron en 2014 y desde entonces han sacado tres discos y no han colgado las botas. 2025 fue un año de conciertos por América del Norte y ya tenemos fecha para otro próximo en 2026. Lo mismo ocurre con las chicas de L7, que aunque en 2001 entraron en un periodo de inactividad, en 2014 anunciaron su vuelta y desde entonces retomaron los shows. En 2019 publicaron nuevo material, el álbum de retorno 'Scatter the Rats'. Actualmente dan conciertos ocasionales, el último el pasado 3 de octubre, celebrando nada menos que su 40º aniversario en Los Ángeles.

Veruca Salt sufrió una factura en 1998 cuando una de sus cofundadoras, Nina Gordon, se fue dejando a Louise Post sola ante el peligro. En los 2000, a pesar de publicar un par de discos y continuar con otros miembros disminuyó su popularidad de forma notable. En 2013 volvió a su formación original, hicieron gira por Estados Unidos y lanzaron nuevo material en 2014, aunque desde los shows de 2015 no han vuelto a anunciar nuevas fechas de conciertos. 

Shirley Manson de Garbage (2025)

Garbage intentó sobrevivir a los 2000 con dos discos nuevos, uno en 2001 y otro en 2005, con sus correspondientes giras. Tras ello su actividad se volvió más esporádica hasta que en 2012 intentó recuperar poco a poco su ritmo. En 2025 una gira con numerosas fechas en Norteamérica, marca su primer tour de gran escala en Estados Unidos en muchos años. 

El paso del tiempo viene con cambios inevitables en la música que escuchamos, negarlo sería absurdo. Habrá quienes piensen que la presencia de estas bandas en la actualidad es un ramalazo de nostalgia colectiva. Yo estoy convencida de que es un ejercicio de pura resistencia, de corrección histórica si me apuras. Mira que no lo han tenido fácil y algunas se quedaron por el camino, pero a pesar de todo, dos décadas después, muchas de esas guitarras siguen apuntando al frente, alentando a las mujeres a ocupar las primeras filas de los conciertos. Es lo justo. Es ahí donde sucede la vida. Es ahí donde nos merecemos estar. 

Fotos | Wikimedia Commons, Instagram

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