Algunos descubrimientos arqueológicos, además de parecer sacados de una película de aventuras, también consiguen alterar la manera en la que entendemos una civilización entera. Eso es exactamente lo que acaba de ocurrir en Kuélap, llamada muchas veces la Machu Picchu de la selva peruana. 

En esta gigantesca fortaleza preinca escondida entre las montañas del Amazonas, en Perú, es donde un grupo de investigadores ha encontrado una tumba de aproximadamente 600 años de antigüedad con restos humanos y objetos ceremoniales que abren nuevas preguntas sobre los rituales funerarios del mundo andino.

Aunque popularmente asociamos Machu Picchu con la imagen monumental del Perú antiguo, Kuélap (con sus murallas de piedra levantadas a más de 3.000 metros de altura y rodeadas de niebla selvática) lleva tiempo posicionándose como uno de los lugares arqueológicos más fascinantes de toda Sudamérica. Y con este suma otro misterio a su historia.

Gobierno de Perú

El hallazgo de los especialistas del Programa de Investigación Arqueológica e Interdisciplinaria Kuélap (PRIAK) se produjo en una zona donde, hasta ahora, nunca se habían hecho excavaciones sistemáticas. Justo en el punto donde convergen los accesos principales de la ciudadela, una localización estratégica que sugiere que aquel espacio no solo tenía una función funeraria, sino también simbólica y ceremonial.

La tumba, construida en piedra y con forma de herradura o planta en "U", estaba sobre una plataforma elevada a la que se accedía mediante dos peldaños. Dentro, los arqueólogos encontraron los restos de cinco personas: cuatro adultos y un infante. Pero lo más intrigante no fue el número de cuerpos, sino la manera en la que estaban colocados.

Uno de los esqueletos apareció sobre otros restos óseos previos, algo que, según los investigadores, podría indicar que el recinto funerario fue reutilizado en distintos momentos. Por lo tanto, aquella tumba no habría sido un enterramiento único, sino un espacio ritual vivo, modificado con el tiempo y posiblemente vinculado a prácticas espirituales complejas.

Gobierno de Perú

Es, precisamente, en este punto donde el hallazgo se vuelve especialmente fascinante. Porque más allá de la imagen romántica que podemos tener de una tumba antigua, lo que los arqueólogos creen haber encontrado son pistas sobre cómo las sociedades andinas entendían la memoria, la muerte y la conexión entre generaciones.

Entre las ofrendas ceremoniales aparecieron piezas de cerámica inspiradas en frutos y elementos vegetales, además de una paccha fitomorfa (una vasija ritual utilizada en ceremonias vinculadas al agua y la fertilidad) con forma de pacay, una fruta típica de la región andina. También se halló un objeto tallado en hueso con un rostro humano estilizado y tocado chachapoya (utilizados por la élite, sacerdotes y guerreros de esta cultura), junto a fragmentos de conchas Spondylus, morteros de piedra y pequeñas piezas metálicas.

Todo esto puede sonar muy técnico hasta que uno recuerda que, en muchas culturas prehispánicas, las ofrendas funerarias no eran simples adornos para acompañar a los muertos. Funcionaban como símbolos espirituales, objetos de tránsito y elementos profundamente ligados a la idea de continuidad entre el mundo terrenal y el más allá.

Jorge Gobbi

Los expertos creen, además, que varios de los objetos encontrados reflejan una interacción cultural entre los chachapoyas (la civilización que construyó Kuélap) y el Imperio inca durante el llamado Horizonte Tardío, el periodo comprendido entre 1470 y 1532 d.C. Es decir: la tumba podría contar no solo una historia sobre rituales funerarios, sino también sobre mestizaje cultural, dominación política e intercambio simbólico en los últimos años antes de la llegada de los españoles.

No obstante, si algo nos demuestra este descubrimiento es que todavía quedan muchísimas historias enterradas bajo lugares que creíamos conocer. Cada nuevo hallazgo parece demostrar que todavía sabemos muy poco sobre las sociedades que habitaron los Andes antes de la colonización. De este modo, mientras buena parte del turismo global sigue obsesionado con los destinos instagrameables, la arqueología continúa recordándonos que algunos de los relatos más impresionantes no están en las tendencias virales, sino bajo capas de tierra, piedra y silencio acumuladas durante siglos. 

Foto de portada | Andreas

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En 1936 Federico García Lorca empezó a escribir ‘La bola negra’. Su historia comienza con una conversación en la que un joven adinerado le cuenta a su padre que ha intentado entrar en un casino de Granada en el que los socios votan si entras o no con bolas blancas y negras. El protagonista era gay y según el comité, era "un secreto a voces". Los votos fueron bolas negras que no le dejaron pasar. Lorca no pudo terminar esta obra de la que solo se conservan las cuatro primeras páginas. Lorca fue fusilado por el régimen franquista ese mismo verano. 

Así se convirtió en la obra inacabada de un autor asesinado en la que su protagonista era abiertamente gay, el primer relato de ese tipo en la literatura española. ‘La bola negra’, que les ha valido a Los Javis el premio a mejor dirección y se ha convertido en una de las mejores películas en la 79ª edición del festival, es “una especie de retroficción y periodismo de investigación” como dice el crítico Alejandro G. Calvo, y termina esa historia inacabada del mayor poeta español de la historia. Eso ha puesto sobre la mesa una incómoda realidad, porque noventa años de silencio no son un accidente. 

‘La bola negra’ de Los Javis, un síntoma cultural

Para construir la película, Los Javis recurrieron a ‘La piedra oscura’ de Alberto Conejero, ganadora del Premio Nacional de Literatura Dramática, una obra de teatro que fue un primer intento de terminar la historia de Lorca. ‘La bola negra’ utiliza una estructura de tres tiempos que nos lleva a 1932, 1937 y 2017. Esa cronología es, en sí misma, una tesis sobre cómo funciona la memoria en España y una declaración política.

La película no cuenta solo la historia que empezó Lorca sino que hace una revisión en tres tiempos que llega hasta el presente, y eso es una forma de reflejar nuestra relación con el pasado. Nos lleva a la República, la Guerra Civil y el presente como partes de una misma herida no interrumpida que choca frontalmente con la idea que España tiene de su propia historia, llena de vacíos. La Ley de Memoria Democrática tenía como objetivo, entre otras cosas, rehabilitar la memoria de las víctimas de la dictadura franquista y retirar los últimos símbolos del régimen del espacio público, pero desde que se aprobó en octubre de 2022, ha sido un campo de batalla político de la que Vox llegó a decir que ofrecía "una visión sectaria de la historia". 

Que un jurado internacional premie una película sobre la represión homosexual en la España del siglo XX, mientras nosotros mismos continuamos con el debate sobre si esa represión merece ser recordada institucionalmente o no es, cuanto menos, curioso, pero no es la primera vez que ocurre. Almodóvar tardó décadas en conseguir el reconocimiento con la misma intensidad que en el extranjero. El propio Lorca es hoy más icono universal que nunca, aunque en España su historia parece querer seguir oculta.

En Cannes ‘La bola negra' no ha sido solo una buena película que se ha llevado una ovación de 20 minutos. Es un relato épico, una visión de una historia oculta y una herramienta necesaria. "Se está intentando poner de moda el fascismo, nuestro deber es que no suceda emocionando a la gente", como afirmaba Javier Calvo. 

El trabajo de Los Javis con la historia de España no ha empezado con Lorca. Su serie sobre Cristina Ortiz, La Veneno, era un reflejo de la identidad LGTBIQ+ española y una forma de demostrar que cualquier vida merece ser narrada con rigor y emoción, independientemente de la orientación sexual del personaje histórico. Con ‘La bola negra’, como bien explicaba Ambrossi al recoger el premio en Cannes, “la única forma de honrar el sufrimiento y el silencio de las personas LGTBIQ que les precedieron es asegurarse de que las siguientes generaciones tengan más libertad”.

Esas primeras cuatro páginas de Lorca no han sido terminadas por Los Javis, sino expandidas como una forma de entender la memoria histórica que va más allá de la reparación legal. No se trata únicamente de rescatar lo que fue enterrado y obligado a olvidarse, sino de hacer algo con ello. La bola negra que comenzó a rodar en 1936 con Lorca, ha sido recogida por Los Javis 90 años más tarde, quizá en el momento en que más necesitamos que el pasado nos recuerde aquellos errores que no deberíamos volver a cometer. 

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Fotos | Marco Barada (Cortesía de Movistar Plus), La bola negra (Movistar Plus)

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Es el año 1918 y alguien camina por uno de los parques del Bronx, Van Cortlandt Park. Elene Foster, periodista del New York Tribune aseguraba en la edición del 28 de abril de ese año que caminando entre extrañas rocas y tierra, tropezó con un montículo de hierba “crujió al pisarlo y se elevó ante mí”. No es un reportaje de Cuarto Milenio sino la olvidada historia de un grupo de artistas femeninas que aprendió a volverse invisible para que otros pudieran sobrevivir.

El camuflaje moderno tiene nombre de mujer

Antes de la Primera Guerra Mundial, los uniformes militares eran vistosos porque, como ocurre con el plumaje de las aves, lo que buscaban era demostrar poder. Pero cuando las armas de larga distancia y los aviones de combate aparecieron, lo mejor era pasar desapercibidos y es ahí donde entran los artistas del camuflaje. 

El camuflaje no es otra cosa que una cuestión de percepción y los artistas son expertos en ella, por eso no es de extrañar que naciera de un retratista, Lucien Victor Guirand De Scévola en Francia. Fue en Europa donde las primeras mujeres empezaron a trabajar en el camuflaje en el estudio del pintor Norman Wilkinson con el dazzle camouflage. Desde la primavera de 1917 a noviembre de 1918 las mujeres de su equipo habían decorado más de 2.300 embarcaciones de la Royal Navy con ese camuflaje. En Francia, miles de mujeres trabajaban como camoufleurs para el ejército aliado, y en Estados Unidos, también fueron ellas las encargadas de esconder a plena vista aquello que no debía ser visto por el enemigo. 

Curiosamente, las primeras mujeres que se presentaron voluntarias para trabajar en camuflaje fueron rechazadas por el ejército. Sabes por qué, no necesitas que te explique que al principio de la guerra se seguía creyendo que las mujeres debían estar en sus casitas, haciendo de tradwives. Pero ellos fueron al frente y ellas ocuparon puestos de trabajo tradicionalmente masculinos porque no había nadie más que pudiera hacerlo. Se convirtieron en mecánicas de aviones, trabajaban en la industria armamentística, se encargaban de las centralitas y sostenían a la vez a sus familias. Hubo corresponsales, médicas y enfermeras que llegaron a líneas enemigas.

A medida que los hombres partían a Europa, alguien tenía que ocupar también su sitio en los talleres de camuflaje, así que esa primera negativa machista se transformó por culpa de la necesidad. Los periódicos anunciaron que el ejército necesitaba artistas para incorporarse a una escuela de formación especializada. Setenta y cinco mujeres se habían apuntado. Llegaban hasta cuatro nuevas al día. El curso de camuflaje duraría seis meses y después, unas cuarenta artistas de Nueva York y Filadelfia formarían las Women’s Reserve Camouflage Corps, el Cuerpo de Camuflaje de la Reserva Femenina.

El arte de la guerra y de aprender a desaparecer

En su entrenamiento trabajaron el camuflaje de ocultación, es decir hacer que algo o alguien dejase de existir a ojos del enemigo. Diseñaron el "traje de roca", que hacía indetectable a quien lo llevara a diez metros de distancia. También el "traje de observación" que les permitía mimetizarse con el cielo, y si se daban la vuelta, confundirse con la nieve. Van Cortlandt Park se convirtió en su laboratorio y eran ellas mismas las que probaban si el traje funcionaba. 

Las fotografías de los Archivos Nacionales Richard Green reflejan su trabajo y como en un busca a Wally, ver las imágenes y tratar de descubrir dónde estaban esas mujeres, parece un juego. 

Tienes que saber lo que estás buscando para encontrar a la artista en esta foto

Pasaban horas entre las rocas y los árboles, inmóviles, observadas por otras compañeras que evaluaban si el traje funcionaba. Lo curioso es que la policía del parque estaba al tanto de los experimentos pero, como recogía Foster en su artículo, algunos agentes confesaban que rara vez conseguían localizarlas.

En la imagen de la izquierda una de las mujeres está camuflada, como puedes ver en la imagen de la derecha cuando se pone de pie y por fin la vemos

Además de los trajes de camuflaje de ocultación, las artistas también trabajaban con el dazzle camouflage o camuflaje deslumbrante, uno cuyo objetivo era confundir y que se usaba sobre los barcos como ya se había hecho en Francia. Se aplicó a más de 1.250 embarcaciones estadounidenses, pero necesitaban practicar a escala real, así que lo hicieron en Nueva York. Camuflaron una ambulancia y un tanque en los escalones de la Biblioteca Pública de Nueva York. Pintaron el quiosco de Bonos de Guerra en la esquina de Broadway con la calle 43 con patrones geométricos.

El más espectacular fue en el centro de Union Square, donde pintaron un barco de guerra, el USS Recruit. Esta estructura de madera tenía forma de acorazado y funcionaba como oficina de alistamiento.

Al terminar la guerra, el cuerpo desapareció y ellas fueron olvidadas durante décadas, aunque algunas volvieron a trabajar al llegar la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, las fotografías de todo ese trabajo se quedaron en los Archivos Nacionales de Estados Unidos cogiendo polvo. Durante un proyecto de la Administración Nacional para digitalizar películas y fotografías de la Primera Guerra Mundial, el trabajo olvidado de estas mujeres vio la luz de nuevo. 

Las olvidadas ocupan ahora un lugar en la historia. El que siempre tuvieron pero que se silenció durante años. 

Fotos | American Unofficial Collection of World War I Photographs, 

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A pesar de haber tenido una de las temáticas más libres (y, por lo tanto, que podría haber dado más juego) que se recuerdan, la gala MET de 2026 ha estado marcada por la polémica, sobre todo desde que se supo que Jeff Bezos sería el patrocinador más importante del evento. "La moda es arte" es un tema súper genérico en el que ya advertimos que podría pasar cualquier cosa: la primera idea que nos viene a todos a la cabeza es recrear, a través del atuendo, obras de arte clásicas y modernas. Y ellas son las que mejor lo han hecho esta noche.

Heidi Klum recrea la 'Vestal velada', de Raffaelle Monti

Comenzamos fuerte con la que posiblemente sea la mejor recreación de toda la noche, y es que Heidi Klum nunca decepciona cuando se trata de vestuario. La Vestal velada es una escultura del milanés Raffaelle Monti, creada a petición de Guillermo Jorge Spencer Cavendish, sexto duque de Devonshire y que ahora se encuentra en la Casa de Chatsworth. Además de esta obra, Monti también creó otros bustos muy parecidos, un tema recurrente en toda su obra.

La escultura representa a una sacerdotisa virgen romana consagrada a la diosa Vesta, la diosa del fuego y del hogar. Su rostro queda cubierto por un velo que representa la pureza y la castidad. Las vírgenes vestales, además, en la antigua Roma, gozaban de un estatus sagrado, muy superior al de la mayoría de mujeres de la época.

La obra pertenece al neoclasicismo, un momento de la historia del arte en el que se vuelven a retomar los temas de la antigua Grecia y Roma, así como las técnicas que habíamos visto en el pasado. En la Vestal velada de Raffaelle Monti podemos ver una recreación de la técnica de los paños mojados que se creó y popularizó por el griego Fidias en el siglo V a.C.

Madonna recrea 'La tentación de san Antonio', de Leonora Carrington

Del pasado viajamos casi casi hasta nuestros días: Madonna eligió recrear la obra de una mujer, Leonora Carrington, que vivió durante los siglos XX y XXI (murió hace bien poco, en 2011). Además de la declaración de intenciones al elegir una de las pocas artistas reconocidas que nos ha dado la historia del arte (hago hincapié en "reconocidas", porque estar, estaban), Madonna con su atuendo ha recreado la tentación de la lujuria, encarnada por una mujer, ella misma, portando una trompa.

Las tentaciones de San Antonio Abad son un tema muy recurrente durante la historia del arte: si habéis estado en el Museo del Prado, seguramente habréis visto el tríptico de El Bosco dedicado a esta temática, y sin duda conoceréis el cuadro homónimo de Dalí (el del caballo y los elefantes con las patas larguísimas). Este episodio cuenta cómo Antonio Abad, antes de ser santo, tuvo que enfrentarse a diferentes tentaciones en el desierto de Egipto y cómo las superó gracias a la oración.

La obra de Leonora Carrington se engloba dentro del surrealismo; no en vano, su pareja, de quien sin duda recibió y ejerció influencia, fue el artista Max Ernst, una de las figuras más importantes tanto del surrealismo como del dadaísmo. La pintura quiere recordar también a las pinturas flamencas por su naturalismo y su forma característica de retratar la naturaleza.

Kendall Jenner recrea a 'La Victoria de Samotracia'

Viaje al pasado de nuevo a través del atuendo de Kendall Jenner, que decidió recrear una de las obras más reconocibles de toda la historia del arte: la Victoria alada de Samotracia, que se encuentra en la escalera del Museo del Louvre, en París. Una elección clasicona, pero muy bien ejecutada, que nos transporta a esa época clásica, con su canon de belleza tradicional.

Para ubicarnos, la Victoria alada de Samotracia pertenece al período helenístico (justo después de la Grecia clásica) y pertenece a la escuela de Rodas. La escultura está colocada sobre la proa de un barco, ofreciéndole un lugar desde el que justificar el dramatismo de su postura y sus ropajes.

Si os fijáis, veréis que también esta escultura está realizada con la técnica de los paños mojados de Fidias de la que hablábamos antes, aunque esta es un poco más tardía, alrededor del siglo II a.C. La victoria o Niké da un paso al frente y abre sus alas mientras el viento pega los ropajes a su cuerpo, dejando entrever las formas corporales debajo de las telas.

Rachel Zegler recrea 'La ejecución de Lady Jane Grey', de Paul Delaroche

Y de la Grecia clásica pasamos al romanticismo, porque Rachel Zegler eligió recrear, con muy buen gusto, 'La ejecución de Lady Jane Grey', obra del pintor francés Paul Delaroche que podemos disfrutar en la National Gallery de Londres. Una elección curiosa, cuanto menos, si tenemos en cuenta quién fue Lady Jane Grey y qué supuso para la historia inglesa.

Lady Jane Grey fue una de las reinas más breves de la historia de Inglaterra, y de la historia en general: tan solo reinó durante nueve días, del 10 al 19 de julio de 1553. Fue nombrada, contra su voluntad, heredera del rey Eduardo VI para evitar así que María Tudor accediera al trono. Sin embargo, pocos días después María Tudor reclamó el trono inglés con apoyo popular y Lady Jane Grey tuvo que aceptar su funesto destino siendo ejecutada en la torre de Londres. Se lleva consigo el título de la primera mujer que reinó en Inglaterra, aunque fuese de forma breve.

El romanticismo fue una época en la que el dramatismo lo llenaba todo: desde los paisajes de una naturaleza todopoderosa (seguramente tenéis en mente 'El caminante sobre el mar de nubes' de Friedrich) hasta los sucesos políticos tanto del pasado, como es el caso de la ejecución de Lady Jane Grey, como del momento presente (solo hace falta recordar 'La Libertad guiando al pueblo' de Delacroix). Dentro de esta obra de Delaroche merece la pena fijarnos en la ejecución de las telas que visten los personajes: cómo el raso del vestido de Jane grey brilla y podemos casi acariciar su suavidad con la punta de nuestros dedos, cómo contrasta con el abrigo de piel del hombre que la guía para colocar la cabeza sobre la pieza de madera.

Emma Chamberlain recrea 'El Jardín de Arlés', de Van Gogh

Y cerramos con un clásico del arte contemporáneo que no podía faltar en una gala Met dedicada al arte: 'El jardín de Arlés', de Vincent Van Gogh, fue la obra elegida para inspirar el vestido de la californiana Emma Chamberlain. Una elección clásica, pero que de la mano de Mugler dio lugar a uno de los mejores vestidos de la noche.

'El jardín de Arlés', actualmente en el Kunstmuseum Den Haag, en La Haya, representa al 100% el espíritu de Van Gogh: el cuadro respira a través de los colores representado un jardín cuajado de flores en clave impresionista, que quiere recordar incluso un poco al puntillismo de Seurat. La luminosidad del Mediterráneo llena toda la obra y refleja el juego de colores del jardín de esta ciudad en la que Van Gogh vivió y que retrató en numerosas ocasiones.

El padre de Emma Chamberlain, que ayer ejerció de corresponsal de Vogue en la gala, es acuarelista y pintor, de modo que la elección de recrear un Van Gogh no podría ser más acertada y, en cierto modo, un homenaje a su padre. La referencia del vestido, según ha contado ella misma, fueron obras de Van Gogh y Munch, y la pieza fue personalizada por Miguel Castro Freitas, director creativo de la marca.

Imágenes | Gtres

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Durante siglos, el conocimiento no se perdió únicamente en incendios épicos ni en saqueos cinematográficos. A veces bastó con algo mucho más ¿práctico? como una rasqueta, un pergamino caro y la necesidad de escribir encima. La última prueba acaba de aparecer en una vitrina del Museo de Bellas Artes de Blois, en Francia. 

En este museo de provincia es donde ha sido localizada una de las páginas desaparecidas del llamado Palimpsesto de Arquímedes. Se trata de la página 123 y contiene fragmentos de 'Sobre la esfera y el cilindro', uno de los tratados del matemático griego. No obstante, la importancia de esta historia radica en todo lo que sucedió antes y en por que, en primera instancia, esa página no debería haber estado perdida.

Antes de Newton, antes de todo

Mucho antes de que figuras como Isaac Newton o Gottfried Wilhelm Leibniz desarrollaran el cálculo infinitesimal, Arquímedes ya había jugado en esa liga. En el siglo II a. C., desarrolló métodos para calcular áreas, volúmenes y relaciones geométricas con una precisión que hoy asociamos a matemáticas mucho más tardías. 

The Walters Museum

En ese mismo corpus aparecían ideas que anticipaba la base de lo que muchos siglos después partirían la programación, la estadística o incluso la inteligencia artificial. Por lo tanto, no es una exageración decir que parte de la ingeniería moderna (desde puentes y rascacielos hasta las trayectorias espaciales) se la debemos a conceptos que él ya había intuido. Sin embargo, durante siglos, ni siquiera lo supimos.

El día que alguien decidió borrar a Arquímedes

En algún momento de la Edad Media, probablemente en Constantinopla, unos monjes cogieron ese manuscrito y lo convirtieron en otra cosa. Esto quiere decir literalmente que rasparon el texto original para reutilizarlo y escribieron encima oraciones. No fue un acto de censura ni de desprecio intelectual. Fue reciclaje o reaprovechamiento de recursos. 

En aquella época, el pergamino era caro, escaso y reutilizable. Y, de hecho, esa práctica era tan común que tenía nombre: palimpsesto. Así nació el Palimpsesto de Arquímedes: un libro de rezos que debajo escondía uno de los textos científicos más avanzados de la Antigüedad.

The Walters Museum

Un descubrimiento tardío (y casi accidental)

En 1906, el filólogo danés Johan Ludvig Heiberg se topó con ese manuscrito y se dio cuenta de que algo no encajaba. Bajo el escrito religioso detectó trazos geométricos, letras antiguas y matemáticas. Lo documentó gráficamente, pero todavía tendría que pasar más tiempo para que el misterio de su contenido se resolviera.

En 1998, tras haber desaparecido en colecciones privadas y reaparecer en una subasta en Nueva York, la ciencia pudo leer el borrado con luz ultravioleta, infrarroja y rayos X. De este modo, los investigadores empezaron a reconstruir el texto original.

Lo que apareció fue 'El Método de los Teoremas Mecánicos', una obra que no descubrió nada nuevo para entonces, pero que cambió la forma de entender la historia de las matemáticas. 

La página 123: lo que se recupera y lo que falta

El hallazgo en Blois confirma algo que inquieta tanto como fascina a investigadores y expertos: el manuscrito sigue incompleto. De las tres páginas que se saben desaparecidas, solo una ha reaparecido este año.

Pudieron identificarla comparándola con las fotografías tomadas en 1906, antes de que el libro desapareciera en manos privadas. En una de sus caras, el texto matemático sobrevive parcialmente, cubierto por oraciones. En la otra, una ilustración añadida en el siglo XX (el profeta Daniel entre leones) oculta lo que aún no se puede leer. Los investigadores van a usar ahora técnicas de imagen multiespectral y fluorescencia de rayos X para intentar recuperar este texto oculto. 

Además de ser arqueológica, la historia del 'Palimpsesto de Arquímedes' se vuelve casi filosófica cuando uno se da cuenta de todo lo que puede haberse perdido en otros pergaminos reutilizados y textos borrados sin saber qué contenían en bibliotecas olvidadas. Tal vez, parte del conocimiento que hoy celebramos como "descubrimiento" podría haber sido también un redescubrimiento con siglos de retraso.

Foto de portada | Darran Shen 

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Una familia vive aislada en el bosque sin contacto con nadie. Estamos en Siberia a mediados de los años 30 y, para todos sus miembros, pasan más de cuarenta años como si el mundo se hubiera detenido. Parece el argumento de una película (más concretamente, 'El bosque' de M. Night Shyamalan), pero no estamos hablando de ninguna ficción...

Se trata de la vida real de los Lykov, una familia que de verdad habitó la taiga siberiana completamente aislada de la civilización. Sin radio, sin electricidad, sin noticias y, por lo tanto, sin enterarse de que había estallado una guerra mundial y sin saber que el ser humano había llegado a la Luna. 

Una huida sin vuelta atrás

Corre el año 1936 cuando Rusia se enfrenta a una purga. en este contexto histórico, una patrulla bolchevique dispara y mata al hermano de Karp Lykov, un hombre que pertenece a los llamados "viejos creyentes", una rama del cristianismo ortodoxo que se opone a las reformas realizadas por la iglesia. En ese momento, Karp entiende que el siguiente puede ser él, pero no quiere esperar a comprobarlo y decide desaparecer.

Coge a su mujer, Akulina, a sus dos hijos pequeños y lo poco que tenía (algo de ropa, utensilios básicos y semillas) y se internan en el bosque. No tenían ningún plan, solo un objetivo: alejarse lo suficiente como para no ser encontrados nunca. Y vaya si lo consiguieron...

Se adentraron en la taiga, un territorio conocido también como bosque boreal, un territorio inmenso y hostil del sur de Siberia, donde los inviernos son extremadamente largos y fríos (hasta -50°C), y el asentamiento humano más cercano quedaba a cientos de kilómetros. Allí construyeron una cabaña y empezaron otra vida.

Vivir sin recordar que el mundo existe

Mientras en el resto de Europa tenía lugar la sangrienta Segunda Guerra Mundial, los Lykov plantaban patatas. Mientras se inventaba la televisión, ellos cosían su ropa con cáñamo. Mientras el hombre pisaba la Luna, ellos observaban el firmamento completamente a oscuras, por el que se movían "estrellas" extrañas.

Su realidad era otra. Más pequeña, más dura y completamente autosuficiente. Cultivaban lo justo para sobrevivir, cazaban cuando podían y reutilizaban todo hasta el límite. Cuando se quedaron sin zapatos, fabricaron otros con corteza de árbol y cuando se acabaron las ollas, cocinar se volvió un problema.

Hubo años de hambre. Dos hijos que nacieron en la cabaña. Años en los que tenían que decidir si comer ahora o guardar semillas para el próximo invierno. De hecho, en uno de esos inviernos, Akulina murió de inanición por garantizar la comida de sus hijos. Hijos a los que criaron haciéndoles creer que no había nada más allá del bosque y que adentrarse en él podía suponer la muerte de toda la familia.

Un descubrimiento de película

En 1978, cuatro geólogos sobrevolaban la zona en helicóptero buscando posibles yacimientos de minería, petróleo y gas natural. Lo último que esperaban encontrar era un huerto. Y después, una cabaña. Cuando descendieron y se acercaron, apareció un hombre con una barba larguísima y visiblemente desconfiado. Era Karp, pero no huyó. Tampoco entendía muy bien quiénes eran esos desconocidos. Les dejó entrar y lo que encontraron dentro no era solo una familia, era casi una cápsula del tiempo.

El interior de la cabaña se había quedado detenido en otra época con sus utensilios rudimentarios y una ausencia total de cualquier objeto moderno. Pero, sobre todo, un lugar en cuyas paredes resonaba una forma de hablar extraña, un ruso deformado por décadas de aislamiento. Pero lo más impactante vino después.

Cuando los geólogos les contaron lo que había pasado en el mundo (la guerra, los avances tecnológicos, los viajes espaciales), los Lykov intentaron encajarlo como pudieron. Los satélites, por ejemplo, no les resultaban del todo ajenos: pensaban que eran estrellas que se movían más rápido de lo normal. La televisión los fascinó.

El choque con la realidad (y sus consecuencias)

A partir de ese momento, el aislamiento se rompió. Poco a poco, empezaron a recibir visitas, ayuda y objetos básicos. Entre ellos, algo tan simple como la sal, que Karp describió como una de las cosas que más había echado de menos en todos esos años de aislamiento. Pero el contacto también tuvo un coste.

En 1981, tres de los hijos murieron en pocos días, afectados por enfermedades relacionadas con la malnutrición y su débil estado físico tras décadas de privaciones. El padre también murió unos años después. Solo quedó Agafia, que se convirtió en la última Lykov. Para sorpresa de todo el mundo, decidió quedarse en el único entorno que conocía: la taiga. Tuvo la opción de integrarse en la civilización, de abandonar el bosque, de empezar una vida distinta pero ha seguido viviendo allí, en condiciones extremas tal y como aprendió desde niña.

Eso sí, hace visitas esporádicas a la civilización, pero sin renunciar nunca del todo a ese aislamiento que ha definido su existencia. Actualmente, es octogenaria y más que una ermitaña cualquiera, es conocida como "la mujer más solitaria del mundo". 

Fotos | Wikimedia commons

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En el pleno 2020, mientras algunas nos pasábamos ese periodo de cuarentena a causa del la Covid-19 haciendo ejercicios de pilates en el salón de casa y horneando galletas y demás postres, hubo quienes decidieron tomarse esos meses para ordenar a fondo sus casas. Fue el caso de Charlotte Meyer, una mujer holandesa que dio en mitad de una de sus jornadas de limpieza intensiva en su hogar con una carpeta con grabados que habían pertenecido a la familia durante aproximadamente un siglo.

Lo curioso es que no se trataba de una carpeta con un par de dibujos cualquiera, sino que contenía 35 grabados creados por el conocido pintor holandés del siglo XVII, Rembrandt Van Rijn. Resulta que ese conjunto de folios había sido reunido entre 1900 y 1920, pero Meyer dudaba de que fueran auténticos. Y es que el mercado del arte está lleno de atribuciones erróneas y falsificaciones, especialmente en el ámbito del grabado antiguo. Pero este no es el caso porque cuando por fin se decidió a contactar este año con los especialistas del Museo Stedelijk de Ámsterdam no había dudas: eran obras reales.

Grabado de Rembrandt Van Rijn

Como le explicaba Meyer a Omroep Gelderland , según una traducción de NL Times: "En aquella época, a nadie le interesaban los grabados. No tenían nada de especial. Por solo unos pocos florines, mi abuelo compró 35 diferentes". A día de hoy estas piezas poseen un valor escandalosamente alto y eso no solo se debe a la magnitud de la figura de Rembradt en el universo del arte. 

El museo Rijksmuseum insiste en que esto se debe a que el artista realizó cerca de 300 grabados a lo largo de su vida, utilizando técnicas como el aguafuerte, la punta seca y el buril. Lo innovador no era solo la técnica, sino su enfoque: modificaba las planchas repetidamente, creando diferentes estados de una misma obra. Haciendo de ello algo único.

Grabado de Rembrandt Van Rijn

Es cierto que Meyer no ha confirmado en ningún momento el valor real de esos grabados, pero basta que nos fijemos en otras obras de Rembrandt como el retrato de Arnout Tholinx, de 1656 que se vendió en diciembre de 2025 en la casa de subastas Christie's por 3,1 millones de libras, estableciendo un récord de dinero fijado para un grabado de un pintor antiguo.

Gracias a este hallazgo el Museo Stedelijk de Zutphen expone desde este marzo, una selección de piezas de Rembrandt en la que se incluyen los 35 grabados originales que descubrió Meyer. El título de la exposición es de lo más sombólico: “Rembrandt, de la oscuridad a la luz”. La muestra no solo reúne obra gráfica, sino que también propone una lectura simbólica del trabajo del artista, centrada en su uso del claroscuro y la narrativa religiosa y cotidiana. Si haces una escapada a Zutphen en Países Bajos, sí o sí tienes que ir a su museo municipal de arte e historia y disfrutar de esta exposición.

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El castillo de Marienburg se encuentra en municipio de Pattensen, en la Baja Sajonia de Alemania y su tamaño es uno de los atractivos principales. Es que no estamos hablando de un perímetro cualquiera, sino de unas 21 hectáreas de superficie, lo que equivale a 168 piscinas olímpicas. Al tratarse de un spot tan alejado en el mapa de nuestro país, muchas de nosotras desconocíamos su existencia, pero lo cierto es que es Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO desde 1997 y un lugar de ensueño para visitar al menos una vez en la vida. 

Lo han denominado en varias ocasiones como el castillo más grande del mundo, pero no siempre ha sido un castillo. De hecho, originalmente era un monasterio fortificado. Si duda, la historia que alberga tras de sí es de lo más curiosa. Fue construido en el siglo XIII por los Caballeros Teutónicos, una orden religiosa católica romana y se convirtió en la sede del gobierno de todo el estado de la Orden. En 1309, El Gran Maestre Siegfried von Feuchtwangen trasladó su sede de Venecia a este lugar y durante los siglos XIV y XV Marienburg se conviertió en un símbolo del poder de la Orden Teutónica.

Los días del castillo como Orden religiosa acabaron tras derrota de los Caballeros Teutónicos en la batalla de Tannenberg en 1410. En 1457, unos mercenarios vendieron el castillo al rey de Polonia y desde entonces fue la residencia por excelencia de los gobernantes polacos. De monasterio a castillo, así fue su gran cambio, aunque posteriormente, cayó en manos del gobierno prusiano convirtiéndose en un cuartel militar y luego vinieron años y años de absoluto abandono.

En el siglo XIX todo cambia debido al auge del romanticismo y el interés por la Edad Media. Los poetas e historiadores románticos son los que se encargan de redescubrir el castillo abriendo las puertas al arte en esta fortaleza y dando lugar a una de las grandes restauraciones del lugar. La figura de Conrad Steinbrecht fue clave para ello, un arquitecto que se encargó de poner en marcha la reparación integral del castillo con un resultado de ensueño, el cual se alargó hasta 1918.

Este castillo no se libró, por supuesto, de La Segunda Guerra Mundial ya que sufrió también numerosos bombardeos, dejando el lugar reducido a unas ruinas. En los años 50 empezó su gran resurgir y podríamos decir que lo que ves reconstruido a día de hoy estuvo, literalmente, destruido hace no tanto. Actualmente es un museo histórico, además del escenario de una de las series adolescentes que más han triunfado estos últimos años. Sí, estamos hablando del famoso internado de James y Ruby, de la producción de Prime Video 'Maxton Hall'.

No solo un súper castillo: lo que no te puedes perder en los alrededores

Es un spot que merece la pena ser visitado, porque sí, ahora puedes marcarte un día de turismo entre las paredes de esta fortaleza. Eso sí, el pequeño municipio al sur de Hannover en el que se encuentra, tiene más cosas que ver que este castillo. Ya que pisas esta zona de Alemania, puedes disfrutar tranquilamente de una combinación de su naturaleza e historia, que es una gran maravilla.

Nosotras te recomendamos escaparte un fin de semana Pattensen y empezar el plan por el Castillo de Marienburg. Aunque lo interesante, más allá de esta fortaleza neogótica, son es ese paisaje bañado por colinas suaves, caminos rurales y campos infinitos caminar sin rumbo. Lo mejor es su ubicación: en menos de 20 minutos puedes cambiar completamente de escenario y pasear junto al lago Maschsee en Hannover o improvisar una ruta por pueblos cercanos que mantienen ese aire tranquilo y auténtico.

Luego está la parte que es nuestra favorita de cualquier viaje: la gastronomía local. Para una comida especial, el Schloss Restaurant Marienburg es una apuesta segura, con cocina alemana y vistas que hacen que de esta escapada una auténtica fantasía. Eso sí, si buscas un ambiente más relajado, Taverna Asteria tiene ese contraste mediterráneo inesperado en mitad de Baja Sajonia. Sin duda, fin de semana sacado de un auténtico cuento de hadas.

Fotos | Wikmedia, Prime Video

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Ver 'Love Story' en Disney+ es querer saber más y empezar a descender por una madriguera donde el glamour, la tragedia y el poder siempre parecen esconder algo más de lo que parece. Porque detrás de las fotos perfectas, los discursos históricos y las historias de amor de película, los Kennedy han construido un relato tan fascinante que supera la ficción.

Si además de quedarte prendada del estilo noventero de Carolyn Bessette te has quedado con ganas de rascar bajo la superficie y entender qué hay detrás del mito de John F. Kennedy Jr.ue, quiénes fueron realmente sus protagonistas y qué papel jugaron las mujeres en esa historia, hay libros en español para ampliar la narrativa. 

Desde biografías que desmontan al héroe hasta testimonios que revelan las grietas de una familia aparentemente intocable, esta selección reúne cinco lecturas que convierten el fenómeno Kennedy en algo mucho más adictivo que cualquier miniserie.

'No preguntes: Los Kennedy y las mujeres a las que destruyeron', Maureen Callaham

Un libro que desmonta el mito de los Kennedy como sinónimo de riqueza, poder, glamour e integridad. Por el contrario, revela el lado más oscuro de una de las familias más poderosas de Estados Unidos. A través de décadas de escándalos (agresiones, encubrimientos, suicidios y muertes), la periodista Maureen Callahan expone un patrón de abuso y silencio sistemático, poniendo por fin en el centro a las mujeres que giraron en torno a los Kennedy. Rindiendo homenaje a las que se liberaron y dando voz a quienes no lograron hacerlo. 

'Los Kennedy. Mi familia', Edward M. Kennedy

En estas memorias históricas, Ted Kennedy (el menor de los nueve hijos de Joseph P. Kennedy y Rose Fitzgerald Kennedy) nos introduce en el seno de su legendaria familia, recrea la vida con sus padres y hermanos, explica la enorme influencia que ejercieron en él y describe por vez primera la angustia que sufrió tras los asesinatos de John y Robert Kennedy. Aunque este senador, que prestó un apoyo decisivo a la candidatura de Barack Obama a la presidencia, tampoco estuvo exento de la polémica, que aborda en este libro con una franqueza sin precedentes.

'J.F. Kennedy: Una vida inacabada', Robert Dallek

Una biografía que va más allá del mito de John F. Kennedy para retratar al hombre real tras el icono. Desde sus raíces irlandesas y su ascenso político hasta momentos clave como la crisis de los misiles o Bahía de Cochinos, Robert Dallek reconstruye la figura de JFK mostrando también su lado más oculto. Una salud frágil, una vida personal marcada por infidelidades y una intensidad casi temeraria al vivir, consciente de su propia fragilidad. Todo ello bajo la brillante fachada de uno de los presidentes más admirados de la historia.

'Bobby Kennedy. Un héroe entre fantasmas', Ángel Montero Lama

El 6 de junio de 1968, en la cocina del Hotel Ambassador de Los Angeles, quedaron enterradas las esperanzas de millones de norteamericanos que creían en un mundo mejor. Un mundo diferente del que les había tocado vivir. De la mano de Robert Kennedy muchos ciudadanos volvieron a creer que un lugar de paz y tolerancia era posible. Algunos pocos, sin embargo, no estaban dispuestos a pagar el precio, querían mantener sus privilegios. Ni John Kennedy ni Martin Luther King ni Robert Kennedy pudieron con ellos. Esta es la biografía del último de ellos.

'John Fitzgerald Kennedy Jr.: una vida en el centro de atención', Cristopher J. Perkins

Una biografía que se adentra en la vida de John F. Kennedy Jr. más allá de su imagen de icono, explorando el peso de crecer como hijo de un presidente asesinado y bajo el constante escrutinio público. Desde su carisma como abogado y editor hasta su mediático romance con Carolyn Bessette, el libro retrata su lucha por construir una identidad propia dentro de la dinastía Kennedy, así como sus inquietudes, contradicciones y ambiciones. Todo ello desemboca en el trágico accidente aéreo que acabó con su vida, cerrando la historia de un hombre que, más que un símbolo, intentó abrirse camino entre privilegio, presión y destino.

Foto de portada | Disney+

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¿Cuántas veces has podido contemplar 'Las meninas' en lo que llevas de vida? Se trata de algo verdaderamente incalculable y, aún así, es probable que todavía te queden detalles por descubrir de la icónica obra de Velázquez. Esta composición compleja y arriesgada con la que el pintor consiguió transmitir la sensación de realidad y vida en palacio, muestra cómo la infanta y los servidores interrumpen lo que hacen ante la aparición de los reyes. Sin embargo, menos conocido popularmente es la historia que oculta la vasija que se le ofrece a la Infanta Margarita. Y no, no está relacionada con ningún brebaje o perfume.

La cita de Góngora en una de sus letrillas: "niña de color quebrado, o tienes amor o comes barro", y la de Lope de Vega en 'La Dorotea': “¿Qué traes en esa bolsita?… Unos pedazos de búcaro que come mi señora; bien los puedes comer, que tienen ámbar” son referencias abiertas  a la bucarofagia, un hábito que se puso de moda entre las damas de la corte del siglo XVII y que consistía en ingerir barro cocido. Sí, has leído bien. Lo hacían rompiendo búcaros en pequeños pedazos o triturándolos en polvo.

La tuitera Mercedes M rescataba esta historia en un hilo de la red social ante el asombro de miles de personas que la compartían sorprendidos. "Las cerámicas de Tonalá llegaban a la corte española procedentes del Nuevo Reino de Galicia, dentro del Virreinato de Nueva España. De color rojo brillante, modeladas en formas casi imposibles, fueron uno de los objetos de lujo más demandados por excitar varios sentidos", explicaba.

Así ha quedado documentado por los historiadores, que han encontrado documentación sobre el consumo de barro en otros países desde el siglo X y que creen que llegó a España a través de los moriscos. No obstante, aunque comer arcilla como práctica medicinal había existido desde antaño, la ingesta de búcaros era algo peculiar.

Estos búcaros se fabricaban con una arcilla que al cocerse daba forma a pequeñas vasijas que impregnaban el agua de un agradable olor. Además, su  superficie bruñida era gustosa al tacto y su sonido particular. Por ello, antes de comérselos, muchas los usaban como perfumeros.

Lo habitual era que se consumiera una jarrita al día, de pequeño tamaño, como la que figura en la obra maestra de Velázquez. A la arcilla con la que estaban elaborados se le atribuían propiedades contraceptivas debido a que la obstrucción intestinal que provocaban hacía disminuir o desaparecer la menstruación.

Aunque tal era el desconocimiento en la época que se utilizó también por los motivos contrarios. Se pensaba que al disminuir la menstruación, se alargaba la ventana fértil de la mujer. Es conocido que María Luisa de Orleans la probó para aumentar su fertilidad en un intento de quedarse embarazada de Carlos II "El Hechizado", una alteración genética que lo dejó sin descendencia.

Además, provocaban clorosis, una disminución del hierro de los glóbulos rojos de la sangre, provocando una intensa palidez que era el prototipo de belleza en el Siglo de Oro en España. Tampoco ayudaban los efectos alucinógenos y narcóticos que los componentes de las vasijas provocaban, con la consiguiente dependencia como si de una droga se tratara. Y es que todo debía a un envenenamiento continuado con plomo, arsénico y otros metales presentes en arcillas y pinturas. Así que en el siglo XIX esta práctica desapareció definitivamente.

Imágenes | Museo Nacional del Prado

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