"La moda siempre vuelve" es el mantra que une a las expertas de moda y a las abuelas: lo repetimos hasta cansar a cualquiera que nos escuche, sabiendo que recibiremos miradas de aburrimiento y un 'ok, boomer' como respuesta. Sin embargo, nuestro refrán fashion favorito acaba de recibir respaldo científico de manos de la Universidad de Northwestern, que ha demostrado que las tendencias no solo regresan, lo hacen con el patrón de oro de la regla de los 20 años. 

Vuelven los pantalones capri y las rebequitas cropped.

El estudio científico ha demostrado que la moda es cíclica y responde a un modelo matemático. Para comprobarlo, los investigadores analizaron más de 37.000 diseños desde el siglo XIX hasta hoy, descomponiendo cada prenda en variables concretas: largo de los dobladillos, tipos de escote, material, siluetas, etc. El resultado ha dejado algo claro: las tendencias tienen un ciclo de vida de nacimiento, popularización, saturación del mercado y desaparición, para volver 20 años después con una nueva narrativa. 

Quiero seguir la tendencia, pero también ser diferente

Este ciclo de vida de las tendencias responde a un impulso humano casi primitivo y muy contradictorio que convive dentro de cada uno de nosotros. Por un lado, queremos pertenecer y encajar, siguiendo las tendencias más virales. Por el otro, queremos marcar la diferencia y destacar, ser de las primeras en atreverse con lo nuevo. 

El layering de tops de tirantes es el ADN de la estética dosmilera

En ese tira y afloja es donde las tendencias suben y después...cansan. Primero enamora por ser la novedad, después se democratiza y se vuelve onmipresente. Entonces deja de ser deseable para quienes buscan ir en la delantera, como diseñadores o trendsetters, que enseguida pasan a otra cosa. Y así pulsan el botón de reinicio y comienzan a encumbrar una nueva tendencia. 

Las tendencias nuevas son, más bien, viejas

Lo que los zetas llaman nuevas tendencias tienen, en realidad, más años que ellos. Y es que los diseñadores nunca parten de cero a la hora de idear novedades para nuestro armario. A menudo, revisitan los orígenes de su identidad estética desde una visión más depurada y experimentada. Por eso, las estéticas de hace 20 años como los 90s o el Y2K no solo regresan, sino que lo hacen filtradas por una mirada contemporánea. 

El chándal rosa chicle, un icono de los 2000 que encumbramos gracias a Paris Hilton

Esta nostalgia es el principal motor de la 'regla de los 20 años', pero no es el único. Se suma también la situación económica y climática que vivimos, un caldo de cultivo perfecto para que la segunda mano crezca y, con ello, prendas vintage de hace dos décadas. 

Qué se llevará en 2026 y 2027

Este estudio científico y cuantificable de la vida y muerte de las tendencias resulta fascinante, porque permite convertir algo aparentemente subjetivo, como son las estéticas o el estilo, en modelos matemáticas relativamente simples: la moda no es caos, es sistemática. Y eso explica porque nos obsesionan prendas de los 2000s en pleno 2026, pero también nos permite intuir el futuro y anticipar lo que se viene. Te lo contamos, no como adivinas, sino como expertas matemáticas. 

Pantalones que arrasarán en 2026

Los pantalones capri tienen la longitud más polémica de la industria, pero eso no les impedirá volver fuertes, en siluetas técnicas como los piratas cargo y en líneas más depuradas y francesas, como leggings ajustados. 

También vuelven los pantalones de licra ajustadísimos de campana que llevábamos a la discoteca en los 2000s. Eso sí, en una versión más cómoda hecha en malla deportiva, que sirve para el día a día y también para el gimnasio, combinando nostalgia y confort. 

Vestirse a capas: la norma dosmilera que vuelve en 2026

Vestir a capas superpuestas era una constante en nuestra época dosmilera y no solo en días de frío. Combinar un top ajustado encima de otro era el layering definitivo, con encajes asomando por el escote o diferentes grosores de tirantes superpuestos para un estilismo más elaborado. Repetiremos, porque las camisetas de tirantes spaguetti, que eran el básico definitivo en los 2000s, vuelven a ser lo más. 

Otro formato de capas que no parábamos de repetir y que tiene una vibe muy 'Hanna Montana' es llevar vestidos amplios con vaqueros debajo. Ya hemos comenzado a verlo en las calles de Copenhague entre las más atrevidas, pero a lo largo del año calará fuerte y será la tónica más habitual en el street style. 

El rosa chicle de Paris Hilton en versión depurada

El color más cursi y choni de los 2000s también regresa, pero en una versión más pulida y sofisticada. Cambiamos los pantalones de chándal de Juicy Couture por prendas con líneas depuradas y aspecto más adulto. El mejor ejemplo lo tenemos en esta chaqueta utilitaria de Pull&Bear que cuesta 39,99 euros.

La estética colegiala estará en todas partes

De hecho, ya lo está. Bella Hadid se ha encargado de ello, con faldas de tablas cortitas que están claramente inspiradas en los uniformes del colegio de nuestra infancia. Cuadros, tonos neutros y diseños de tiro bajo que las más previsoras todavía tenemos en el armario de la adolescencia. 

Lo mismo ocurre con los chalecos sartoriales, que se llevarán sin nada debajo en los estilismos más urbanos, con una camisa masculina en la oficina y con tank top de tirantes debajo para las más atrevidas, subiendo la apuesta con la tendencia de vestirse por capas que mencionamos antes. Este de 39,99 euros en Mango eleva aún más el concepto dosmilero: es rosa chicle. 

Los accesorios de los 2000s son joyas icónicas en 2026

Hay dos accesorios que completaban un look redondo hace veinte años y que volverán a hacerlo ahora. Por un lado, las plataformas exageradísimas, un guiño a la estética pop de las Spice Girls que nos subirá a las alturas de nuevo. 

Por otro lado, los bolsos de hombro estilo baguette. Sí, pero con los logos de las marcas en el epicentro de todo y ese puntito hortera a lo Georgina que veremos sin parar en las calles más estilosas de Europa. Es el statement definitivo, presumir de bolso como protagonista absoluto del estilismo. 

No es intuición, es matemática: la ciencia lo ha dictaminado. 

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Fotos | @bershka, Bershka, H&M, Pull&Bear, Mango, El Corte Inglés. 

En Trendencias | Unos vaqueros para vestir una revolución: así pasaron los Levi's de los mineros americanos a la cultura hippie y al rock & roll.

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Desde que Marta Ortega tomó el control de Inditex, las firmas del grupo español han hecho un claro intento por alejarse de las connotaciones negativas de low-cost, a golpe de desfiles, de estética lujosa y de colaboraciones de altura. Acaban de anunciar otra más y esta viene cargadita de expectativas: John Galliano regresa al mundo de la moda de la mano de Zara. 

Si la tienda museo de Barcelona no te convenció de que Zara es exclusiva, esta alianza lo hará por completo. La firma acaba de firmar un acuerdo creativo de dos años con el diseñador icónico de Dior y Maison Margiela, cuyas creaciones han perdurado a pesar de sus polémicas. 

"Galliano trabajará directamente con prendas de las pasadas temporadas de Zara, deconstruyéndolas y reconfigurándolas en nuevas expresiones y creaciones estacionales". 

Según el comunicado, el diseñador gibraltareño rescatará prendas vintage de la marca española para devolverlas al mercado con su toque personal, a través de colecciones de temporada que empezarán en septiembre de 2026. 

Fotos | @szilvesztermako para Zara.

En Trendencias | Unos vaqueros para vestir una revolución: así pasaron los Levi's de los mineros americanos a la cultura hippie y al rock & roll.

La historia de Levi's es una de las más largas y prolíferas de la industria de la moda, vistiendo desde vaqueros del Lejano Oeste hasta sufragistas, estrellas de Hollywood, hippies y leyendas del rock&roll. Por eso hace falta remontarse 150 años atrás, para comprender la profundidad e importancia de un vaquero que jamás ha sido solo un vaquero.

En Trendencias

19 momentos históricos en las que la moda ha impulsado el Feminismo

¿Quién fue Levi Strauss?

Levi Strauss (1829-1902) fue un inmigrante bávaro que llegó a San Francisco en plena fiebre del oro (1850). Allí descubrió que los mineros necesitaban pantalones resistentes y contrató a un sastre para realizar prendas con la tela de las tiendas de campaña.

Posteriormente sustituyó este tejido por denim, añadió las costuras cobre y ese pequeño bolsillo que hoy en día nadie entiende para qué sirve y que por aquel entonces guardaba a buen recaudo los relojes de bolsillo. Con este primer boceto de lo que sería la prenda americana con más éxito de la historia, Levi Strauss y sus dos hermanos fundaron la empresa en 1853 con el primer headquarters de la marca.

1873: el año en el que nacen los vaqueros azules

El 20 de mayo de 1873 nació el vaquero en color denim que todos conocemos y adoramos. Este fue el día que Levi Strauss y su socio Jacob Davis obtuvieron la patente americana en la que plasmaban el proceso de remachar los pantalones de trabajo para hacerlos más resistentes por primera vez. Y es este acto de poner remaches fue el que definió la idea de jeans que vino a continuación.

La compañía necesitaría 13 años más para dar con el logo que acompaña a los vaqueros Levi's hasta nuestros días. En 1886 se crea la insignia con los dos caballos tirando del pantalón para simbolizar la fuerza del tejido y amedrentar a los que trataran de hacerle la competencia.

La I Guerra Mundial abre el camino: todas quieren llevar pantalones

Llegamos al siglo XX y a la Gran Guerra, que obliga a todos los hombros a ir al frente y deja a las mujeres a cargo del trabajo manual. Ellas también necesitan ropa cómoda y práctica y Levi's responde a la llamada lanzando petos de una pieza llamados Freedom-Alls. Pronto se convierten en el símbolo del nuevo papel de la mujer en la sociedad.

Los primeros vaqueros femeninos son de 1934

Con la guerra terminada y sin saber que otra nueva guerra mundial acechaba en el horizonte, Levi's no quiso perder a ese nuevo público que había conseguido acaparar durante los años de lucha. La firma americana lanzó su primera colección femenina de jeans en 1934 llamada Lady Levi's y rompió barreras de género en el vestir, aunque aún harían falta dos décadas para que fuera socialmente aceptable.

"Mujeres llevando pantalones (especialmente vaqueros) era considerado inapropiado e inaceptable en la década de 1930 y 1940, con pocas excepciones." - Tracey Panek, historiador de Levi's&Co.

El éxito internacional llegó con el fin de la II Guerra Mundial

La II Guerra Mundial vino acompañada de una crisis económica sin precedentes. Todas las industrias debían ahorrar en materiales como metal, tejido o hilo para usarse en el frente. Esto también afectó a Levi's, que tuvo que reducir sus vaqueros 501 clásicos a lo más esencial: adiós a los ribeteados, dobladillos e incluso bolsillos traseros, que comenzaron a pintarse en vez de coserse (como ya se hacía con las medias).

1960: la revolución de la juventud lleva vaqueros Levi's

Con el fin de la II Guerra Mundial comienza la llamada "locura del vaquero azul" en Estados Unidos, protagonizada por los baby boomers. Una generación americana en plena prosperidad económica que tiene el tiempo y los medios para disfrutar de la buena vida y desarrollar una subcultura muy potente.

Es la revolución de la juventud, de las protestas contra la Guerra de Vietnam y los derechos humanos, de la cultura hippie y de Woodstock, el mayor escaparate que una firma podría haber soñado jamás. Porque coincide con el lanzamiento de los jeans acampanados, que nacen en 1969 e inundan el festival hippie más famoso de la historia.

1970: los vaqueros se vuelven rebeldes y el rock&roll los adopta como su uniforme

La década de los 70's viene cargada de cinismo y desencanto con los escándalos políticos y económicos que sacudieron América. Un caldo de cultivo perfecto para la revolución de los más jóvenes que vino en forma de rock&roll, punk y rebeldes en la gran pantalla. Es el gran momento de Los Ramones, de los Sex Pistols, de Marlon Brando, James Dean y Debbie Harry. Y todos llevaban vaqueros Levi's.

Una nueva era que rompe tanto con todo lo anterior requiere una nueva reinterpretación del vaquero. La firma americana percibe esta necesidad y responde con tiros bajos, diseños más ajustados y repletos de rotos y descosidos. Damos la bienvenida a los jeans 505, la versión underground de los 501.

1990: Levi's se duerme en los laureles y pierde fuerza ante la competencia

Para finales de la década de 1980 el triunfo de los vaqueros ya está más que claro y la competencia no tarda en hacer mella en las arcas de Levi's. Las firmas de lujo comienzan a fabricar jeans y surgen otras marcas más asequibles.

Levi's se refugia en su estilo vintage para mantener el tirón, lanzando reediciones de sus vaqueros clásicos con Levi's Vintage Clothing. La firma lucha por salir a flote, pero el mercado globalizado del vaquero es cada vez más duro. Levi's se ve obligada a cerrar casi todas sus fábricas en Estados Unidos.

2000: vaqueros más sostenibles tras años sin novedades

Cuesta comprender porque una firma con tantísima tralla detrás como es Levi's tardó tanto en encontrar el equilibrio entre su herencia histórica y lo que el público busca en la actualidad. En la actualidad sus vaqueros siguen siendo sinónimo de calidad y mantienen ese componente de deseo que produce la ropa vintage, pero aún luchan por competir en un mercado fast-fashion.

Una de las vías por las que han apostado es la sostenibilidad en la industria textil, buscando alternativas más seguras a los químicos que se usan en la producción de sus vaqueros o creando un sistema de compra-venta de segunda mano para evitar el desperdicio de prendas. Un camino que han continuado desde 2020.

Otro de sus ases en la manga son las licencias y colaboraciones con otras firmas, como la de Pokemon que se agotó en cuestión de horas o el acercamiento a la industria del lujo con su línea Levi's XX. Todos estos cambios responden al esfuerzo que la firma está haciendo por remontar y recuperar esa primera posición que encumbró a Levi's durante más de un siglo en lo más alto del universo denim. Y han dado sus frutos, con el regreso a bolsa de la firma tras 34 años.

2025 en adelante: Los últimos años de Levi's

En los últimos años, Levi's ha sabido aprovechar su nueva oleada de popularidad, fruto del auge de las tendencias noventeras y Y2K que han puestos sus vaqueros vintage de nuevo en el ojo del mundo fashion. Para sacar partido de este impulso, la firma se ha centrado en abrir tiendas físicas propias y alejarse del comercio multimarca en el que antes teníamos que buscar sus jeans. 

Además, ha sabido mantener la fama de sus siluetas clásicas, como los Levi's 501, pero sumando nuevos diseños más holgados y de moda a su colección, como los 555 Relaxed Straight. Sin embargo, su mayor hito ha sido pasarse a la gama alta con Blue Tab, una línea de vaqueros premium hechos en un tejido denim más caro: el selvedge japonés. De esta forma, han logrado mantener el equilibrio entre su público de siempre y uno más exclusivo que persigue el lujo silencioso. 

Fotos | Levi's.

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La RAE define cultura como el "conjunto de conocimientos que permite a alguien desarrollar su juicio crítico". Un conjunto de conocimientos en el que caben la pintura, la arquitectura, la literatura, la música, la danza... ¿Y la moda? Muchos se echarán las manos a la cabeza. "¿Moda? Por supuesto que no". Pero ¿estamos seguros? ¿Se puede ser realmente culto sin saber de moda? ¿Sin saber qué aportaron al pensamiento y el arte contemporáneo Christian Dior, Coco Chanel o Alexander McQueen? O, yendo más allá, ¿sin saber cuál es origen de las chaquetas con broches horizontales que ahora compramos en Bershka o en Mango? Los museos más importantes del mundo, que acogen exposiciones sobre moda cada vez con más frecuencia, y algunos historiadores y antropólogos nos acercan a la respuesta.

Desde el momento en que la ropa dejó de responder a una necesidad -la de cubrir nuestros cuerpos para protegernos del frío o de la desnudez- y pasó a cumplir además un objetivo estético -el de realzar la belleza de quien la viste- la naturaleza de la moda, como concepto, cambió. Los diseñadores buscaron comunicar, hacer sentir, transmitir algo a través de sus creaciones. ¿Ese nuevo concepto es arte?

Carolina Llopis, historiadora del arte y encargada del programa de Amigos del Museo Thyssen-Bornemisza, nos da su visión: "Pienso que la moda está empezando a abrirse un hueco importante en los museos por todas las cosas que comparte con la tradición artística: calidad estética, creatividad y un impacto en el público que puede estar a la altura de cualquier pintura, escultura o fotografía. Este tipo de exposiciones producen en el espectador el interés de poder contemplar en vivo lo que hemos visto reproducido a lo largo de la historia del arte, al igual que permite identificar muchos de esos diseños con referencias directas como Mondrian, Pollock, Kandinsky, etc, artistas que han influido en muchas creaciones con su tratamiento de los colores, formas y texturas".

Intentar resumir la historia de la moda en un par de párrafos sería tan imposible como hacerlo con la de la literatura o la pintura. Quizá esa sea una buena demostración de que sí es un arte a su altura y que, por lo tanto, conocerla nos convierte en personas cultas. Pero hay hitos que es difícil pasar por alto: Coco Chanel configurando la imagen que quedaría para la posteridad del París de los años 20. Christian Dior revolucionando la figura femenina con el new look de los años 40. Yves Saint Laurent diciendo que sí, que las mujeres podían llevar esmoquin. Mary Quant liberando las piernas de la mujer antes incluso de que se liberara su mente. Valentino ligando su nombre a un color sin necesidad de pantones.

No, no hablamos de que para ser culto sea necesario entrar dos veces por semana en Zara y distinguir las prendas nuevas de la colección. Eso es consumo. Es industria. Es otra cosa. Pero sí es cultura (económica) conocer qué sistema utiliza Inditex para que haya esas dos reposiciones semanales, o es cultura (sociológica) conocer el impacto de Inditex sobre aquellos lugares donde instala sus centros de trabajo. Hablamos de que la moda llena museos, como nos confirma Carolina Llopis: "Cada vez que se inaugura una exposición relacionada con la moda, ya sea de fotografía, joyería, o una retrospectiva dedicada a un modisto en concreto, el público del Museo se renueva, atrayendo a visitantes más jóvenes".

William Cruz Bermeo, experto en historia de la moda y profesor en la Universidad Pontificia Bolivariana de Medellín, nos expone la diferencia entre arte y cultura: "Toda expresión de lo humano es constitutiva de la cultura, como sumatoria de las prácticas y discursos que una determinada sociedad naturaliza y acepta; que la producción de algunos de ejemplos se haya elevado a la categoría de 'culta' o de 'arte' es otra cosa, resultado de un proceso complejo que involucra múltiples factores, como el tiempo, la opinión de expertos o la percepción que generaciones posteriores se hicieron, o se harán, sobre esa producción cultural".

También destaca que la introducción de la moda como elemento artístico es algo reciente: "A nadie se le habría ocurrido, en 1927, introducir un petite robe noir como pieza de museo. Esto sucede ahora porque hay una visión distinta de la moda en el mundo de la intelectualidad: las lecturas culturales que se pueden hacer a través de la moda, su valor para establecer estudios de género, etc.".

Entonces, si hablamos de moda, ¿no debemos reconocer que Vivianne Westwood fue tan punk como Los Ramones? ¿No llevaba tanto arte a Studio 54 Diane von Furstenberg como Andy Warhol? ¿No es Stella McCartney tan transgresora como Banksy? ¿No tiene el mismo valor un boceto que acaba convertido en vestido que uno que se convierte en un lienzo colgado en un museo?

En la escena más recordada de 'El diablo viste de Prada', Miranda Priestly (magistralmente interpretada por Meryl Streep) le recuerda a Andy (Anne Hathaway) que no es buena idea burlarse del mundo de la moda. Que el jersey que ella lleva no es simplemente azul. Que es azul cerúleo. Y que lo lleva porque Óscar de la Renta presentó en 2002 una colección cerúlea que trascendió posteriormente a la fast fashion. Pero, sobre todo, le dice que se ríe de quien trabaja en moda porque se toma a sí misma demasiado en serio.

¿No será ese el verdadero problema de quien reniega de la moda como elemento cultural? ¿No es tomarse demasiado en serio a uno mismo pensar que la moda nos es completamente ajena? ¿Que Anna Wintour desde las páginas de Vogue no es una influencia cultural contemporánea tan determinante como quienes escriben en el New Yorker o en Time?

La moda es arte. La moda es cultura. Influye en la organización social, en la economía, en el arte, en el feminismo. Y seguirá haciéndolo mientras todos tengamos que echar mano de algo que ponernos encima cada mañana. Y mientras nos vistamos siendo conscientes de que en la imagen que dejaremos a las generaciones posteriores lo primero que llamará la atención serán las hombreras pronunciadas, las gafas de pasta, los flequillos imposibles o el largo de las faldas.

Imágenes | Gtresonline

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El mundo de la moda está de luto. Valentino Garavani, el rey de la costura italiana que convirtió el rojo pasión en su seña de identidad, ha fallecido a los 93 años en su residencia de Roma. Ha sido uno de los diseñadores más influyentes del siglo XX y el XXI y su legado es ya historia de la Alta Costura, llevando el glamour italiano a lo más alto. Es innegable, pocos diseñadores supieron entender y vestir a las mujeres tan bellamente como hizo él. 

Despedirse del gran Valentino Garavani no es fácil, porque él fue uno de los últimos narradores de belleza a través de la costura. Su herencia llena libros y libros de historia de la moda y su genialidad combinando sutileza, elegancia y teatralidad siempre será recordada. Nadie redefinió el lujo silencioso sin estridencias ni concesiones como supo hacer él. 

Valentino Clemente Ludovico Garavani nació el 11 de mayo de 1932 en Lombardía, Italia. Su pasión por la moda le vino desde niño, estudiando Bellas Artes y Costura en algunas de las escuelas más prestigiosas de París. Fue aprendiz de grandes casas y creció en el oficio de la mano de gigantes como Guy Laroche o Balenciaga. 

Finalmente, en los años 60, Valentino conoció a Giancarlo Giammetti, quien se convirtió en su pareja y socio, acompañándole en la gran aventura de fundar la maison. Todo comenzó con un taller-tienda en la Via Condotti de Roma que él se encargó de catapultar al estrellato con su primera colección, en 1962.

Valentino Garavani y Giancarlo Giammetti

Le siguieron más de cinco décadas de colecciones en las que la silueta femenina, la artesanía atemporal y el 'rojo Valentino' llevaron la batuta de esta carrera legendaria. Él mismo vistió a personalidades de la talla de Jackie Kennedy, Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn, Lady Di e incluso la propia reina Letizia. 

También fue el artífice de algunos de los looks más icónicos de las alfombras rojas, como el de Julia Roberts en los Oscar 2001; y de los vestidos de boda más famosos, como el de Jackie Kennedy Onassis en su boda con Aristotle Onassis en 1968. 

Retirado en 2008, sus sucesores han sabido mantener el ADN de la marca intacto. Y, ahora, el mundo entero podrá despedirse de este genio con un velatorio en Piazza Mignanelli 23, el miércoles 21 de enero y el jueves 22 de enero, de 11:00 a 18:00. Además, el funeral tendrá lugar el viernes 23 de enero en la Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires, en Piazza della Repubblica 8, en Roma, a las 11:00.

Valentino nos ha dejado, pero sus confecciones y su rojo, el 'rojo Valentino', serán eternos en el imaginario de cualquier amante de la moda. Adiós al último emperador de la moda. 

Fotos | @realmrvalentino, @fondazionevggg, @diana.princesa.de.gales.

En Trendencias | La historia de los vaqueros Levi's, el pantalón que nació para mineros americanos y se convirtió en un símbolo de rock&roll y liberación femenina.

Cuando hablamos de modas peligrosas, seguro que lo primero que se nos viene a la mente son esos absurdos retos corporales que circulan por las redes sociales y que ponen en riesgo la salud de quienes se unen a ellos. Pero lo cierto es que la moda ha sido peligrosa en muchos momentos anteriores de la historia. Tanto que llegó a costar vidas. Hacemos un repaso a tendencias que hoy nos parecen absurdas, pero que eran de lo más común hace unas cuantas décadas.

Los corsés

Si pensamos en las torturas que sufrían las mujeres en otros tiempos por culpa de los dictados de la moda, los corsés ultra apretados que las mujeres tuvieron que soportar durante siglos se llevan la palma. Los corsés fueron especialmente populares en el siglo XIX, y se utilizaban para reducir al mínimo la cintura de la mujer y realzar su pecho. El corsé ha pasado desde entonces al imaginario colectivo como un símbolo de sensualidad.

Pero no es oro todo lo que reluce. Una lista publicada en 1874 llegó a relatar hasta 97 enfermedades relacionadas con el uso de esta prenda: indigestión, estreñimiento, mareos por falta de respiración, hemorragias internas e incluso estados de histeria y melancolía. Incluso The New York Times informó en 1903 de la muerte de una mujer después de que dos varillas de acero de su corsé se le clavaran en el corazón.

Las crinolinas

Las crinolinas o miriñaques eran los armazones que se utilizaban bajo las faldas para darles un volumen espectacular. Se utilizaron sobre todo en el siglo XIX. Entre 1850 y 1870, el tamaño del miriñaque fue aumentando y, cuanto más voluminoso, más a la moda el outfit. Existían dos versiones de las crinolinas: podían ser más flexibles, fabricadas en lino, algodón y crin; o rígidas, hechas de acero.

El peligro de las crinolinas radicaba en el alto riesgo de incendio. En una época en que el fuego estaba muy presente en el día a día, en chimeneas, cocinas y en la iluminación, era fácil que una falda se prendiera. Si lo hacía, la mujer se veía atrapada en ella. La esposa del poeta Henry Wadsworth Longfellow, la archiduquesa Matilde de Austria y dos hermanastras de Oscar Wilde fallecieron de esa manera. El New York Times llegó a proclamar en 1858 que las crinolinas provocaban unas tres muertes por semana como promedio.

El vendado de pies

En China, fue costumbre durante siglos vendar los pies de las mujeres de manera que los dedos quedasen doblados bajo la planta. Solía hacerse a las niñas a partir de los siete años y, con el tiempo, los huesos se acababan quebrando y el arco del pie se elevaba de manera que el talón casi acababa tocando el metatarso. El largo ideal de un pie vendado era de siete centímetros.

En 1912, se prohibió la práctica, aunque todavía se siguió practicando durante algunas décadas más de forma privada. Los peligros de esta costumbre para la mujer son evidentes: deformación del pie, amputaciones, fracturas y mucho dolor.

Los polvos blancos

En el siglo XVIII, la moda dictaba que la piel debía ser lo más blanca posible. Para conseguirlo, las mujeres (y, en ocasiones, los hombres) utilizaban polvo blanco en su cara y también a veces en los hombros, el pecho e incluso en las pelucas. En zonas como las mejillas o los labios, además, se añadían polvos de color rojizo o rosado. Para la fabricación de estos rudimentarios cosméticos, se utilizaba, sobre todo, plomo.

El plomo, evidentemente, era muy perjudicial para la salud. Provocaba conjuntivitis, desgaste del esmalte dental, pérdida de piezas dentales, manchas en la piel, alopecia y, a la larga, si el abuso era excesivo y continuado, llegó a causar muertes.

Los vestidos verdes

En la época victoriana, cada temporada traía el resurgir de un nuevo color como el tono de moda para los vestidos más admirados de las reuniones sociales. Cuando le tocaba el turno al verde, diferentes tonos de este color se dejaban ver en las fiestas y bailes. Pero... no le salía gratis a la salud.

El color verde solo se podía conseguir en la época con una variante de arsénico, en concreto, con el arsenito ácido de cobre (CuHAsO3), que llegó a conocerse como Schloss Green (verde del palacio). Los más afectados por el contacto con este pigmento fueron los sastres, pero incluso quienes vestían las prendas sufrían el riesgo de envenenamiento si el contacto era muy prolongado.

Los collares rígidos

No han sido las mujeres las únicas que han sufrido los peligros de la moda en el pasado. Los cuellos de camisa intercambiables, que se pusieron muy de moda en el siglo XIX, tenían la característica de estar extremadamente almidonados hasta el punto de que, en determinadas circunstancias, podía llegar a cortar el flujo sanguíneo de la arteria carótida.

Una situación relativamente frecuente era que los hombres se quedaran dormidos sentados, en sus clubs, tras haber bebido de más, y sus cabezas se reclinaran hacia delante. El cuello les cortaba el flujo sanguíneo y/o la respiración, llegando a provocar la muerte por estrangulamiento, como en un caso reportado por el New York Times en 1888.

Los sombreros de copa

El sombrerero loco es un personaje que ha pasado a la historia gracias a Lewis Carroll y Alicia en el país de las maravillas, pero hay algo de real en la historia de los fabricantes de sombreros de copa de los siglos XVIII y XIX. El mercurio era un elemento fundamental en la fabricación de los fieltros de los sombreros, y la exposición a este elemento hacía enfermar a quienes estaban permanentemente en contacto con ellos.

Los síntomas de lo que se ha llamado «enfermedad del sombrerero loco» (aunque un artículo del British Medical Journal desmintió la conexión entre la ficción y la realidad) son, sobre todo, psicológicos: irritabilidad, timidez patológica y temblores.

Imágenes | María Antonieta, The New York Times, Wikimedia Commons.

En Trendencias | Por qué parece que los horteras ponen las cosas de moda: así funciona el engranaje de las tendencias

Como manda la tradición, la noche de Fin de Año llevaremos algo rojo, de un vestido a un tanga. Es importantísimo para que la buena suerte nos acompañe en 2026, pero ¿sabes de dónde viene esta superstición? No la hemos inventado en España, ni siquiera en el siglo XX. Llevamos rojo en Nochevieja por culpa de los romanos y de las brujas medievales. Tiramos del hilo.

El rojo de señor rico en el Imperio Romano

En la cultura romana, el rojo era uno de los colores más simbólicos que existían. Autores como Plinio el Viejo documentó en su obra 'Naturalis Historia' la importancia de este pigmento, tan caro y difícil de producir. Precisamente por eso, era una tonalidad de gente apoderada y se asociaba al alto status y a contextos religiosos y políticos muy prestigiosos.

El rojo teñía los paludamentum o túnicas de los comandantes y se relacionaba con fuerza y poder militar, con el dios Marte y con la victoria. Además, los romanos asociaban este color con la vida, la energía y la protección divina. Era, junto al púrpura, el color más deseado de todo un Imperio. 

El rojo era un pecado medieval, pero gustoso

El rojo siguió siendo un símbolo de poder y protección durante la Edad Media, escogido por obispos y papas para señalar su imponente posición social. También lo usaban las novias en su gran día y ese fue su mayor error: se asoció a la fiesta, la bebida y la abundancia, al desenfreno y al abuso. Y de ahí a ser considerado pecaminoso en un contexto de mucha represión sexual. Y, por supuesto, si tu pelo era rojo eras una bruja. 

Historiadores del color prominentes como Michel Pastoureau cuentan como este color representaba la muerte, el infierno y Satanás. Cuenta también como las prostitutas y los burdeles eran reconocidos mediante el color rojo. Con el tiempo, se asoció también a peligro: de las togas del verdugo a la señal de prohibido. 

Entonces, ¿por qué seguir llevándolo? Pues porque el rojo tenía poder médico sanador y se creía que ir en contacto con algo rojo frenaba hemorragias, protegía contra enfermedades y equilibraba el cuerpo. Para aprovechar sus poderes y no tener problemas con las autoridades, se llevaba en capas no visibles de la ropa. 

El rojo en Nochevieja: una amalgama de supersticiones

En la edad moderna, especialmente en lugares como Italia y España, hemos acumulado las ideas de buen augurio, tales como la protección contra enfermedades o la victoria, con la idea de que hay que llevarlas en secreto y en contacto con la piel. El resultado de las supersticiones romanas y medievales es que llevemos lencería roja, aunque para ellos fuera algo impensable. Si el César levantara la cabeza y viera que hemos hecho con sus preciadas túnicas...

Fotos | @calzedonia, 'Roma', Wikipedia Commons, 

En Trendencias | La historia de los vaqueros Levi's, el pantalón que nació para mineros americanos y se convirtió en un símbolo de rock&roll y liberación femenina.

Hay quienes estábamos convencidos de que ese diminuto bolsillo de nuestros denim de cabecera tenía que ser para las monedas. Lo cierto es que la mayor parte de nosotras no lo utilizamos para nada, quizás porque cada vez recurrimos menos al dinero en efectivo o porque no le vemos demasiada funcionalidad a ese detalle perenne en nuestros jeans.

 Lo cierto es que su función inicial nunca fue la de guardar un par de céntimos o unos euros, pero para ello hay que remontarse años y años atrás en la historia. Así lo explica el creador de contenido Teo Tinivelli, especialmente conocido por compartir curiosidades históricas y culturales en TikTok e Instagram.

Este pequeño compartimento resulta que tenía un uso que muchos desconocíamos, hasta el propio Teo: "yo también creía que era para las monedas, pero no." Para ello hay que viajar en el tiempo hasta la segunda mitad del siglo XIX, cuando empezaron a comercializarse este tipo de pantalones: "cuando se introdujo este bolsillito en el jean, que eso lo introduce la empresa Levi's, la misma Levi's que vamos a comprar ahora, le puso este bolsillito no para las monedas, sino para lo que era en su momento un reloj de bolsillo."

La verdad, que si nos paramos a pensarlo, tiene todo el sentido del mundo. Por aquella los relojes de bolsillo eran un objeto imprescindible en la vida de quienes tenían trabajos con horarios estrictos, y es que es una época que coincide con la Segunda Revolución Industrial. En este tiempo las profesiones vinculadas a la minería o el nuevo entramado ferroviario se multiplicaron como la espuma. Los relojes de bolsillo eran tan importantes en el entonces como lo es nuestro móvil hoy en día.

 "Los obreros, los mineros y los ferroviarios tenían que usar mucho el reloj para medir sus descansos y sus tiempos de trabajo," explica Teo Tinivelli. Y es que la razón de su diminuto tamaño se debe a que tiene las medidas exactas para guardar el reloj y protegerlo, ya que en el bolsillo grande iría mucho más suelto. Este compartimento ofrecía accesibilidad al reloj, pero intentando preservarlo bien.

Fotos | Dmitriy Steinke en Pexels, Viktorya Sergeeva en Pexels

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Basta con pasarse por algún que otro escaparate de una tienda para observar que la comodidad en cuando a moda no siempre es algo imprescindible. Hablamos especialmente de las tendencias orientadas hacia un público femenino, aunque bien sabemos que la ropa no tiene género. No vamos a ha hablar de corsés o faldas de tubo de los más incómodas, sino de los bolsillos. Un detalle que parece imprescindible en las chaquetas y pantalones para los hombres, pero que reducen su tamaño o incluso desaparecen en muchas de nuestras prendas.

Según una encuesta de YouGov de 2020 en el Reino Unido, cuatro de cada diez mujeres habrían vuelto a dejar una prenda en el perchero al darse cuenta de que no tenía bolsillos. Ahora vemos en los desfiles de alta costura cómo las modelos se pasean por las pasarelas internacionales con las manos metidas en los bolsillos. Las cosas están mejorando, sí, pero está claro que en pleno 2025 aún no existe paridad en los tamaños.

La desigualdad en cuanto a los bolsillos no es algo nuevo en el universo de la moda. En el siglo XVIII, donde las siluetas estaban profundamente ceñidas al cuerpo, unos bolsillos grandes donde poder guardar nuestras pertenencias eran totalmente incompatibles con los diseños. Te volvías más dependiente de los hombres y si no, pues un bolso, que por mucho que nos gusten, los de la época se llevaban en las manos limitando los movimientos.

En el libro 'Pockets: An Intimate History of How We Keep Things Close', Hanna Carlson arrojaba un poco de luz sobre el asunto, explicando que no fue hasta el siglo XX cuando se empezó a atacar esta cuestión. De hecho, fue la diseñadora McCardell, una de las primeras mujeres en tener su propia marca quien empezó a diseñar prendas que se adaptaban de verdad al cuerpo de las mujeres, pero sobre todo a las necesidades de sus vidas cotidianas. Había bolsillos y eran de lo más prácticos. Eso sí, no fue pionera en ello porque Coco Chanel ya lo hacía para aquellos que podían darse el lujo de tener sus diseños. McCardell se enfocó más en la producción en masa, en democratizar los bolsillos.

Hoy en día tampoco han cambiado las cosas de forma radical. Y la industria de la moda está tan centrada en crearnos la necesidad de usar bolsos que parece que no interesan demasiado esas prendas con grandes bolsillos al estilo de las que llevan los hombres. ¿Para qué?, si nuestras pertenencias ya las llevamos en un compartimento aparte. Ahora esta idea también está empezando a calar en la moda masculina y nos encanta: ¡bolsos para todos!, pero ellos siguen con sus bolsillos XL y a nosotras no nos entra muchas veces ni el móvil.

Estos últimos años el debate ha vuelto a nosotras bajo los hashtags #WeWantPockets y #pocketsInequality en redes sociales, incluso existen perfiles especializados en la lucha contra los bolsillos pequeños en las prendas femeninas como @meri.pocket. Y es que cuántas prendas tenemos con bolsillos diminutos o peor aún que son puro decorado. Ahora vemos unos cargo y nos emocionamos con tanto bolsillo, pero no siempre fueron tendencia y aunque poco a poco vamos evolucionando hacia diseños más funcionales y conscientes, aún quedan muchos bolsillos que coser.

Fotos | @meri.pocket, Dmitriy Steink en Pexels

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El bolso Birkin original ha sido vendido por 8,6 millones de euros, convirtiéndose en el bolso más caro jamás vendido en una subasta. Con ese dinero te puedes comprar hasta tres pisos en el centro de Madrid. ¿Por qué es tan caro? Te contamos qué pagas cuando compras el primer Birkin de Hermès de la historia, porque es un bolso y mucho más.

Es la Mona Lisa de la industria de la moda. El Birkin de Hermès cambió la historia de la moda para siempre. Se inventó en 1985, cuando Jane Birkin le pidió al director de la maison un bolso donde cupiera todo. El resultado fue el primer prototipo de un bolso grande fuera de la moda hippie de la época, que sentó las bases para que lo grande y funcional también fuera lujo.

Un bolso 'ajado' por ocho millones de euros. Este mismo prototipo es el que se ha vendido por 8,6 millones de euros a un coleccionista japonés. El que no entienda solo verá un bolso muy usado, pero ahí es donde radica su valor que lo hace único entre todos los Birkins: las iniciales de Jane Birkin, el cortauñas que ella siempre llevaba dentro, las marcas de pegatinas con las que lo decoró y la correa de hombro no extraíble. Ahora, este coleccionista tiene una parte de la historia social universal en propiedad.

No es un bolso, es un ticket de ida al mundo de la exclusividad. Hermès ha sabido promover una política de absoluta exclusividad, reservando sus bolsos Birkin para clientes asiduos de la firma, con listas de espera de años para poder comprarlos. Como la disponibilidad es limitada y los bolsos son escasos, la demanda siempre está disparada. De esa forma, se han coronado como el símbolo de estatus más privilegiado y deseado del mundo. No es un bolso, es un culto.

Da más dividendos que un piso en Manhattan. Si tienes la suerte de tener esa enorme cifra en tus cuentas bancarias, comprar el bolso Birkin original es muy buena inversión. Cualquier Birkin en general, porque puede producir dividendos de un 38% anual, frente a un apartamento en el centro de Nueva York, que te da entre el 2 y el 6% de beneficios.

El bolso Birkin no es un bolso cualquiera. Es una inversión de persona millonaria.

Fotos | @sothebys, @sothebysstyle.

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