De la Feria del Libro de Madrid puedes volver, hasta el próximo 14 de junio, con una novela firmada o con una bolsa llena de novedades editoriales. Sin embargo, existe otro tesoro que pasa bastante más desapercibido, pero que lleva décadas formando parte de la historia y el patraimonio del evento: sus carteles.

Desde hace años, la organización encarga la imagen oficial de la feria a algunos de los ilustradores, fotógrafos y diseñadores más importantes del panorama cultural español. El resultado son obras de arte a disposición de todo el mundo. Revisar los carteles de la Feria del Libro de Madrid es recorrer la evolución de las tendencias gráficas, las obsesiones culturales y las distintas formas de entender la lectura de cada época.

Aunque lo mejor es que están accesibles para descargar en el archivo histórico de la feria y decorar nuestra biblioteca personal, salón y dormitorio de forma low cost con la obra de Premios Nacionales y otros artistas de renombre.

Alberto Corazón: ascenso al conocimiento

Hablar de diseño gráfico en España es hablar de Alberto Corazón. Premio Nacional de Diseño en 1989, fue responsable de algunas de las identidades visuales más reconocibles del país. De hecho, ves todos los días su trabajo sin saberlo.

Él creó la icónica imagen corporativa de servicios públicos como Cercanías Renfe, Tesoro Público y la Biblioteca Nacional de España, entre otros. Además de diseñar los logotipos de marcas privadas tan arraigadas en el día a día español como ONCE, Anaya o Mapfre. Incluso suyo es el diseño del famoso teléfono Domo de Telefónica en los años dos mil.

Su participación en la Feria del Libro tuvo lugar en 2011, volviendo a contribuir una vez más con su trabajo a las instituciones culturales que han ayudado a definir la imagen de la España democrática.

Su cartel mostraba escalera rústica de travseaños que simboliza el proceso de introspección y crecimiento personal. Corazón quería plasmar gráficamente cómo una buena lectura nos permite "ascender" y evolucionar, peldaño a peldaño, hacia una comprensión más profunda del mundo y de nosotros mismos.

Chema Madoz: una historia sin palabras

Pocos artistas han desarrollado un lenguaje visual tan reconocible como Chema Madoz. Premio Nacional de Fotografía en el año 2000, su universo de objetos imposibles y asociaciones inesperadas lo han convertido en uno de los artistas españoles con mayor reconocimiento nacional e internacional.

Lo cierto es que su universo parece hecho a medida para ilustras un evento dedicado a la imaginación. Su cartel para la feria en 2012 mantuvo la misma lógica de convertir elementos cotidianos en metáforas visuales que cuentan una historia sin necesidad de palabras. De hecho, más que un cartel promocional, parece una fotografías que podría estar colgada perfectamente en una galería.

Ana Juan: la primera mujer

Premio Nacional de Ilustración 2010 y autora habitual de portadas para la prestigiosa revista semanal 'The New Yorker', Ana Juan tiene una de las carreras más sólidas de la ilustración española contemporánea. Sus imágenes suelen moverse entre lo onírico y lo inquietante, con figuras que parecen salidas de un cuento para adultos. 

Su cartel para la Feria del Libro, en el año 2006, marcó un hito histórico al ser la primera vez que una mujer ilustraba el evento. Para la ocasión, mostró a una mujer rodeada de libros que caen y revolotean sobre su cabeza, representando las lecturas pasadas y presentes que flotan, se entrelazan y terminan por conformar el intelecto, la mente y el mundo interior de una persona. 

Paula Bonet: poesía visual

Aunque todavía no cuente con ningún Premio Nacional, Paula Bonet es probablemente uno de los nombres más reconocibles de la ilustración española actual. Su cartel para la edición de 2018 de la Feria del Libro estaba repleto de referencias literarias, poéticas y feministas, mezclando flores, animales, manos y símbolos de autoras y creadoras que forman parte de su imaginario artístico.

Su estilo, reconocible a primera vista por el uso de la línea, la acuarela y la carga emocional de las imágenes, convirtió aquel cartel en uno de los más comentados de los últimos años.

Juan Gatti: puerta a la lectura

Autor de algunas de las imágenes más icónicas del cine de Pedro Almodóvar y ganador del Premio Nacional de Diseño en 2004, Juan Gatti firmó el cartel de la Feria del Libro de Madrid en 2013. Su propuesta mostraba a un lector frente a unas grandes puertas rojas que, en realidad, eran las páginas de un libro abierto. 

La imagen funcionaba como una invitación a cruzar el umbral de la lectura y adentrarse en otros mundos posibles. Además de reivindicar el libro como objeto físico frente al avance de lo digital, el cartel resumía una idea muy presente en toda la obra de Gatti: la cultura entendida como experiencia visual y emocional. De hecho, podría ser perfectamente otro de sus carteles para una película de Almodóvar.

Isidro Ferrer: la bolsa infinita

Pocos nombres están tan ligados al diseño en la cultura española como el de Isidro Ferrer. Premio Nacional de Diseño en 2002 y Premio Nacional de Ilustración en 2006, fue el encargado de crear el cartel de la 67ª Feria del Libro de Madrid, en 2008.

Su propuesta partía de una de las obsesiones habituales en su trabajo: transformar objetos cotidianos en imágenes cargadas de significado. El cartel establecía un juego visual entre el libro y una bolsa, presentando ambos elementos como recipientes capaces de contener historias, ideas y experiencias. 

La imagen, aparentemente sencilla, escondía varias capas de lectura, algo muy característico de un artista que ha convertido las metáforas visuales en una auténtica marca de autor.

Antonio Mingote: costumbrismo lector

Antonio Mingote fue una de las figuras fundamentales del dibujo y el humor gráfico en España. Miembro de la Real Academia Española, recibió numerosos reconocimientos a lo largo de su carrera, entre ellos el Premio Nacional de Periodismo y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Su relación con las ferias del libro fue especialmente intensa. Durante décadas realizó numerosos carteles para la Feria del Libro Antiguo y de Ocasión de Madrid, hasta el punto de que en 2012 una exposición reunió más de veinte de sus diseños como homenaje a su trayectoria.

Sus carteles mezclaban literatura, humor y escenas costumbristas madrileñas con esa elegancia irónica que convirtió sus dibujos en parte inseparable de la cultura española del siglo XX. Más que simples imágenes promocionales, funcionaban como pequeñas viñetas capaces de contar una historia completa de un solo vistazo.

Él fue el encargado de ilustras el cartel oficial de la Feria del Libro de Madrid en su edición de 1958, cuando se llamaba Feria Nacional del Libro y se celebraba en en el Paseo de Recoletos.

José Luis López Vázquez: lector antes que actor

Mucho antes de convertirse en uno de los rostros más reconocibles del cine español, José Luis López Vázquez trabajó como figurinista, escenógrafo y también dibujante. De hecho, fue el autor de varios carteles de la entonces Feria Nacional del Libro. Más concretamente, los de 1955, 1956 y 1957.

Aunque hoy su nombre está asociado sobre todo a peliculones como 'El verdugo' o 'La cabina', sus carteles para la feria reflejan el lenguaje gráfico de la España de los años cincuenta, con ilustraciones figurativas, referencias directas al libro como símbolo cultural y una estética muy vinculada a la cartelería institucional de la época.

Más que una curiosidad biográfica, su participación demuestra hasta qué punto la historia visual de la Feria del Libro está conectada con nombres fundamentales de la cultura española. Resulta difícil imaginar hoy a uno de los actores más importantes del siglo XX diseñando la imagen oficial de un evento literario, pero López Vázquez lo hizo antes incluso de alcanzar la fama que lo convertiría en un icono del cine nacional.

Foto de portada | Sangsang pic y Alejandro Slocker

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Desde que Marta Ortega tomó el control de Inditex, las firmas del grupo español han hecho un claro intento por alejarse de las connotaciones negativas de low-cost, a golpe de desfiles, de estética lujosa y de colaboraciones de altura. Acaban de anunciar otra más y esta viene cargadita de expectativas: John Galliano regresa al mundo de la moda de la mano de Zara. 

Si la tienda museo de Barcelona no te convenció de que Zara es exclusiva, esta alianza lo hará por completo. La firma acaba de firmar un acuerdo creativo de dos años con el diseñador icónico de Dior y Maison Margiela, cuyas creaciones han perdurado a pesar de sus polémicas. 

"Galliano trabajará directamente con prendas de las pasadas temporadas de Zara, deconstruyéndolas y reconfigurándolas en nuevas expresiones y creaciones estacionales". 

Según el comunicado, el diseñador gibraltareño rescatará prendas vintage de la marca española para devolverlas al mercado con su toque personal, a través de colecciones de temporada que empezarán en septiembre de 2026. 

Fotos | @szilvesztermako para Zara.

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El mundo de la moda está de luto. Valentino Garavani, el rey de la costura italiana que convirtió el rojo pasión en su seña de identidad, ha fallecido a los 93 años en su residencia de Roma. Ha sido uno de los diseñadores más influyentes del siglo XX y el XXI y su legado es ya historia de la Alta Costura, llevando el glamour italiano a lo más alto. Es innegable, pocos diseñadores supieron entender y vestir a las mujeres tan bellamente como hizo él. 

Despedirse del gran Valentino Garavani no es fácil, porque él fue uno de los últimos narradores de belleza a través de la costura. Su herencia llena libros y libros de historia de la moda y su genialidad combinando sutileza, elegancia y teatralidad siempre será recordada. Nadie redefinió el lujo silencioso sin estridencias ni concesiones como supo hacer él. 

Valentino Clemente Ludovico Garavani nació el 11 de mayo de 1932 en Lombardía, Italia. Su pasión por la moda le vino desde niño, estudiando Bellas Artes y Costura en algunas de las escuelas más prestigiosas de París. Fue aprendiz de grandes casas y creció en el oficio de la mano de gigantes como Guy Laroche o Balenciaga. 

Finalmente, en los años 60, Valentino conoció a Giancarlo Giammetti, quien se convirtió en su pareja y socio, acompañándole en la gran aventura de fundar la maison. Todo comenzó con un taller-tienda en la Via Condotti de Roma que él se encargó de catapultar al estrellato con su primera colección, en 1962.

Valentino Garavani y Giancarlo Giammetti

Le siguieron más de cinco décadas de colecciones en las que la silueta femenina, la artesanía atemporal y el 'rojo Valentino' llevaron la batuta de esta carrera legendaria. Él mismo vistió a personalidades de la talla de Jackie Kennedy, Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn, Lady Di e incluso la propia reina Letizia. 

También fue el artífice de algunos de los looks más icónicos de las alfombras rojas, como el de Julia Roberts en los Oscar 2001; y de los vestidos de boda más famosos, como el de Jackie Kennedy Onassis en su boda con Aristotle Onassis en 1968. 

Retirado en 2008, sus sucesores han sabido mantener el ADN de la marca intacto. Y, ahora, el mundo entero podrá despedirse de este genio con un velatorio en Piazza Mignanelli 23, el miércoles 21 de enero y el jueves 22 de enero, de 11:00 a 18:00. Además, el funeral tendrá lugar el viernes 23 de enero en la Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires, en Piazza della Repubblica 8, en Roma, a las 11:00.

Valentino nos ha dejado, pero sus confecciones y su rojo, el 'rojo Valentino', serán eternos en el imaginario de cualquier amante de la moda. Adiós al último emperador de la moda. 

Fotos | @realmrvalentino, @fondazionevggg, @diana.princesa.de.gales.

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Nunca sabremos cómo habría sido el traje que Miguel Adrover hubiera diseñado para Rosalía si el diseñador considerara que, según sus estándares, la cantante ha mostrado el suficiente apoyo público a Palestina. Sin embargo, aún sin llegar a existir, forma parte ya de la lista de trajes que han causado algún tipo de conflicto o polémica y han sido motivo de discorcia.

Todo empezó cuando Adrover, Premio Nacional de Diseño de Moda 2018, hizo público en su redes sociales que había rechazado colaborar con Rosalía debido a que la artista no había expresado públicamente su apoyo al pueblo palestino. Lo hacía, además, mostrando pantallazos de los emails intercambiados entre el equipo de la artista y la representante del diseñador,donde esta explicaba escuetamente que "Miguel no trabaja con ningún artista que no apoye públicamente a Palestina".

Además, en su post, él mismo añadía una extenso párrafo sobre que “el silencio es complicidad” y que considera que, cuando una persona tiene un gran altavoz, con millones de personas que la escuchan, tiene también la responsabilidad de “usar ese poder para denunciar este genocidio”. Eso sí, a pesar de su decisión, Adrover aseguraba que no se trataba de una afrentar personal contra catalana y expresaba su admiración por el talento de Rosalía.

Sin embargo, aunque es cierto que la Motomami es famosa por mojarse muy poco en lo que respecta a temas sociopolíticos, sí ha dado algunas píldoras de cuál es su posición con respecto a temas como la ultraderecha, el feminismo y también el conflicto entre Israel y Palestina. A raíz de las acusaciones de Adrover, los fans de Rosalía rescataron una story de Instagram de 2023 en la que la cantante compartió un comunicado de Unicef denunciando los bombardeos de Gaza por parte de Israel y el "asesinato de cientos de niños y miles de heridos".

Es cierto que, desde entonces, no habia vuelto a pronunciarse públicamente pero ahora ha querido volver a dejarlo claro, tras la inesperada polémica, y ha dado explicaicones en un comunicado publicado en su cuenta de Instagram: "El hecho de no haber usado mi plataforma de forma alineada con el estilo o expectativas ajenas, no significa en absoluto que no condene lo que etsá sucediendo en Palestina. Es terrible ver día a día como personas inocentes son asesinadas y que los que deberían parar vesto no lo hagan", afirma.

Además, también defiende que "el señalamiento debería direccionarse hacia arriba (para quienes deciden y tienen poder de acción) y no entre nosotros", afeandole a Adrover la jugada. Sin embargo, la cosa no se queda aquí porque más de uno y de una piensa que el diseñador podría haber querido crear toda esta polémica como maniobra de promoción de un documental sobre su figura que se estrena este viernes 1 de agosto.

Todos los caminos llevan a C. Tangana

Aquí es cuando se produce el giro de guión más surrealista de toda esta historia porque, muy probablemente, te estés preguntando qué tiene que ver C. Tangana en todo esto. No ha pasado desapercibida la coincidencia temporal que ha tenido el post de Miguel Adrover señalando a Rosalía de estar en el lado incorrecto de la historia y el estreno del documental original de Filmin 'The designer is dead'.

Como decíamos, el documental se estrena ya en el marco del Atlàntida Mallorca Film Fest pero es que la productura que se encuentra detrás de este repaso audivisual a la vida y pbra del mallorquín es Little Spain, la productora fundada por Antón Álvarez aka C. Tangana. ¿Casualida? Muchas personas no lo creen y ya se habla de un nuevo capítulo de la guerra entre ex que hay latente entre los dos cantantes. Continuará...

Foto de portada | rosalia.vt y migueladroverofficial

Hace unas horas, Dior ha confirmado a Jonathan Anderson como sustituto de Maria Grazia Chiuri convirtiéndolo en el nuevo director creativo de la Maison francesa. Hasta el momento todo eran especulaciones, un secreto a voces, pero ya es oficial que la marca de lujo ha puesto a la cabeza de las líneas femeninas, masculinas y de alta costura a Anderson.

Jonathan Anderson no ha tardado en mostrar su agradecimiento y entusiasmo en redes, orgulloso por esta nueva etapa: "es un gran honor unirme a la Casa Dior como director creativo de las colecciones de mujer y hombre. Siempre me ha inspirado la rica historia de esta maison, su profundidad y empatía. Espero con ilusión trabajar junto a sus legendarios talleres para crear el siguiente capítulo de esta increíble historia."

En pleno Abril, Jonathan Anderson se despedía de su puesto como director creativo de Loewe, la maison en la que estuvo durante 11 años, para ser director creativo de la línea masculina de Dior, siendo el sucesor del diseñador Kim Jones, quién dejó la firma en enero de 2025. Ahora, Aderson también estará al frente de las colecciones femeninas, "prêt-à-porter" y alta costura de Dior.

Con su incomparable sello artístico, a sus 40 años, este diseñador es considerado uno de los más influyentes de la historia reciente de la moda, donde su enfoque unisex y experimental lo ha conducido innevitablemnete hasta lo más alto. Está claro que Dior empieza un nuevo capítulo y lo disfrutaremos muy pronto, en concreto este 27 de junio, y es que Anderson hará su debut con su primera colección masculina para la casa francesa. Eso sí, para ver de sus propuestas creativas de cara a la linea femenina y de Alta Costura aún tendremos que esperar unos meses.

Fotos | @jonathan.anderson

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El mundo de la moda es un interesante tablero de juegos en donde todas las fichas, cuando se mueven, crean un el efecto de una ola en el mar que llega a generar resultados algo inesperados, uno de ellos, conflictos internos dentro de los talleres des Dior, después de que se confirmara a Jonathan Anderson como el nuevo director creativo de su línea para hombre.

La noticia, que trascendió este pasado 17 de abril se dio a conocer a través de las redes sociales de los más conocidos medios de moda, sin embargo, el hermetismo de las redes de la maison francesa han ocultado algo desde entonces, ya que no se ha anunciado a Jonathan oficialmente como su nuevo diseñador, ya que, afirman, hay conflictos entre el término de la relación laboral entre LVMH y Maria Grazia Chiuri.

La diseñadora de origen italiano ha marcado un antes y un después en la historia de Dior: desde que fue nombrada directora creativa de la maison en julio de 2016, se convirtió en la primera mujer en ocupar ese cargo desde la fundación de la casa en 1946. Su recorrido ha estado definido por una visión feminista, artística y profundamente personal, que ha reformulado el ADN de Dior, aunque algunos afirman que su trayectoria desvió la esencia de la marca.

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Diversos reportes afirman que, tanto Maria Grazia como LVMH están en medio de una disputa legal, ya que, como según informa Business of Fashion, es de las pocas directoras creativas que no está bajo un contrato estricto, sino como empleada con un contrato indefinido. Lo interesante del asunto es que dicha relación laboral prohibiría que cualquier otra persona desempeñara su trabajo mientras ella siga en el cargo.

"Jonathan hará eso, siguiente pregunta"

En una junta de accionistas el pasado 17 de abril, los hombres de negocios que conforman el grupo LVMH cuestionaron directamente a Arnault sobre quien se hará cargo después de la salida de Kim Jones, ya que el próximo desfile de Dior Homme será en París en junio. Al magnate no le quedó opción más que contestar, de forma muy escueta: "el siguiente show para hombres será en junio y será Jonathan Anderson quien diseñará eso. Siguiente pregunta".

Aunque su respuesta dejó muchas más preguntas al aire al no nombrar a Maria Grazia, muchos de los seguidores del trabajo de Jonathan y revistas de todo el mundo han comenzado a especular la falta de un nombramiento oficial, y es que resulta ser una decisión más que obvia: Anderson se hará cargo de las líneas femeninas, masculinas e incluso de los talleres de Alta Costura "porque no dejó Loewe sólo para dedicarse a los hombres de Dior cuando puede hacerlo todo", escribió un comentarista en el foro de TheFashionSpot.

La atropellada salida de Maria Grazia de Dior

Mientras que hay rumores que apuntan a que Maria Grazia podría dejar la dirección creativa de Dior después de su desfile en Roma para el próximo mes de mayo, muchos creen que, en realidad, su presentación de septiembre será la última, momento en el que Jonathan será nombrado como el director creativo global de la marca.

Sin embargo, con la disputa interna en desarrollo, LVMH podría copiar la estrategia de Kering de mantener a un diseñador dentro de sus filas como lo hace con Demna Gvasalia, moviéndolo de Balenciaga a Gucci sin alterar su relación laboral, que lleva ya 10 años.

Lo cierto es que sólo el tiempo y los acuerdos entre la empresa y Chiuri podrán dar término a este barullo de complicaciones que impidieron anunciar a Anderson con bombo y platillo como sucesor de Christian Dior al frente de su firma de moda.

Fotos de Wikimedia

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Hay un momento glorioso de la historia eclesiástica que unió al mundo entero y no hablo de la resurrección de Cristo. Más allá de creencias, las Jornadas Mundiales de la Juventud de París 1997 unieron a católicos y ateos en conversación como nunca antes. La culpa fue del estilismo escogido por el clero, con unas sotanas arcoíris que, dicho de forma poco cancelable, dieron bastante de qué hablar. Y volvió a pasar en 2024.

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Pongámonos en situación. Corría el año 1997 y la cosmopolita capital de Francia se convirtió en el epicentro de la fe mundial. Jóvenes católicos de todos los rincones del mundo se reunieron para celebrar su fe junto al Papa y cientos de obispos. El evento estaba siendo televisado en todo el planeta cuando, de pronto, 500 clérigos y el mismísimo Juan Pablo II aparecieron ataviados con túnicas blancas, decoradas con lo que parecía ser la bandera del Orgullo. I-C-Ó-N-I-C-O.

Vale, no están TODOS los colores, falta el morado para decir que es el arcoíris. Pero visualmente, eso es imperceptible y la magia está servida.

El diseñador que vistió al clérigo con la bandera del Orgullo

Detrás de esta divina y controvertida vestimenta litúrgica estaba el diseñador franco-marroquí Jean-Charles de Castelbajac, conocido principalmente por sus diseños en Benetton (y por darle al Vaticano un toque más inclusivo). Apodado 'el rey del pop' de la moda, es mundialmente famoso por combinar arte, cultura y Alta Costura, jugando con la moda más allá de los límites esperados y convirtiendo el multicolor en su seña de identidad.

Con su particular estilo, él aposto por innovar con las cruces usando el arcoíris. Era muy consciente de lo que se podía desatar de ahí (y de la publicidad que esta decisión estilística le iba a traer). Por eso avisó previamente al Papa de su simbología y relación con la homosexualidad. "Pero Jean Charles, el arcoíris no tiene copyright" le respondió el Papa. Pues palante.

Las reacciones fueron 'coloridas'

No hicieron falta redes sociales para que la cosa se pusiera bien calentita. El contexto social y cultural de esa década intensificó el debate. La Iglesia nunca ha sido la mayor fan de la comunidad LGTBQ, pero en los 90's hicieron algunos de sus comentarios más controvertidos. Me gusta pensar que todo esto ocurrió en 1997, solo tres años después de que se actualizara el Catecismo con perlitas homofóbicas de la talla de:

"Los actos homosexuales son contrarios a la ley natural. Cierran el acto sexual al don de la vida. No proceden de una verdadera complementariedad afectiva y sexual. No pueden recibir aprobación en ningún caso".

Con semejante postura, la aparición del Papa y su séquito de obispos como si fueran una cabalgata del Orgullo fue visto por muchos como una provocación. La polémica tuvo muchas opiniones, tan coloridas como las túnicas clericales. Pero Castelbajac no reculó y siguió defendiendo que su "intención era simbolizar la conexión entre Dios y la humanidad a través del arcoíris", enfatizando que no tenía una connotación política.

No pasó una vez, pasó dos (y la última en 2024)

Parece que a la Iglesia Católica le va la caña, porque después de tremenda polémica, ahora han repetido diseñador. Fue en diciembre de 2024, con motivo de la reapertura de Notre-Dame tras su incendio. No era tan obvio como en 1997 y algunos afirman que no es el arcoíris, sino que simboliza las vidrieras de la catedral. Otros dicen que sí es un arcoíris y Castelbajac aclaró que sí lo es, porque él lo imagina "como una fuente de luz que proyecta colores al mundo, simbolizando su brillo que nos une".

A mí me gusta creer que es una oda a la inclusión y la diversidad, la verdad. Sea como fuere, Jean-Charles de Castelbajac pasará a la historia por su uso de los colores primarios, por su ropa audaz, porque llevó Benetton a lo más alto y por ese abrigo de ranas de peluche que llevó Lady Gaga. Y, finalmente pero no menos importante, por vestir al Papa con la bandera gay.

Fotos | Diócesis de París, @jcdecastelbajac, Iglesia Católica Francesa, @benetton.

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Nuevo día, nuevo cambio de directores creativos en alguna firma de lujo. En este caso, después de quedarnos en shock con el anuncio de la marcha de Jonathan Anderson de Loewe, tras más de una década en la casa de modas, se acaba de dar a conocer quién le tomará el relevo. Aunque, para ser más precisos, tenemos que hablar de quiénes porque son dos: Jack McCollough y Lázaro Hernández.

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Al final, ni Phoebe Philo ni Luke y Lucie Meier, como se había llegado a especular, serán los responsables de dirigir la casa de modas española. Serán McCollough y Hernández, los fundadores de la firma neoyorkina Proenza Schouler, de cuya dirección creativa se retiraron el pasado mes de enero, pero en la que han destacado por su fusión de la elegancia clásica con un enfoque moderno.

Empezaron su andadura juntos en la Parsons School of Design, donde ya fueron reconocidos como Diseñadores del Año nada más graduarse. Así que su trabajo previo es, de entrada, un buen referente para tomarle el testigo a un Anderson, quien consiguió posicionar a Loewe como una de las firmas de lujo más influyentes del momento, pero sin que perdiera su esencia artesanal tan característica.

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Además, a la pareja de diseñadores, no solo les abala su labor reinterpretando las siluetas tradicionales o un uso innovador de los materiales (como el cuero) y el color, también han recibido múltiples galardones y reconocimientos en la industria. Nada más y nada menos que cinco CFDA, incluyendo: Diseñadores del Año y Accesorios del Año.

La CEO de Loewe, Pascale Lepoivre, ha explicado sobre ellos en un comunicado que “su visión y creatividad casan perfectamente con los códigos de la casa”. También ha apuntado que los diseñadores norteamericanos pasarán tiempo en Madrid conociendo el archivo y a sus artesanos.

El medio especializado WWD ha sido el encargado de confirmar el nombramiento en exclusiva, que no se hará efectivo hasta el 7 de abril.

Foto de portada | Loewe

La inspiración viene de donde sea cuando de crear se trata: o llega de la nada en un momento de creatividad, o aparece al momento de encender la televisión o el computador. A raíz de la invasión de la cultura de oriente en occidente, los diseñadores no han sido ajenos al fenómeno kawaii: de ahí que, moda y anime, los dos mundos que parecen dispares entre sí si los ves individualmente, tienen varias características comunes.

El concepto de 'anime' tal como se entiende en la cultura popular en la actualidad, emergió en el transcurso de los años 60 y 70. Antes de que el término se consolidara en la temática de dicho estilo de dibujo concreto, existían ya en Japón las películas de animación.

No obstante, durante los años 70 y 80, el anime recibió el impulso definitivo como medio artístico de la mano de artistas que consagraron la nueva forma de entender el anime en la cinematografía de Japón, misma a la que Occidente se rindió al ver que surgía una nueva forma de expresión a través de la ropa como una válvula de escape: el cosplay había nacido.

La práctica de disfrazarse como personajes de ficción fue el primer eslabón entre el anime y la moda. Los fans, con su creatividad y dedicación, comenzaron a recrear las vestimentas de sus personajes favoritos, dando vida a un universo estético único y lleno de posibilidades en el que las grandes casas de moda vieron una oportunidad.

El cosplay: de las calles a la pasarela

A medida que el anime ganaba popularidad internacional, el cosplay se convirtió en una forma de expresión creativa para los fanáticos. Eventos como la Tokyo Game Show y la Comic-Con en San Diego comenzaron a acoger a miles de cosplayers, lo que llevó a una mayor visibilidad del arte y la cultura del anime.

No obstante, aprovechando el auge de esta tendencia de estilo, se abrieron las puertas a la democratización de una estética en la que diseñadores encontraron una fuente inagotable de inspiración, que iba desde la adopción de estampados con personajes conocidos, como lo fue una colección especial de Maison Margiela que reinterpretaba sus botas Tabi, hasta la colección 'Horn of plenty' de Alexander McQueen, donde vemos la influencia de la animación en los estampados de sus vestidos, así como el maquillaje de las modelos que hacen referencia al teatro kabuki japonés y que la acercaron a los pilares básicos del cosplay: la teatralidad y la fantasía.

El efecto Michele: el toque Midas del anime en la moda de lujo

Si bien marcas de oriente como Beyond Closet hicieron lo suyo al presentar estampados de anime en su colección de invierno de 2023, así como UNDERCOVER en su desfile en Japón en colaboración con 'Evangelion', una de las grandes referencias del anime en la moda del lujo llegó de la mano del diseñador Alessandro Michele, entonces director creativo de Gucci incorporó el anime y muchas de sus variantes en sus colecciones de pasarela, campañas y colecciones especiales.

Entre las más significativas, está la línea de bolsos y prendas que lanzó en colaboración con Doraemon, que, en su momento, expertos declararon que era una 'colección perezosa' al sumar un personaje conocido a su propuesta para celebrar el Año Nuevo Lunar Chino, lo que, según opiniones, dejaba ver el poco conocimiento de la marca sobre el mercado asiático.

Además de esta incursión, se vieron también varios estampados de su colección de otoño para 2018, donde hizo alusión al Shōjo, un género de manga dedicado a historias románticas, especialmente para el público femenino, y más recientemente, convirtió a Miley Cyrus en un personaje animado para el spot de una de sus fragancias

Pero su incursión con los dibujos animados no terminó ahí, sino que también saltó al terreno de los videojuegos, presentando una colección colaborativa con The North Face disponible para los jugadores de Pokemón GO.

Los accesorios en la mira

El auge de la estética oriental y la influencia del anime en la vestimenta del día a día, hizo que las marcas de lujo no lo pensaran dos veces y comenzaran a ver a los dibujos animados como grandes aliados para sus ventas, si bien ya no para colecciones completas, sí que los convirtieron en objetos de deseo en accesorios de edición limitada.

Uno de los principales ejemplos del auge del anime en líneas de complementos, es el de la española Loewe, que lanzó una colección inspirada en 'El castillo ambulante' de Studio Ghibli, que contemplaba una reedición de sus bolsos Puzzle y Hammock pintados a mano o con paneles de piel que dejaban ver a los personajes de la cinta.

Y más recientemente, tenemos la esperada línea de calzado y bolsos de fiesta de Jimmy Choo, en el que los zapatos altos y los bolsos son referencia directa del vestuario de los personajes del anime, mientras que los bolsos, dejan ver estampados directos de las páginas del manga lanzado en 1997.

De lo exclusivo a lo masivo: la llegada del anime al fast-fashion

En la moda, esa sensación de exclusividad termina cuando un concepto llega a un mercado masivo, y para desgracia de las firmas de lujo, las marcas de moda rápida o de high fashion, se subieron rápido a la ola de los dibujos animados en sus colecciones.

Bershka, una de las más destacadas marcas de ropa favoritas de los millennials, ha sabido adaptarse a este mercado desatendido por los minoristas de todo el mundo, y ha sabido sacar partido con zapatillas deportivas inspiradas en Naruto, sudaderas y jeans con el rostro de Doraemon, piezas deportivas de Attack on Titan y guiños a la esencia de la década del 2000 con diseños inspirados en Bleach, todas ellas, curiosamente, para el mercado masculino.

El auge del anime llevado a la vida real a partir del cosplay ha tenido un impacto significativo en la moda, ya que no solo ha ampliado las fronteras de la inspiración para colecciones y desfiles, sino que ha desafiado las normas de la autoexpresión y la identidad en la cultura contemporánea.

Foto de YouTube | Sailor Moon Cosplay | Anime Network | Jimmy Choo

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La llegada del otoño trae consigo muchas sorpresas, y entre ellas, la renovación del armario con las tendencias del momento que han dictado las pasarelas, sin embargo, no todo lo que llevamos viene directamente de los shows de moda, sino también de las colecciones cápsula y colaboraciones con la que nuestras marcas favoritas nos sorprenden, como es ahora el caso de Zara, que ha presentado una selección de looks junto al diseñador Stefano Pilati.

Después de su paso por las colecciones de Gucci y de Yves Saint Laurent, el nombre de Pilati quedó lejos del mundo de la moda por un tiempo, sin embargo, desde el lanzamiento de su marca Random Identities, ha logrado regresar con fuerza, y ahora, antes de lo que podría ser el gran nombramiento de su carrera (regresando a Gucci, ante la rumorada salida de Sabato de Sarno), ha lanzado una colección que nos recuerda a una propuesta poderosa para la firma francesa con la que podrás lucir un look de pura inspiración parisina, pero pagando mucho menos, eso sí.

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La colección, no podía tener a mejores protagonistas: la modelo brasileña Gisele Bündchen y al propio diseñador mismos que se enfundan en looks de aires oversize y capas y capas de prendas de abrigo que nos remontan a una de las más aplaudidas colecciones del creativo para la marca parisina: la del invierno del 2007.

En la colección de Pilati para Zara vemos cómo las prendas de abrigo son las protagonistas, mismas que retoman la esencia de las prendas de Saint Laurent en donde, a partir del traje masculino se reconceptualizan las formas para hacerlas más dinámicas y estilizadas, jugando con el volumen que contrasta con elementos minimalistas como los accesorios de la colección.

En cuanto a la propuesta para hombre, las referencias a la colección del mismo año están presentes, tomadas directamente del estilo personal del propio diseñador, que suma pantalones anchos y básicos de armario, así como colores más oscuros que refuerzan la idea de ser prendas infalibles para la temporada.

De la pasarela a la calle

No es la primera vez que un diseñador crea una alta expectativa por llevar sus diseños al terreno de las compras en masa para que todos lo puedan comprar, hace casi diez años, Oliveir Rousteing, diseñador de Balmain, hacía lo propio con una muy esperada colección para H&M para la que el mundo no estaba preparado.

En su momento, fue tanto el furor de la colección debido a que, literalmente se duplicaron diseños de pasarela a un mercado low-cost, lo que hizo que todo mundo se peleara (tal cual) por vestidos vistos en las hermanas Hadid en la semana de la moda de París.

Como en su momento varios medios lo reportaron, hubo altercados en algunas tiendas de H&M en Europa, donde las personas luchaban por entrar e incluso, acamparon para poder ser los primeros en hacerse de la colección.

Aunque haya sido H&M la precursora de las colaboraciones con diseñadores de alta gama (como lo fueron las de Karl Lagerfeld, Maison Margiela, Versace y, recientemente Mugler), lo cierto es que Zara va pisando fuerte en esto de las colecciones en conjunto y, sinceramente, nos encanta, aunque habrá que esperar al 3 de octubre para poder ver la colección en tiendas y en línea al completo.

Fotos de ZARA | Vogue | Trendencias

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