El debut de Tom Holland como Peter Parker en el universo cinematográfico de Marvel no solo supuso el inicio de una nueva etapa para nuestro querido personaje, sino también tiene tras de sí una de esas historias de rodaje que nos ayudan a comprender los engranajes del séptimo arte, todos esos detalles que luego no sabemos identificar en la pantalla, pero que son decisivos en las películas. En este caso, Robert Downey Jr. tuvo mucho que ver.

Nos vamos hasta la cinta: 'Capitán América: Civil War'. Aquí Marvel tenía entre manos uno de sus proyectos más ambiciosos hasta la fecha. Un reparto increíble, dos bandos enfrentados y la necesidad de introducir nuevos personajes sin que la película abrumase demasiado por su extensa duración. Entre ellos estaba un nuevo Spider-Man, todavía desconocido para el gran público dentro del UCM. Por ello el guion contaba en su inicio con una escena que nos presentaba a este personaje, pero como el metraje se iba de tiempo los hermanos Russo decidieron cortar estar parte. 

Ahí es donde entró en juego Robert Downey Jr. Según ha contado el propio Tom Holland en varias entrevistas, el actor no dudó en cuestionar a los directores ciertos cambios, cuando vio que la escena de su compañero había quedado tan reducida. Él insistía en que era crucial y que merecía la pena rodar la secuencia completa tal y como se había planteado inicialmente. Contra todo pronóstico Marvel la mantuvo en su totalidad.

Años después, Tom Holland sigue recordando ese gesto del actor, un detalle que no olvida porque le sirvió como impulso en sus inicios dentro del universo Marvel. Desde entonces la relación entre ambos actores no ha hecho más que estrecharse, hasta convertirse en una de esas amistades dentro del UCM especialmente aplaudida por los fans.

Ahora sobre el fututo de Spider-Man solo sabemos que Holland volverá a ponerse el traje en 'Spider-Man: Brand New Day', una cinta cuyo estreno tendrá lugar el 31 de julio. Y es que estamos deseando poder acudir al cine a descubrir las nuevas aventuras de nuestro súper héroe favorito. Aunque confesamos que estas historias tras las cámaras nos gustan tanto, o incluso más, que las que vemos en la gran pantalla.

Imágenes | Disney+

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Hace un mes y una semana que 'Depredador dominante' aterrizó en Netflix y desde entonces, este thriller a manos del islandés Baltasar Kormákur, no ha hecho más que sumar visualizaciones, alcanzado ya los 117 millones. Esta película está protagonizada por la ganadora del Oscar, Charlize Theron que da vida a Sasha, una mujer que en medio del duelo tras la muerte de su marido Tommy (Eric Bana), acaba en un viaje por la selva australiana, para intentar sobrellevar un poco la situación que está viviendo, pero conoce Ben (Taron Egerton) y su plan da un giro de 180 grados.

La película pronto se transforma en una especie de cacería humana y es que resulta que Ben es un auténtico psicópata que disfruta acechando a sus víctimas. Las vacaciones de Sasha son de repente la peor pesadilla de cualquiera. En consecuencia te pasas todo el film en tensión sin saber como va a acabar todo y si nuestra protagonista será capaz de sobrevivir. Lo más seguro es que cuando te acabes la cinta quieras ver otras bastante similares, así que aquí te dejamos un par de thrillers de supervivencia que no te puedes perder.

Infierno azul

Un film que se estrenó en 2016 protagonizando por Blake Lively. Narra la historia de Nancy, una joven amante del surf que viaja a una recóndita playa mexicana para disfrutar de su pasión mientras intenta superar el fallecimiento de su madre. Pronto su día se convierte en una auténtica pesadilla cuando la ataca un tiburón blanco. Es ahí cuando tendrá que hacer todo lo posible por sobrevivir. está disponible en Movistar+.

Movistar+

A la deriva

Un film también dirigido por Baltasar Kormákur, y es que los thrillers de supervivencia son el punto fuerte de este cineasta. En este caso se trata de una historia basada en hechos reales en la que los jóvenes Tami Oldham (Shailene Woodley) y su novio Richard (Sam Claflin) navegan en su velero profundamente enamorados cuando se ven sorprendidos por una de las mayores tormentas jamás registradas que deja herido a Richard. Es cuando Tami tendrá que ponerse al mando para intentar sobrevivir a la deriva con el velero roto, sin comida y sin agua. Puedes verla en Apple TV.

Apple TV

Máximo riesgo

Estrenado en 1993 ya es un clásico del cine, una obra de culto para muchos amantes del séptimo arte. De hecho, 'Depredador dominante' hace un homenaje a esta cinta en las primeras escenas de la película. Está dirigida por Renny Harlin y en ella conocemos a Gabe Walker (Sylvester Stallone), un experimentado alpinista y rescatista de las Montañas Rocosas que vive aislado, lidiando con la culpa tras no poder evitar una trágica muerte durante un rescate. 

Movistar+

Aquí hay espacio para las acrobacias mientras nuestro protagonista va escalando montañas, rescates cargados de adrenalina y un crimen en medio de este entorno tan extremo. Triunfó en los cines en los años 90 y ahora puedes verla en Movistar+.

Imágenes | Netflix, Movistar+, Apple TV

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Muy pocas veces sabemos que una decisión concreta va a cambiar por completo nuestra vida en el momento en el que la tomamos. Algo así le ocurrió a Uma Thurman en 1994, cuando aceptó el papel en 'Pulp Fiction' que daría un giro a toda su carrera, incluyendo una nominación a los Oscar y a los Globos de Oro como Mejor Actriz de Reparto y un hueco en lo más alto de Hollywood. 

Mia Wallace fue esencial en el ascenso laboral de Uma Thurman y sigue siendo, tres décadas después, uno de los momentos más álgidos de su carrera. Sin embargo, la actriz no las tenía todas consigo cuando lo aceptó con solo 24 años: "Sabía que era especial, se notaba en el guion, en su singularidad, pero era una película relativamente pequeña" admite en una entrevista con 'The Times'. 

Uma Thurman como Mia Wallace en 'Pulp Fiction'

Cuesta creer, en retrospectiva, que Uma Thurman se pensara, aunque fuera un instante, si encarnar o no el personaje con el corte bob más famoso de la historia del cine. Sin embargo, hay que entender las cosas en su contexto. Por aquel entonces, Tarantino era un genio loco de 30 años con solo una película en su currículum: 'Reservoir Dogs'. 

"No era ese director venerado que conocemos hoy en día, ese autor semidiós" reconoce Una Thurman. Sus guiones no eran canónicos y se salían muchísimo de lo esperado por la industria en los años 90s. Sin embargo, contra todo pronóstico, se convirtió en la película independiente más taquillera de la época con 214 millones de recaudación. 

Uma Thurman como Beatrix Kiddo en 'Kill Bill'

De esta forma, Quentin Tarantino pasó de ser un genio loco a un genio codiciado. Gracias a él se revitalizó la carrera de John Travolta y de Bruce Willis, además de dar fama mundial a Samuel L. Jackson y Uma Thurman. Ella se convirtió en la primera de las 'chicas Tarantino', trabando de nuevo juntos en 'Kill Bill' y creando algunos de los mejores personajes del cine.  

Fotos | Gtres, 'Pulp Fiction', 'Kill Bill'.

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Recientemente hemos visto que muchos éxitos nacidos de internet han dado el salto a la gran pantalla: desde juegos de video hasta series nacidas en YouTube. Sin embargo, el fenómeno de los 'Backrooms' llegó para establecer un nuevo nivel de fascinación con la nueva película de A24, dirigida por el joven Kane Parsons que nos presenta la vida de un vendedor de muebles divorciado y amargado que descubre un portal hacia una dimensión extradimensional de pasillos interminables.

Sin embargo, lo que hace a la película especialmente inquietante no son las criaturas que habitan ese tenebroso espacio liminal, sino la decisión de Clark de quedarse allí libremente, porque en los Backrooms, un hombre fracasado encuentra lo que el mundo real le negó: propósito, pertenencia y la ilusión de control.

Alerta de spoilers

El propio Clark lo enuncia con una claridad perturbadora: "Me gusta aquí. Por primera vez en mucho tiempo siento que estoy exactamente donde debo estar.", una frase que no es simplemente la revelación de un personaje que ha enloquecido, sino que se puede percibir como la confesión de alguien que ha encontrado en un espacio sin reglas ni consecuencias: una coartada perfecta para sus fracasos. 

Como vemos desde el inicio de la película, Clark va a terapia intentando comprender qué está mal en él, pues un conflicto en su matrimonio lo hizo darse cuenta de que aleja a cualquier persona que intenta establecer una relación cercana, convirtiendo los Backrooms en un refugio voluntario: un lugar donde nadie le exige que cambie.

El eco digital de un hombre atrapado

Es aquí donde la película se puede leer como una alegoría precisa de un fenómeno contemporáneo que ocurre no en dimensiones paralelas sino en foros y cuentas de TikTok. Desde la sociología, el auge de comunidades digitales como la manosfera es síntoma de una crisis en la masculinidad tradicional: en un mundo donde los roles de género evolucionan, muchos hombres experimentan una sensación de pérdida de estatus, y esos espacios llenan ese vacío con narrativas de pertenencia y supremacía moral.

Clark, con su divorcio, su negocio en quiebra y su arquitectura nunca realizada, es exactamente el perfil que estos ecosistemas digitales saben detectar y reclutar: si bien la manosfera agrupa espacios que mezclan consejos sobre dinero, relaciones y estilo de vida para promover ideas tradicionales sobre masculinidad, del mismo modo los Backrooms le ofrecen a Clark un sistema de reglas propio donde él puede ser, por fin, el hombre valiente que nunca fue.

Incluso el monstruo que eventualmente mata a Clark puede ser una representación de los peores aspectos de su personalidad: su estancamiento emocional, su negación de la realidad y su incapacidad para asumir responsabilidades. 

Y es aquí donde la película es lo suficientemente honesta para mostrar que la destrucción que Clark ha estado acumulando no puede redirigirse infinitamente hacia afuera. La escena final desmonta la fantasía de la autoaceptación tóxica: las cosas no se arreglan aceptándose a uno mismo como justificación: abrazando su parte destructiva pensando que eso es libertad, lo que hace es aceptar que es un monstruo sin reparos, y la única salida lógica para alguien que solo acepta destrucción es un final destructivo.

Lo que 'Backrooms' logra con una eficiencia poco común es convertir la estética de lo liminal que internet celebró como meme de la ansiedad colectiva, en una metáfora de los callejones ideológicos en los que algunos hombres deciden instalarse y cuyo verdadero horror no está en las criaturas que acechan en los pasillos, sino en la oportunidad de salir e ignorarla.

Fotos de A24

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Aquí siempre hemos sigo muy fans de las películas de vengaza, pero cuando se trata de venganza femenina o el conocido como female rage, aun mejor. Este género es nuestra mayor debilidad, y es que la ira femenina se ha ridiculizado tanto a lo largo de los años que verla reflejada de forma sublime en la pantalla resulta de lo más gratificante. La brutalidad de los hombres llevaba campando a sus anchas tantos años en la filmografía que parece que pasábamos por alto que nosotras también podemos vernos en las ficciones con una pistola en mano, con una catana, cero compasivas. En este thriller de HBO hay mucho de esto. 

La película de la que estamos hablando es 'Revenge'. Se estrenó en 2017 y fue la ópera prima de Coralie Fargeat, con la cual tuvo un gran éxito en el Festival de Sitges. Su nombre te sonará especialmente por la película 'La sustancia', con un guion feminista y súper potente, algo que se veía también ya en su primera película. En ella, Jen (Matilda Lutz), es una joven que acompaña a su millonario amante a una cacería que celebra todos los domingos con amigos en el desierto, otros cuantos hombres que como él también casados. 

Hasta ahí todo parece una trama bastante tranquila, pero el giro inesperado de guion sucede cuando los hombres empiezan a agredir a la protagonista hasta el punto que ya la dan por muerta. Lo que no se esperaban es que ella sobreviviese y ahí es cuando Jen decide vengarse de todos esos desgraciados, escopeta en mano, sin ningún ápice de piedad. Una propuesta muy en la línea de las películas de 'rape and revenge' donde la violencia femenina surge como respuesta a la que ejercen los hombres sobre nuestros cuerpos.

Sin duda este thriller no te va a dejar indiferente, porque tiene acción y emoción por todas partes, y encima nunca sabes cómo va a acabar la historia. La rabia aparece como el motor de resistencia y venganza de nuestro personaje que no está dispuesta a claudicar en su cometido de hacer desaparecer a todos esos hombres que atentaron contra ella. Desde aquí te recomendamos que pulses el play de esta cinta.

Imágenes | HBO

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El nombre de Bad Bunny se cuela por todas partes. Estos días no dejamos de presenciar el furor que está desatando el cantante puertorriqueño en nuestro país donde tenía previstos 12 conciertos. Pero más allá de sus shows en directo, una experiencia que nadie quiere perderse, nos hemos topado con la noticia de que Benito dará voz tanto en inglés como en español, a uno de los nuevos personajes de Toy Story 5. 

La carrera como actor de Bad Bunny va viento en popa y es que, además de haber aparecido en películas como 'Tren bala', 'Bala perdida' y 'Happy Gilmore 2', ahora se lanza a interpretar al nuevo integrante de la saga de nuestros juguetes favoritos. En concreto el personaje al que da voz se llama Pizza con gafas de sol, un juguete nuevo que se sumará nuestros queridos Buzz y Buddy. 

No queremos hacer spoiler de lo que será esta esperada quinta película de Toy Story, pero os adelantamos que el personaje de Bad Bunny forma parte de una pequeña pero poderosa comunidad de juguetes olvidados que viven en una casita abandonada del jardín. Una película en la que innevitablemente la presencia de la tecnología en el mundo de los niños va a estar muy presente. 

Además de Bad Bunny, la película también cuenta con otras voces de actores muy icónicos como Annie Potts (Bo Peep), Wallace Shawn (Rex), Bonnie Hunt (Dolly), John Ratzenberg (Hamm), Joan Cusack (Jessie) y Greta Lee como Lily pad, que intenta sabotear a todos los juguetes clásicos. Sin duda, para saber más sobre este estreno tendremos que esperar a que la película llegue a los cines el 17 de junio.

Fotos | Gtres 

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La familia lleva siendo uno de los temas claves en el cine desde hace el inicio de los tiempos. No nos cansamos de ver este tipo de películas, desde comedias, hasta auténticos dramas, aunque confieso que las que más me enganchan son las que albergan un poco de los dos, una buena comedia dramática como es el caso de 'Father, Mother, Sister, Brother'. Se trata de un film de Jim Jarmusch disponible en HBO, una cinta que se estrenó a finales de 2025 y se llevó el León de Oro a Mejor Película en el Festival de Venecia. 

La película está dividida en tres episodios que comienzan de la misma forma, con dos hermanos o hermanas que van de camino hacia la casa de alguno de sus progenitores, dispuestos a vivir un encuentro familiar. En el primer capítulo, centrado en la ciudad de Nueva Jersey y bajo el título de ‘Father’, Adam Driver y Mayim Bialik viajan en coche para ver a su padre (Tom Waits), un hombre de pueblo que atraviesa una situación económica bastante complicada, mientras luce un Rolex en su muñeca. Una supuesta imitación, diría él.

El segundo acto, titulado 'Mother', nos lleva hasta un barrio residencial de Dublín ‘Mother’, en el que Cate Blanchett y Vicky Krieps se dirigen, a casa de su madre (Charlotte Rampling), una aburguesada anciana reconocida por ser la autora de grandes best sellers. Las tres mujeres están bastante distanciadas y solo se reunen una vez al año. Eso sí, antes de que puedas darte cuenta llega el tercer acto: ‘Sister Brother’, que tiene lugar en París, donde dos hermanos gemelos (Indya Moore y Luka Sabbat) van a casa de sus padres, fallecidos en un accidente de avión.

El guion en sensible a la vez que irónico. Hay hueco para las carcajadas, pero también para emocionarse con los diálogos y los silencios de los protagonistas. De hecho, a pesar de que estas tres historias que se suceden en la pantalla no son la misma, si que dejan cierto poso de similitud entre ellas. Y es que en todas, la familia es el eje central del relato. Desde aquí te recomendamos que veas la cinta porque es un diez de diez.

Imágenes | HBO

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Hablar de Jack Nicholson es hacerlo en consecuencia de una de las figuras más magnéticas e irrepetibles de la historia de Hollywood. A sus espaldas lleva una filmografía de lo más extensa e icónica, y es que el actor construyó una carrera marcada por personajes incómodos y absolutamente hipnóticos. Desde el inconformista Randle McMurphy de 'Alguien voló sobre el nido del cuco', hasta el perturbador Jack Torrance de 'El resplandor', Nicholson convirtió cada una de sus apariciones en pantalla en una demostración de talento. Hay muchos que aun tenemos asociada su sonrisa afilada con ciertas escenas de sus películas más inquitantes.

Durante más de cinco décadas, Jack Nicholson trabajó con algunos de los directores más importantes del cine contemporáneo y dejó interpretaciones memorables en películas como 'Mejor... imposible' o 'Los infiltrados'. Su ritmo  interpretativo siempre ha sido muy visceral a la par que sofisticado, el mix ganador para dar forma al antihéroe en Hollywood, un papel que acabó convirtiéndolo en una auténtica leyenda del cine.

Eso sí, Jack Nicholson nunca ha escondido la enorme admiración que siente por otros compañeros de profesión, especialmente por Marlon Brando. En una entrevista concedida a Rolling Stone en 2004, el actor lo dejó claro: "Lo digo en serio cuando digo que si no puedes apreciar a Brando, no sabría cómo hablar contigo. Si hay algo obvio en la vida, es esto. Otros actores no andan discutiendo quién es el mejor actor del mundo, porque es obvio: Marlon Brando lo es." Para él, el actor de 'Un tranvía llamado deseo' representaba algo tan evidente como indiscutible dentro del séptimo arte.

Está claro que la influencia de Marlon Brando marcó profundamente a Nicholson. Y es que el actor de 'El resplandor', llegó a comparar el impacto cultural de esta figura con el de Pablo Picasso, describiéndolo como un artista revolucionario, imposible de imitar. De hecho, Nicholson también ha hablado en varias ocasiones del impacto que le produjo en él la película 'Salvaje' cuando era adolescente. Nosotras no vamos a discutirle nada al actor, es que tiene toda la razón.

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Si estás en busca de un buen thriller, Prime Video tiene una de las tramas más interesantes que hemos visto en mucho tiempo. Se trata 'Libre', una película basada en hechos reales, sobre la vida del atracador de joyerías Bruno Sulak, especialmente conocido en Francia en los años 80, tanto que llegó a ser una especie de icono del crimen romántico. Una historia real que nos hace viajar desde la Costa Azul hasta París siguiendo a este curioso personaje. 

Con solo 28 años, Bruno Sulak (Lucas Bravo), un hombre de lo más carismático y atractivo, empieza a robar en supermercados, algo que pronto deja atrás y cambia por los atracos no violentos en joyerías. No va solo, sino que tiene a su lado a su fiel amigo y cómplice Drago (Steve Tientcheu) y su amante Annie Bragnier (Léa Luce Busato). Su vida se convierte en una constante escapada. Abandona lugares, personas, llega a otros nuevos, conoce a gente desde cero y mientras, ya está elucubrando un plan para dar un nuevo golpe.

Confieso que yo pulse el play de esta película porque Lucas Bravo era quien daba vida al protagonista. Y es que si te has visto 'Emily in Paris', entenderás el hype por este actor que hace de nuestro querido chef francés en la famosa serie. Por supuesto, estaba a la altura de papel, con una actuación de diez. Quizás lo más curioso era el poder acceder a la parte más humana del atracador al que da vida. Mostrando su relación con Annie y su profundo afecto hacia ella, más allá de ese papel de chulo indomable que tiene que mantener conforme a la narrativa del show. 

Si te gustan las películas de acción, este thriller te va a enganchar de lleno. Y es que el hecho de que la historia que se cuenta haya pasado hace décadas en Francia, incita siempre a tener más ganas de ver una producción. Es la película perfecta para poner el broche de oro a tu día y disfrutar un poco antes de irte a la cama. 

Fotos | Prime Video

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Se ha colado en el top de las más vistas en Netflix, concretamente en el número seis de la lista. Estamos hablando de 'Los condenados' un thriller nórdico dirigido por el islandés Thordur Palsson. Aquí hay terror, drama histórico y un fuerte sentimiento y afán de supervivencia. Es de esas películas de las que en cuanto pulsas el play te mantiene completamente enganchada hasta los créditos. No es de extrañar que todo el mundo esté hablando de ella. 

La trama del film nos sitúa en el siglo XIX y trata sobre la vida de Eva, una mujer viuda que tiene que tomar una de las decisiones más cruciales de su vida cuando un barco se hunde frente a la costa de su aislado pueblo durante el invierno. Ella será la encargada de decidir si salvar o no a los náufragos de la embarcación. Y es que es un film bastante apocalíptico donde la protagonista tendrá que escoger si prefiere arriesgar las provisiones de su pueblo y compartirlas con los extraños que acabar de aparecer o dejarlos morir. 

La película trata profundamente las consecuencias de las elecciones que tomamos a lo largo de nuestra vida. Claro está que en este caso todo se dramatiza a favor de la ficción, del suspense y de la acción que requieren las escenas. Pero el trasfondo, más allá de ese ansia de supervivencia, es bastante profundo, quizás algo que no te esperas tanto en una película de este género. 

Si eres fan de las películas de miedo esta te va a encantar, en cambio, si eres más reticente a este género, 'Los condenados' te ofrece un abanico más amplio de sensaciones además de esa descarga de adrenalina que provocan estos films. Insistimos en que no es casualidad que se haya colado entre las más vistas de Netflix, y es que es perfecta para poner el broche de oro a tu fin de semana.

Fotos | Netflix

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