De la Feria del Libro de Madrid puedes volver, hasta el próximo 14 de junio, con una novela firmada o con una bolsa llena de novedades editoriales. Sin embargo, existe otro tesoro que pasa bastante más desapercibido, pero que lleva décadas formando parte de la historia y el patraimonio del evento: sus carteles.

Desde hace años, la organización encarga la imagen oficial de la feria a algunos de los ilustradores, fotógrafos y diseñadores más importantes del panorama cultural español. El resultado son obras de arte a disposición de todo el mundo. Revisar los carteles de la Feria del Libro de Madrid es recorrer la evolución de las tendencias gráficas, las obsesiones culturales y las distintas formas de entender la lectura de cada época.

Aunque lo mejor es que están accesibles para descargar en el archivo histórico de la feria y decorar nuestra biblioteca personal, salón y dormitorio de forma low cost con la obra de Premios Nacionales y otros artistas de renombre.

Alberto Corazón: ascenso al conocimiento

Hablar de diseño gráfico en España es hablar de Alberto Corazón. Premio Nacional de Diseño en 1989, fue responsable de algunas de las identidades visuales más reconocibles del país. De hecho, ves todos los días su trabajo sin saberlo.

Él creó la icónica imagen corporativa de servicios públicos como Cercanías Renfe, Tesoro Público y la Biblioteca Nacional de España, entre otros. Además de diseñar los logotipos de marcas privadas tan arraigadas en el día a día español como ONCE, Anaya o Mapfre. Incluso suyo es el diseño del famoso teléfono Domo de Telefónica en los años dos mil.

Su participación en la Feria del Libro tuvo lugar en 2011, volviendo a contribuir una vez más con su trabajo a las instituciones culturales que han ayudado a definir la imagen de la España democrática.

Su cartel mostraba escalera rústica de travseaños que simboliza el proceso de introspección y crecimiento personal. Corazón quería plasmar gráficamente cómo una buena lectura nos permite "ascender" y evolucionar, peldaño a peldaño, hacia una comprensión más profunda del mundo y de nosotros mismos.

Chema Madoz: una historia sin palabras

Pocos artistas han desarrollado un lenguaje visual tan reconocible como Chema Madoz. Premio Nacional de Fotografía en el año 2000, su universo de objetos imposibles y asociaciones inesperadas lo han convertido en uno de los artistas españoles con mayor reconocimiento nacional e internacional.

Lo cierto es que su universo parece hecho a medida para ilustras un evento dedicado a la imaginación. Su cartel para la feria en 2012 mantuvo la misma lógica de convertir elementos cotidianos en metáforas visuales que cuentan una historia sin necesidad de palabras. De hecho, más que un cartel promocional, parece una fotografías que podría estar colgada perfectamente en una galería.

Ana Juan: la primera mujer

Premio Nacional de Ilustración 2010 y autora habitual de portadas para la prestigiosa revista semanal 'The New Yorker', Ana Juan tiene una de las carreras más sólidas de la ilustración española contemporánea. Sus imágenes suelen moverse entre lo onírico y lo inquietante, con figuras que parecen salidas de un cuento para adultos. 

Su cartel para la Feria del Libro, en el año 2006, marcó un hito histórico al ser la primera vez que una mujer ilustraba el evento. Para la ocasión, mostró a una mujer rodeada de libros que caen y revolotean sobre su cabeza, representando las lecturas pasadas y presentes que flotan, se entrelazan y terminan por conformar el intelecto, la mente y el mundo interior de una persona. 

Paula Bonet: poesía visual

Aunque todavía no cuente con ningún Premio Nacional, Paula Bonet es probablemente uno de los nombres más reconocibles de la ilustración española actual. Su cartel para la edición de 2018 de la Feria del Libro estaba repleto de referencias literarias, poéticas y feministas, mezclando flores, animales, manos y símbolos de autoras y creadoras que forman parte de su imaginario artístico.

Su estilo, reconocible a primera vista por el uso de la línea, la acuarela y la carga emocional de las imágenes, convirtió aquel cartel en uno de los más comentados de los últimos años.

Juan Gatti: puerta a la lectura

Autor de algunas de las imágenes más icónicas del cine de Pedro Almodóvar y ganador del Premio Nacional de Diseño en 2004, Juan Gatti firmó el cartel de la Feria del Libro de Madrid en 2013. Su propuesta mostraba a un lector frente a unas grandes puertas rojas que, en realidad, eran las páginas de un libro abierto. 

La imagen funcionaba como una invitación a cruzar el umbral de la lectura y adentrarse en otros mundos posibles. Además de reivindicar el libro como objeto físico frente al avance de lo digital, el cartel resumía una idea muy presente en toda la obra de Gatti: la cultura entendida como experiencia visual y emocional. De hecho, podría ser perfectamente otro de sus carteles para una película de Almodóvar.

Isidro Ferrer: la bolsa infinita

Pocos nombres están tan ligados al diseño en la cultura española como el de Isidro Ferrer. Premio Nacional de Diseño en 2002 y Premio Nacional de Ilustración en 2006, fue el encargado de crear el cartel de la 67ª Feria del Libro de Madrid, en 2008.

Su propuesta partía de una de las obsesiones habituales en su trabajo: transformar objetos cotidianos en imágenes cargadas de significado. El cartel establecía un juego visual entre el libro y una bolsa, presentando ambos elementos como recipientes capaces de contener historias, ideas y experiencias. 

La imagen, aparentemente sencilla, escondía varias capas de lectura, algo muy característico de un artista que ha convertido las metáforas visuales en una auténtica marca de autor.

Antonio Mingote: costumbrismo lector

Antonio Mingote fue una de las figuras fundamentales del dibujo y el humor gráfico en España. Miembro de la Real Academia Española, recibió numerosos reconocimientos a lo largo de su carrera, entre ellos el Premio Nacional de Periodismo y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Su relación con las ferias del libro fue especialmente intensa. Durante décadas realizó numerosos carteles para la Feria del Libro Antiguo y de Ocasión de Madrid, hasta el punto de que en 2012 una exposición reunió más de veinte de sus diseños como homenaje a su trayectoria.

Sus carteles mezclaban literatura, humor y escenas costumbristas madrileñas con esa elegancia irónica que convirtió sus dibujos en parte inseparable de la cultura española del siglo XX. Más que simples imágenes promocionales, funcionaban como pequeñas viñetas capaces de contar una historia completa de un solo vistazo.

Él fue el encargado de ilustras el cartel oficial de la Feria del Libro de Madrid en su edición de 1958, cuando se llamaba Feria Nacional del Libro y se celebraba en en el Paseo de Recoletos.

José Luis López Vázquez: lector antes que actor

Mucho antes de convertirse en uno de los rostros más reconocibles del cine español, José Luis López Vázquez trabajó como figurinista, escenógrafo y también dibujante. De hecho, fue el autor de varios carteles de la entonces Feria Nacional del Libro. Más concretamente, los de 1955, 1956 y 1957.

Aunque hoy su nombre está asociado sobre todo a peliculones como 'El verdugo' o 'La cabina', sus carteles para la feria reflejan el lenguaje gráfico de la España de los años cincuenta, con ilustraciones figurativas, referencias directas al libro como símbolo cultural y una estética muy vinculada a la cartelería institucional de la época.

Más que una curiosidad biográfica, su participación demuestra hasta qué punto la historia visual de la Feria del Libro está conectada con nombres fundamentales de la cultura española. Resulta difícil imaginar hoy a uno de los actores más importantes del siglo XX diseñando la imagen oficial de un evento literario, pero López Vázquez lo hizo antes incluso de alcanzar la fama que lo convertiría en un icono del cine nacional.

Foto de portada | Sangsang pic y Alejandro Slocker

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Es el año 1918 y alguien camina por uno de los parques del Bronx, Van Cortlandt Park. Elene Foster, periodista del New York Tribune aseguraba en la edición del 28 de abril de ese año que caminando entre extrañas rocas y tierra, tropezó con un montículo de hierba “crujió al pisarlo y se elevó ante mí”. No es un reportaje de Cuarto Milenio sino la olvidada historia de un grupo de artistas femeninas que aprendió a volverse invisible para que otros pudieran sobrevivir.

El camuflaje moderno tiene nombre de mujer

Antes de la Primera Guerra Mundial, los uniformes militares eran vistosos porque, como ocurre con el plumaje de las aves, lo que buscaban era demostrar poder. Pero cuando las armas de larga distancia y los aviones de combate aparecieron, lo mejor era pasar desapercibidos y es ahí donde entran los artistas del camuflaje. 

El camuflaje no es otra cosa que una cuestión de percepción y los artistas son expertos en ella, por eso no es de extrañar que naciera de un retratista, Lucien Victor Guirand De Scévola en Francia. Fue en Europa donde las primeras mujeres empezaron a trabajar en el camuflaje en el estudio del pintor Norman Wilkinson con el dazzle camouflage. Desde la primavera de 1917 a noviembre de 1918 las mujeres de su equipo habían decorado más de 2.300 embarcaciones de la Royal Navy con ese camuflaje. En Francia, miles de mujeres trabajaban como camoufleurs para el ejército aliado, y en Estados Unidos, también fueron ellas las encargadas de esconder a plena vista aquello que no debía ser visto por el enemigo. 

Curiosamente, las primeras mujeres que se presentaron voluntarias para trabajar en camuflaje fueron rechazadas por el ejército. Sabes por qué, no necesitas que te explique que al principio de la guerra se seguía creyendo que las mujeres debían estar en sus casitas, haciendo de tradwives. Pero ellos fueron al frente y ellas ocuparon puestos de trabajo tradicionalmente masculinos porque no había nadie más que pudiera hacerlo. Se convirtieron en mecánicas de aviones, trabajaban en la industria armamentística, se encargaban de las centralitas y sostenían a la vez a sus familias. Hubo corresponsales, médicas y enfermeras que llegaron a líneas enemigas.

A medida que los hombres partían a Europa, alguien tenía que ocupar también su sitio en los talleres de camuflaje, así que esa primera negativa machista se transformó por culpa de la necesidad. Los periódicos anunciaron que el ejército necesitaba artistas para incorporarse a una escuela de formación especializada. Setenta y cinco mujeres se habían apuntado. Llegaban hasta cuatro nuevas al día. El curso de camuflaje duraría seis meses y después, unas cuarenta artistas de Nueva York y Filadelfia formarían las Women’s Reserve Camouflage Corps, el Cuerpo de Camuflaje de la Reserva Femenina.

El arte de la guerra y de aprender a desaparecer

En su entrenamiento trabajaron el camuflaje de ocultación, es decir hacer que algo o alguien dejase de existir a ojos del enemigo. Diseñaron el "traje de roca", que hacía indetectable a quien lo llevara a diez metros de distancia. También el "traje de observación" que les permitía mimetizarse con el cielo, y si se daban la vuelta, confundirse con la nieve. Van Cortlandt Park se convirtió en su laboratorio y eran ellas mismas las que probaban si el traje funcionaba. 

Las fotografías de los Archivos Nacionales Richard Green reflejan su trabajo y como en un busca a Wally, ver las imágenes y tratar de descubrir dónde estaban esas mujeres, parece un juego. 

Tienes que saber lo que estás buscando para encontrar a la artista en esta foto

Pasaban horas entre las rocas y los árboles, inmóviles, observadas por otras compañeras que evaluaban si el traje funcionaba. Lo curioso es que la policía del parque estaba al tanto de los experimentos pero, como recogía Foster en su artículo, algunos agentes confesaban que rara vez conseguían localizarlas.

En la imagen de la izquierda una de las mujeres está camuflada, como puedes ver en la imagen de la derecha cuando se pone de pie y por fin la vemos

Además de los trajes de camuflaje de ocultación, las artistas también trabajaban con el dazzle camouflage o camuflaje deslumbrante, uno cuyo objetivo era confundir y que se usaba sobre los barcos como ya se había hecho en Francia. Se aplicó a más de 1.250 embarcaciones estadounidenses, pero necesitaban practicar a escala real, así que lo hicieron en Nueva York. Camuflaron una ambulancia y un tanque en los escalones de la Biblioteca Pública de Nueva York. Pintaron el quiosco de Bonos de Guerra en la esquina de Broadway con la calle 43 con patrones geométricos.

El más espectacular fue en el centro de Union Square, donde pintaron un barco de guerra, el USS Recruit. Esta estructura de madera tenía forma de acorazado y funcionaba como oficina de alistamiento.

Al terminar la guerra, el cuerpo desapareció y ellas fueron olvidadas durante décadas, aunque algunas volvieron a trabajar al llegar la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, las fotografías de todo ese trabajo se quedaron en los Archivos Nacionales de Estados Unidos cogiendo polvo. Durante un proyecto de la Administración Nacional para digitalizar películas y fotografías de la Primera Guerra Mundial, el trabajo olvidado de estas mujeres vio la luz de nuevo. 

Las olvidadas ocupan ahora un lugar en la historia. El que siempre tuvieron pero que se silenció durante años. 

Fotos | American Unofficial Collection of World War I Photographs, 

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En España podemos presumir de tener un patrimonio cultural que es "de lo más antiguo".  Después de 14 siglos, esta iglesia no solo sigue en pie sino que se encuentra en perfecto estado de conservación.

Aunque son muchos los templos religiosos de diferentes épocas que existen repartidos por toda la geografía española, solo uno tiene el privilegio de poder decir que es el más antiguo que sigue en pie. Se trata de la Basílica de San Juan de Baños, ubicada en el casco urbano de la localidad de Baños de Cerrato, a unos siete kilómetros de Palencia.

Declarada Monumento Nacional en el año 1897, es el edificio más significativo de la arquitectura religiosa del reino hispanovisigodo. Esto se debe a que representa la fusión de la cultura visigoda (de procedencia germánica) dentro de la Hispania romana.

Palencia Turismo

Ahora seguro que ya entiendes cómo es que está considerada como la iglesia en pie más antigua de España. Aunque a lo largo de los últimos trece siglos la basílica ha sufrido numerosas modificaciones y reconstrucciones, fue construida y consagrada en el año 661. Así lo atestigua la lápida conservada en el arco triunfal del templo, y su edificación está  vinculada al monarca visigodo Recesvinto.

Según la tradición, como consiguió aliviar sus problemas nefríticos en las aguas del manantial del lugar, Recesvinto decidió consagrar un templo a San Juan Bautista en agradecimiento.

Palencia Turismo

Para la construcción del interior, se reutilizaron restos de edificios romanos de la zona. Como, por ejemplo, los capiteles y los fustes de las columnas. La cabecera original tenía forma de tridente con tres capillas separadas entre sí por espacios intermedios. Son embargo, esta se modificó en el siglo XIV, cuando los huecos intermedios se convirtieron en dos nuevas capillas, lo que dio lugar a una cabecera con cinco espacios.

Además, con el tiempo, también desaparecieron  los muros más exteriores, dando lugar a la estructura actual. También hay que tener en cuenta que, de todos los capiteles, solo uno de ellos es auténtico corintio romano, mientras que el resto se hicieron en época visigoda.

Ángel M. Felicísimo

Por supuesto, una vez que se está en el pueblo para conocer esta importante parada del turismo religioso en España, no está de más darse una vuelta por los alrededores de la zona para disfrutar del típico paisaje de El Cerrato palentino.

Y si la visita se produce en torno al 24 de junio, te interesa quedarte a la celebración del rito Hispano visigodo mozárabe, una fiesta de larga tradición e historia que se celebra anualmente dentro de las Fiestas de San Juan Bautista.

Foto de portada | Palencia Turismo

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A pesar de haber tenido una de las temáticas más libres (y, por lo tanto, que podría haber dado más juego) que se recuerdan, la gala MET de 2026 ha estado marcada por la polémica, sobre todo desde que se supo que Jeff Bezos sería el patrocinador más importante del evento. "La moda es arte" es un tema súper genérico en el que ya advertimos que podría pasar cualquier cosa: la primera idea que nos viene a todos a la cabeza es recrear, a través del atuendo, obras de arte clásicas y modernas. Y ellas son las que mejor lo han hecho esta noche.

Heidi Klum recrea la 'Vestal velada', de Raffaelle Monti

Comenzamos fuerte con la que posiblemente sea la mejor recreación de toda la noche, y es que Heidi Klum nunca decepciona cuando se trata de vestuario. La Vestal velada es una escultura del milanés Raffaelle Monti, creada a petición de Guillermo Jorge Spencer Cavendish, sexto duque de Devonshire y que ahora se encuentra en la Casa de Chatsworth. Además de esta obra, Monti también creó otros bustos muy parecidos, un tema recurrente en toda su obra.

La escultura representa a una sacerdotisa virgen romana consagrada a la diosa Vesta, la diosa del fuego y del hogar. Su rostro queda cubierto por un velo que representa la pureza y la castidad. Las vírgenes vestales, además, en la antigua Roma, gozaban de un estatus sagrado, muy superior al de la mayoría de mujeres de la época.

La obra pertenece al neoclasicismo, un momento de la historia del arte en el que se vuelven a retomar los temas de la antigua Grecia y Roma, así como las técnicas que habíamos visto en el pasado. En la Vestal velada de Raffaelle Monti podemos ver una recreación de la técnica de los paños mojados que se creó y popularizó por el griego Fidias en el siglo V a.C.

Madonna recrea 'La tentación de san Antonio', de Leonora Carrington

Del pasado viajamos casi casi hasta nuestros días: Madonna eligió recrear la obra de una mujer, Leonora Carrington, que vivió durante los siglos XX y XXI (murió hace bien poco, en 2011). Además de la declaración de intenciones al elegir una de las pocas artistas reconocidas que nos ha dado la historia del arte (hago hincapié en "reconocidas", porque estar, estaban), Madonna con su atuendo ha recreado la tentación de la lujuria, encarnada por una mujer, ella misma, portando una trompa.

Las tentaciones de San Antonio Abad son un tema muy recurrente durante la historia del arte: si habéis estado en el Museo del Prado, seguramente habréis visto el tríptico de El Bosco dedicado a esta temática, y sin duda conoceréis el cuadro homónimo de Dalí (el del caballo y los elefantes con las patas larguísimas). Este episodio cuenta cómo Antonio Abad, antes de ser santo, tuvo que enfrentarse a diferentes tentaciones en el desierto de Egipto y cómo las superó gracias a la oración.

La obra de Leonora Carrington se engloba dentro del surrealismo; no en vano, su pareja, de quien sin duda recibió y ejerció influencia, fue el artista Max Ernst, una de las figuras más importantes tanto del surrealismo como del dadaísmo. La pintura quiere recordar también a las pinturas flamencas por su naturalismo y su forma característica de retratar la naturaleza.

Kendall Jenner recrea a 'La Victoria de Samotracia'

Viaje al pasado de nuevo a través del atuendo de Kendall Jenner, que decidió recrear una de las obras más reconocibles de toda la historia del arte: la Victoria alada de Samotracia, que se encuentra en la escalera del Museo del Louvre, en París. Una elección clasicona, pero muy bien ejecutada, que nos transporta a esa época clásica, con su canon de belleza tradicional.

Para ubicarnos, la Victoria alada de Samotracia pertenece al período helenístico (justo después de la Grecia clásica) y pertenece a la escuela de Rodas. La escultura está colocada sobre la proa de un barco, ofreciéndole un lugar desde el que justificar el dramatismo de su postura y sus ropajes.

Si os fijáis, veréis que también esta escultura está realizada con la técnica de los paños mojados de Fidias de la que hablábamos antes, aunque esta es un poco más tardía, alrededor del siglo II a.C. La victoria o Niké da un paso al frente y abre sus alas mientras el viento pega los ropajes a su cuerpo, dejando entrever las formas corporales debajo de las telas.

Rachel Zegler recrea 'La ejecución de Lady Jane Grey', de Paul Delaroche

Y de la Grecia clásica pasamos al romanticismo, porque Rachel Zegler eligió recrear, con muy buen gusto, 'La ejecución de Lady Jane Grey', obra del pintor francés Paul Delaroche que podemos disfrutar en la National Gallery de Londres. Una elección curiosa, cuanto menos, si tenemos en cuenta quién fue Lady Jane Grey y qué supuso para la historia inglesa.

Lady Jane Grey fue una de las reinas más breves de la historia de Inglaterra, y de la historia en general: tan solo reinó durante nueve días, del 10 al 19 de julio de 1553. Fue nombrada, contra su voluntad, heredera del rey Eduardo VI para evitar así que María Tudor accediera al trono. Sin embargo, pocos días después María Tudor reclamó el trono inglés con apoyo popular y Lady Jane Grey tuvo que aceptar su funesto destino siendo ejecutada en la torre de Londres. Se lleva consigo el título de la primera mujer que reinó en Inglaterra, aunque fuese de forma breve.

El romanticismo fue una época en la que el dramatismo lo llenaba todo: desde los paisajes de una naturaleza todopoderosa (seguramente tenéis en mente 'El caminante sobre el mar de nubes' de Friedrich) hasta los sucesos políticos tanto del pasado, como es el caso de la ejecución de Lady Jane Grey, como del momento presente (solo hace falta recordar 'La Libertad guiando al pueblo' de Delacroix). Dentro de esta obra de Delaroche merece la pena fijarnos en la ejecución de las telas que visten los personajes: cómo el raso del vestido de Jane grey brilla y podemos casi acariciar su suavidad con la punta de nuestros dedos, cómo contrasta con el abrigo de piel del hombre que la guía para colocar la cabeza sobre la pieza de madera.

Emma Chamberlain recrea 'El Jardín de Arlés', de Van Gogh

Y cerramos con un clásico del arte contemporáneo que no podía faltar en una gala Met dedicada al arte: 'El jardín de Arlés', de Vincent Van Gogh, fue la obra elegida para inspirar el vestido de la californiana Emma Chamberlain. Una elección clásica, pero que de la mano de Mugler dio lugar a uno de los mejores vestidos de la noche.

'El jardín de Arlés', actualmente en el Kunstmuseum Den Haag, en La Haya, representa al 100% el espíritu de Van Gogh: el cuadro respira a través de los colores representado un jardín cuajado de flores en clave impresionista, que quiere recordar incluso un poco al puntillismo de Seurat. La luminosidad del Mediterráneo llena toda la obra y refleja el juego de colores del jardín de esta ciudad en la que Van Gogh vivió y que retrató en numerosas ocasiones.

El padre de Emma Chamberlain, que ayer ejerció de corresponsal de Vogue en la gala, es acuarelista y pintor, de modo que la elección de recrear un Van Gogh no podría ser más acertada y, en cierto modo, un homenaje a su padre. La referencia del vestido, según ha contado ella misma, fueron obras de Van Gogh y Munch, y la pieza fue personalizada por Miguel Castro Freitas, director creativo de la marca.

Imágenes | Gtres

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En el pleno 2020, mientras algunas nos pasábamos ese periodo de cuarentena a causa del la Covid-19 haciendo ejercicios de pilates en el salón de casa y horneando galletas y demás postres, hubo quienes decidieron tomarse esos meses para ordenar a fondo sus casas. Fue el caso de Charlotte Meyer, una mujer holandesa que dio en mitad de una de sus jornadas de limpieza intensiva en su hogar con una carpeta con grabados que habían pertenecido a la familia durante aproximadamente un siglo.

Lo curioso es que no se trataba de una carpeta con un par de dibujos cualquiera, sino que contenía 35 grabados creados por el conocido pintor holandés del siglo XVII, Rembrandt Van Rijn. Resulta que ese conjunto de folios había sido reunido entre 1900 y 1920, pero Meyer dudaba de que fueran auténticos. Y es que el mercado del arte está lleno de atribuciones erróneas y falsificaciones, especialmente en el ámbito del grabado antiguo. Pero este no es el caso porque cuando por fin se decidió a contactar este año con los especialistas del Museo Stedelijk de Ámsterdam no había dudas: eran obras reales.

Grabado de Rembrandt Van Rijn

Como le explicaba Meyer a Omroep Gelderland , según una traducción de NL Times: "En aquella época, a nadie le interesaban los grabados. No tenían nada de especial. Por solo unos pocos florines, mi abuelo compró 35 diferentes". A día de hoy estas piezas poseen un valor escandalosamente alto y eso no solo se debe a la magnitud de la figura de Rembradt en el universo del arte. 

El museo Rijksmuseum insiste en que esto se debe a que el artista realizó cerca de 300 grabados a lo largo de su vida, utilizando técnicas como el aguafuerte, la punta seca y el buril. Lo innovador no era solo la técnica, sino su enfoque: modificaba las planchas repetidamente, creando diferentes estados de una misma obra. Haciendo de ello algo único.

Grabado de Rembrandt Van Rijn

Es cierto que Meyer no ha confirmado en ningún momento el valor real de esos grabados, pero basta que nos fijemos en otras obras de Rembrandt como el retrato de Arnout Tholinx, de 1656 que se vendió en diciembre de 2025 en la casa de subastas Christie's por 3,1 millones de libras, estableciendo un récord de dinero fijado para un grabado de un pintor antiguo.

Gracias a este hallazgo el Museo Stedelijk de Zutphen expone desde este marzo, una selección de piezas de Rembrandt en la que se incluyen los 35 grabados originales que descubrió Meyer. El título de la exposición es de lo más sombólico: “Rembrandt, de la oscuridad a la luz”. La muestra no solo reúne obra gráfica, sino que también propone una lectura simbólica del trabajo del artista, centrada en su uso del claroscuro y la narrativa religiosa y cotidiana. Si haces una escapada a Zutphen en Países Bajos, sí o sí tienes que ir a su museo municipal de arte e historia y disfrutar de esta exposición.

Fotos |

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¿Cuántas veces has podido contemplar 'Las meninas' en lo que llevas de vida? Se trata de algo verdaderamente incalculable y, aún así, es probable que todavía te queden detalles por descubrir de la icónica obra de Velázquez. Esta composición compleja y arriesgada con la que el pintor consiguió transmitir la sensación de realidad y vida en palacio, muestra cómo la infanta y los servidores interrumpen lo que hacen ante la aparición de los reyes. Sin embargo, menos conocido popularmente es la historia que oculta la vasija que se le ofrece a la Infanta Margarita. Y no, no está relacionada con ningún brebaje o perfume.

La cita de Góngora en una de sus letrillas: "niña de color quebrado, o tienes amor o comes barro", y la de Lope de Vega en 'La Dorotea': “¿Qué traes en esa bolsita?… Unos pedazos de búcaro que come mi señora; bien los puedes comer, que tienen ámbar” son referencias abiertas  a la bucarofagia, un hábito que se puso de moda entre las damas de la corte del siglo XVII y que consistía en ingerir barro cocido. Sí, has leído bien. Lo hacían rompiendo búcaros en pequeños pedazos o triturándolos en polvo.

La tuitera Mercedes M rescataba esta historia en un hilo de la red social ante el asombro de miles de personas que la compartían sorprendidos. "Las cerámicas de Tonalá llegaban a la corte española procedentes del Nuevo Reino de Galicia, dentro del Virreinato de Nueva España. De color rojo brillante, modeladas en formas casi imposibles, fueron uno de los objetos de lujo más demandados por excitar varios sentidos", explicaba.

Así ha quedado documentado por los historiadores, que han encontrado documentación sobre el consumo de barro en otros países desde el siglo X y que creen que llegó a España a través de los moriscos. No obstante, aunque comer arcilla como práctica medicinal había existido desde antaño, la ingesta de búcaros era algo peculiar.

Estos búcaros se fabricaban con una arcilla que al cocerse daba forma a pequeñas vasijas que impregnaban el agua de un agradable olor. Además, su  superficie bruñida era gustosa al tacto y su sonido particular. Por ello, antes de comérselos, muchas los usaban como perfumeros.

Lo habitual era que se consumiera una jarrita al día, de pequeño tamaño, como la que figura en la obra maestra de Velázquez. A la arcilla con la que estaban elaborados se le atribuían propiedades contraceptivas debido a que la obstrucción intestinal que provocaban hacía disminuir o desaparecer la menstruación.

Aunque tal era el desconocimiento en la época que se utilizó también por los motivos contrarios. Se pensaba que al disminuir la menstruación, se alargaba la ventana fértil de la mujer. Es conocido que María Luisa de Orleans la probó para aumentar su fertilidad en un intento de quedarse embarazada de Carlos II "El Hechizado", una alteración genética que lo dejó sin descendencia.

Además, provocaban clorosis, una disminución del hierro de los glóbulos rojos de la sangre, provocando una intensa palidez que era el prototipo de belleza en el Siglo de Oro en España. Tampoco ayudaban los efectos alucinógenos y narcóticos que los componentes de las vasijas provocaban, con la consiguiente dependencia como si de una droga se tratara. Y es que todo debía a un envenenamiento continuado con plomo, arsénico y otros metales presentes en arcillas y pinturas. Así que en el siglo XIX esta práctica desapareció definitivamente.

Imágenes | Museo Nacional del Prado

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Eindhoven es la quinta ciudad más grande de Países Bajos y se le conoce como la Ciudad de la Luz. De hecho en 1891, se fundó Phillips allí, y es allí donde desde 2006 se celebra el Glow Fest, un festival anual de arte lumínico considerado el más importante del mundo. Pero este 2026 la luz sale de Países Bajos para aterrizar en América Latina. Es la primera vez que saldrá de Europa y lo hará para que el Centro Histórico de Puebla, en México, lo viva de forma gratuita del 11 al 19 de abril de 2026.

Durante nueve noches una combinación de arte, luz y tecnología llenará las calles y el interior de algunos edificios de Puebla en un espectáculo gratuito que busca convertirse en una experiencia sensorial para todos. Distribuidas a lo largo de 2,4 kilómetros, se instalarán 15 intervenciones artísticas (nueve a cargo de artistas internacionales y seis de talento local incluida una de estudiantes poblanos), que ocuparán diferentes espacios emblemáticos de la ciudad, como la Catedral de Puebla, la Biblioteca Palafoxiana, el Teatro Principal, el Palacio Municipal o el Templo de San Roque.

Planets | Pronorm - Helmond (Glow Fest en Helmond, 2025)

Esta experiencia urbana transformará el Centro Histórico de Puebla en un recorrido nocturno “donde la luz revela historias y dialoga con una de las arquitecturas más emblemáticas de México”, como explican desde la propia organización. Por ejemplo, el artista francés Patrice Warrener usará su técnica Chromolithesobre sobre la Catedral de Puebla, uno de los monumentos más emblemáticos de América Latina. El francés usa una técnica que “pinta” edificios históricos con luz a través de una composición de colores que harán que el edificio se vea como nunca antes. 

Sobre la Biblioteca Palafoxiana, por ponerte otro ejemplo, se proyectarán los contenidos de libros que normalmente no pueden verse, directamente en la fachada. Además de sobre los edificios, se podrán disfrutar de obras dentro de los mismos en las que la luz seguirá siendo protagonista indiscutible.

Fleur | Cédric le Borgne - Oirschot (Glow Fest en Oirschot, 2025)

La llegada de Glow a México no es solo algo cultural. Implica un impacto económico y turístico porque se espera que más de 450 mil personas acudan a disfrutar de este festival gratuito. El circuito estará instalado del 11 al 19 de abril de las 19 a las 23 horas en las calles del centro histórico de Puebla. Sin duda un espectáculo que merece la pena ver y que conseguirá que esta ciudad mexicana se sitúe en el mapa internacional gracias al Glow México.

Fotos | Glow Fest

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La visión del mundo de algunos filósofos es realmente sombría. Es el caso de Emil Cioran, apodado el apóstol del pesimismo radical, un hombre que detestaba la esperanza a la que llegaba a calificar como aberración. Estudió filosofía en Bucarest, y fue allí donde encontró el pesimismo de Nietzsche y Schopenhauer, pero de Cioran dicen que es el pesimista más reconocido del siglo XX. Tras sus palabras, tan nihilistas y duras como bellas, hay algo de luz. 

En su primer libro ‘En las cimas de la desesperación’, el escritor rumano ya afianzaba su pensamiento. Tenía poco más de 20 años pero esa obra ya contenía casi todas las obsesiones de su pensamiento: la conciencia, la angustia, la lucidez y el papel del sufrimiento en la vida humana. De ese libro es de donde sale la famosa frase “sólo se piensa cuando se sufre”. No dice que pensar es doloroso, sino que es del sufrimiento de donde nace el verdadero pensamiento, como si el dolor se convirtiera en tierra fértil para nosotros. Afirma que la conciencia humana se intensifica a través del sufrimiento y durante años persigue esa idea como un perro de caza. Décadas más tarde, en ‘Breviario de podredumbre’ aseguraba que “el sufrimiento es la única manera de tomar la vida en serio”.

Su idea es que el sufrimiento despierta la conciencia porque cuando una persona vive sin sufrir se adapta al mundo y vive en una especie de normalidad anodina e inconsciente. En cambio, cuando aparece el sufrimiento en forma de dolor, angustia o desesperación, la persona deja de vivir automáticamente y empieza a cuestionar el sentido de todo. Pensemos por ejemplo en una ruptura de pareja. Cuando ocurre, el dolor aparece y con él, la reflexión. “El sufrimiento tiene una función reveladora: sólo en él descubrimos las profundidades de nuestra conciencia”, explicaba el filósofo. No significa que el sufrimiento sea bueno, pero puede desencadenar una reflexión profunda y en algunos casos, puede llegar a producir un crecimiento frente a la adversidad.

La conexión de sufrimiento y arte

Pero ¿y si ese sufrimiento, además de hacernos reflexionar, nos hiciera crear? Hay autores, cineastas y artistas de todo tipo que crean a partir de su propio dolor. Recordemos algunos de los mejores discos de Taylor Swift, que nacieron de sus rupturas amorosas, o el álbum ‘In Utero’ en el que Kurt Cobain transforma sus sufrimiento en música. Piensa en Frida Kahlo que convirtió su dolor físico y emocional en el núcleo de su obra. A nivel psicológico, la intensidad emocional funciona como un catalizador para algunas personas y el arte no deja de ser una forma de traducir emociones complejas en símbolos, o como dice Cioran, en pensamientos. Él mismo veía en el arte una ventana misma al dolor y afirmó que la música de Johann Sebastian Bach “es la única razón para pensar que el Universo no es un desastre total”.

También existe lo que en psicología se llama distancia estética, un desapego o brecha emocional que nos permite separar la realidad que nos hizo daño mediante una obra. Convertir el dolor nos permite observarlo desde fuera, y lo transforma en algo compartible y superable. En cierto modo, el arte hace con el dolor lo que Cioran decía que hacía el pensamiento y es que lo convierte en lucidez y “la lucidez es el único vicio que hace al hombre libre”, según el filósofo.

Aunque sea una reflexión tan pesimista como lo era el propio Cioran, no deja de haber algo poético en pensar que ese sufrimiento pueda crear algo que quizá, se convierta en lo más bello que salga de nosotros.

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Fotos | Flickr, Mahdi Bafande en Unsplash

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‘Sirat’ ha sido sin duda un fenómeno desde su estreno: una película de esas que no te dejan indiferente, la amas o la odias, pero no puedes dejar de pensar en ella ni de hablar de ella. Y ahora, como si de un regalo de Navidad adelantado se tratase para los amantes de la peli, podemos disfrutar de ‘HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera’, la nueva instalación de Oliver Laxe, director de la película, en el Museo Reina Sofía de Madrid.

Oliver Laxe ha demostrado hasta ahora ser un artista multidisciplinar y no conformarse con un solo campo ni con lo que queda en la superficie. Comenzó, en las propias palabras del artista en una entrevista concedida al museo, realizando instalaciones a los 20 años, y no encuentra que sea algo tan distinto a lo que puede hacer en sus películas. Laxe describe ambos formatos como experiencias sensoriales y sinestésicas, que es lo que pudimos ver en ‘Sirat’ y lo que esperamos encontrar en esta nueva instalación. 

La obra de Laxe, que inaugura la nueva programación del ‘Espacio 1’ del museo, se divide en dos salas. En la primera encontramos una pirámide de altavoces con aspecto totémico que emite sonidos guturales, a la que podremos “rendir pleitesía” tal y como hacen los raveros en la película: todos entrando en catarsis al mismo tiempo, con sus movimientos desacompasados pero rítmicos, mirando todos en la misma dirección, hacia los altavoces, como si de un ser ultrapoderoso se tratara. En la segunda sala las imágenes son las protagonistas, con tres proyecciones de imágenes del desierto, grabadas por el mismo Laxe en Irán hacia 10 años, que desdibujan esa puente que une el infierno y el paraíso y que significa, literalmente, ‘Sirat’.

La instalación, concebida específicamente para el Museo Reina Sofía, estará abierta al público desde el 17 de diciembre hasta el 20 de abril, y pinta a planazo para esta Navidad aprovechando que ‘Sirat’ acaba de ser preseleccionada en cinco categorías para los Oscar.

Imágenes | Museo Reina Sofía, GTres, Martin Kraft

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Nadie esperaba que ‘La casa de los gemelos 2’ se convirtiera en la conversación más repetida este final del año. Este reality  se está merendando a todos los realities que conocíamos gracias a memes, vídeos virales y noticias como la expulsión de José Labrador. Aunque vemos lo que ocurre como en ‘La isla de las tentaciones’, este ‘Gran Hermano’ 2.0 es mucho más salvaje, que se emite online y que se vende como un programa sin filtros. Para muchos es un engendro de televisión basura. Para otros, verlo es de aristócratas y tiene mucho que ver con Velázquez.

El fenómeno de los gemelos. La primera edición estrenada el 12 de octubre de 2025, exploraba los límites del entretenimiento sin filtros. Como una especie de ‘reality gore’ dirigido por Zona Gemelos (los hermanos Carlos y Daniel Ramos) para YouTube y Kick. Se nutre del ecosistema Mediaset con personajes como José Labrador de 'Gandía Shore' o Eros Vidal de 'La Isla de las Tentaciones'. A estos se suman nombres como Cherilyn Divine, La Marrash, El patica, Ruth o La falete entre otros. 

Que no puede verse en la televisión no está restando éxito. Al contrario, se lo suma. Esta segunda edición está siendo un auténtico hito viral con picos de más de 300.000 espectadores, vídeos en redes con millones de reproducciones y conversaciones que no paran entre detractores y amantes del formato. No hay guion y las rarezas se van acumulando: pedos en la cara de compañeros, mierdas en mitad de habitaciones, peleas constantes, invasión de la intimidad, ataques de celos violentos y un sinfín más de contenido que genera una conversación constante en redes sociales. Y esto es una muestra de lo mucho que nos llama la atención este tipo de contenidos.

Los orígenes: la gente del placer del siglo XVI y el freak show. Ese gusto por lo raro y lo excéntrico del que tanto se está hablando, no viene de TikTok sino del siglo XVI. Personajes que parecen algo nuevo, pero que puede que sean ecos de la antigüedad como bien explicaba Alex Martín, historiador de arte y mediador cultural. El experto nos cuenta que “en los siglos XVI y XVII existía en la corte de los austrias un grupo de personas denominados como gente del placer. Estaba formado por enanos, bufones, personas con diferentes discapacidades físicas y mentales que convivían diariamente con reyes y príncipes”. 

Figuras como Sebastián de Morra el Primo o la enana Mari Bárbola aparecen en cuadros de Velázquez y son parte de la gente del placer. “Su presencia en la corte no era anecdótica, formaban parte del día a día del entorno palaciego en prácticamente todas las cortes europeas”, asegura Martín. El por qué se debía a cuestiones simbólicas. “Marcaban el contraste entre lo feo, lo deforme e incluso lo ridículo que resaltaba la propia perfección del rey, y tenerlos en el palacio demostraba una especie de caridad ostentosa, además de que jugaban un papel fundamental en el ámbito del entretenimiento”. ¿Te suena? La aristocracia del siglo XVI hacía lo mismo que hacemos ahora: mofarse de lo raro y hacer espectáculo con ello. 

Martín asegura que en el siglo XIX “vemos el desarrollo del freak show a manos de Barnum, que democratiza el acceso a todos estos espectros tan ambiguos de nuestra sociedad”. Este tipo de espectáculos es ahora para todos, no solo para los aristócratas, y ha llegado hasta el siglo XXI, solo que ahora, como explica el experto, “ya no se exhiben cuerpos raros ni figuras extrañas, sino vidas raras, personalidades caóticas, estéticas bastante excéntricas y una impulsividad que a veces cae hasta en esta idea de performance”. Si lo analizas, la lógica es la misma: la sociedad convierte la diferencia en espectáculo.

Antes de La Falete y la Marash estuvieron Encarnita Rojas Serrano y Tamara Seisdedos. Lo que hace La casa de los gemelos ya hemos visto no es nuevo, pero no hace falta que nos remontemos al siglo XVI para ver ejemplos de ello. Todo lo que rodeó a Tamara Seisdedos y que vimos en su maravillosa serie de Netflix, los personajes que Cárdenas viralizó bajo el nombre de “frikis” cuando aún ni existían las redes sociales o aquellos que aparecían en ‘El diario de Patricia’. 

Hay muchos más como Encarnita Rojas Serrano del baptisterio romano del siglo primero (¿a quién no le va a gustar?) o Ares, conocido como “Pim, pam, toma Lacasitos" que aparecían en el programa ‘Callejeros’. Todos ellos representaban una España sórdida y excéntrica que se convirtió en parte del imaginario colectivo haciendo exactamente lo mismo que ‘La casa de los gemelos’. Su impacto aún perdura, lo que no queda claro es si por mofa, por comedia o por ternura.

Lo que diferencia ‘La casa de los gemelos’ con lo ocurrido en el pasado. Guy Debord decía en su libro ‘La sociedad del espectáculo’ que vivimos en la sociedad del espectáculo y lo diferente se convierte en contenido. La diferencia es que antes se consumía en una sala de palacio, después en los teatros, más tarde en la televisión y ahora, en las redes sociales. Y es precisamente en ese cambio donde podemos ver su éxito porque la Generación Z consume la mayor parte de su contenido en redes sociales y emitirlo en televisión no tendría sentido. 

Además, si recuperamos esa idea de que es un programa “sin límites”, hay que pensar que la tele los tiene y las redes mucho menos, así que es un campo más apto para que crezca. El problema es que esa falta de límites puede hacer que el programa llegue al límite, valga la redundancia, de los derechos humanos. Y no nos gustaría que se repitieran casos como el de Raphaël Graven en Francia, conocido como Jean Pormanove, que se dejó torturar en directo por “sus amigos” hasta la muerte.

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Fotos | La casa de los gemelos, “Las meninas“ de Diego Velázquez

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